М. Гордеева

Лос-Анджелесский окружной музей искусств

Официальный сайт музея: www.lacmd.org

Адрес музея: 5905 Wilshire Blvd, Лос-Анджелес.

Проезд: от станции метро «Wilshire» на автобусе № 20, 720, от станции «Fairfax» — № 217, 218 и 780.

Телефон: 323 857 6000.

Часы работы: Понедельник, вторник, четверг — 11:00–17:00, пятница — 11:00–20:00, суббота, воскресенье — 11:00–19:00.

Музей закрыт по средам, в День благодарения и Рождество.

Цены на билеты: полный — 15$, для членов групп численностью более 10 человек — 12$, студенческий — 10$. Вход бесплатный для детей до 18 лет, а также во второй вторник каждого месяца.

Фото- и видеосъемка: Разрешена личная, некоммерческая, фотосъемка без применения вспышки.

Информация для посетителей: При музее работают специализированный магазин, детская художественная студия, ресторан, бар, кафе.

Здание музея

Лос-Анджелесский окружной музей искусств (LACMA) является одним из крупнейших художественных музеев Соединенных Штатов Америки. Его коллекция включает более 100 000 произведений, представляющих развитие искусства от древнейших времен до XXI века, а многочисленные экспозиции и выставочные залы ежегодно посещают более миллиона зрителей.

Интерьер музея

Лос-Анджелесский окружной музей искусств как самостоятельное учреждение культуры был организован в 1961. Ранее он являлся частью городского Музея истории, науки и искусства, который с 1910 располагается недалеко от Университета Южной Калифорнии.

В 1965 LACMA переехал в недавно построенный комплекс зданий на бульваре Уилшир в центре города. С этого момента он постоянно увеличивает количество экспонатов и выставочные пространства, для чего возводятся новые корпуса. Так, например, в 1988 был открыт павильон японского искусства, созданный по проекту архитектора Брюса Гоффа.

Рядом с музеем разбит прекрасный сад, его украшают бронзовые изваяния Огюста Родена. Также частью декора территории LACMA являются колонны фонарей, выполненные скульптором Робертом Грэмом.

Музеем управляет совет попечителей, определяя общее направление его деятельности. Чтобы войти в этот орган, нужно сделать первоначальный взнос в размере 100 000 долларов. Такую же сумму необходимо вносить ежегодно. Все полученные денежные средства тратятся на покупку новых экспонатов, благотворительность и различные нужды музея. Нынешний совет насчитывает пятьдесят членов, в их число входят Барбара Стрейзанд, Брайтон Грейзер, Майкл Линтон, Дарья Жукова и другие известные люди.

В 2004 совет принял решение о полной реконструкции музея, которая должна проходить в несколько этапов. В первую очередь перестройка направлена на приобретение новых удобных помещений для проведения выставок, размещения коллекций, а также административных офисов, ресторанов, магазинов, комнат для образовательных программ и просмотра кинофильмов.

Собрание музея поражает разнообразием, здесь представлены произведения древнеегипетского, древнегреческого и древнеримского, исламского, африканского, японского и азиатского искусства, а также фотографии, графика, костюмы и многое, многое другое.

К основополагающим коллекциям можно отнести обширное собрание европейской живописи и скульптуры, которое включает в себя работы, созданные в период с XII до начала XX века. В число его шедевров входят «Мария Магдалина с коптящим пламенем» Жоржа де Ла Тура, «Воскрешение Лазаря» Рембрандта Харменса ван Рейна, «Сестры Белл ел и (Джулия и Джованна Белл ел и)» Эдгара Дега. Творения Пабло Пикассо, Анри Матисса, Генри Мура, Пауля Клее, Хуана Миро, Альберто Джакометти и других мастеров XX столетия можно найти в разделе экспозиции, посвященном современному искусству.

Особое место в музее занимают произведения из коллекции американского и латиноамериканского искусства. LACMA гордится своим собранием «Декоративное искусство и дизайн», которое демонстрирует развитие ремесел как в Европе, так и в США и включает более 350 ценнейших экспонатов.

Выставочная деятельность музея ошеломляет размахом и грандиозностью. Среди лучших экспозиций такие, как «Тутанхамон и золотой век фараонов», «Шедевры Винсента Ван Гога из его музея в Амстердаме», «Французские импрессионисты», «Современный Запад: американские пейзажи, 1890–1950», «В стране чудес: сюрреалистические приключения женщин-художниц в Мексике и Соединенных Штатах», «Дети Пернатого змея: наследие Кецалькоатль в Древней Мексике».

Интерьер музея

Также LACMA проводит презентации книг, встречи с художниками, мастер-классы и многое другое. В 2011 он объявил о начале партнерских отношений с Академией кинематографических искусств и наук, результатом чего должно стать открытие музея кино. Здесь регулярно, практически каждую неделю, проходят показы кинолент разных направлений. Помимо этого в музее устраивают концерты джазовой музыки, образовательные и развлекательные мероприятия для зрителей любых возрастов.

О новых и интересных событиях, которые будут происходить в Лос-Анджелесском окружном музее искусств, можно узнать на его официальном сайте или страничке в Твиттере (http://twitter.com/LACMA).

Попуа-Новая Гвинея. Маска. Около 1890

Первобытное искусство, искусство древнего мира и стран Азии

Сирийский бог войны. 1550–1150 до н. э.

Центральный Иран Расписной сосуд 5000–4500 до н. э. Керамика. 17,8x22,9

Данный сосуд, происходящий из Центрального Ирана, является наиболее ранним образцом керамики в коллекции Лос-Анджелесского окружного музея искусств. Он был обнаружен в 1950-х в ходе раскопок поселения конца V тысячелетия до н. э., вблизи деревни Исмаилбад.

Изделие прекрасно сохранилось, оно имеет простую форму, характерную для керамики этого региона. Декоративные мотивы, украшающие верхнюю часть, — стилизованные изображения козлов, заключенные в квадраты, которые в свою очередь обрамлены геометрическим орнаментом, состоящим из параллельных штрихов.

Древний Египет Осирис 1550–1070 до н. э. Дерево, позолота. Высота — 57,1

Осирис — основной бог Древнего Египта, его имя фигурирует почти во всех мифах, аллегориях и преданиях страны. Он старший сын бога земли Геба и богини неба Нут, который был женат на своей сестре богине плодородия Исиде. Изначально Осирис — бог животворящих сил природы, впоследствии — царь загробного мира.

Египтяне изображали его в виде мумии со скрещенными на груди руками, в которых находились атрибуты власти. В некоторых случаях бога представляли с головой быка, так как по верованиям людей он часто перевоплощался в быка Аписа. Лицо и тело Осириса, как правило (особенно во фресках), окрашивались зеленым цветом. Скульптурные изображения бога помещались в гробницах как символ предстоящего воскрешения.

Статуэтка из коллекции музея представляет Осириса в высокой короне фараона Верхнего Египта, с накладной бородой. Атрибуты, которые были у него в руках, не сохранились.

Древний Египет Статуэтка богини Уаджет. Около 664–525 до н. э. Бронза. Высота — 33

В древнеегипетской мифологии Уаджет, богиня-кобра, являлась покровительницей фараона и официальным божеством Нижнего Египта. Чаще всего она изображалась с головой названной змеи. Представленная в коллекции музея бронзовая статуэтка богини имеет антропоморфное тело и львиную голову, которую венчают полный диск солнца и священная кобра. Атрибуты, которые Уаджет держала в руках, ныне полностью утрачены. С особой тщательностью проработана ее фигура: подчеркнута тонкая талия, под легкой тканью одежд видны контуры груди, живота и бедер.

Египтяне верили, что Уаджет является правым оком бога света Гора (символизирует луну). Изображение богини в виде глаза стало амулетом. При мумификации его клали на тело покойного, что должно было помочь при воскрешении.

Данная статуэтка атрибутирована как изображение Уаджет благодаря надписи, находящейся на ее прямоугольном основании. Вероятнее всего, оно предназначалось в дар храму.

Мексика Дом с группой людей 200–500. Расписная керамика. 30,5x25,4x20,3

Эта глиняная скульптура происходит из штата Наярит в Западной Мексике. Она представляет собой дом с покатой крышей, на которой сидят птицы с длинными клювами. Данная постройка является прекрасным убежищем от палящих лучей солнца, при дожде и в холодную погоду все открытые части завешивались плотной тканью. Внутри находятся люди всех возрастов, одни из них заняты приготовлением пищи, другие что-то мастерят, дети играют. Благодаря таким моделям можно ясно представить, как жили мексиканцы в далеком прошлом.

Япония Дзидзо Босацу. Около 1070–1120. Дерево. 190,8x61 х61

Дзидзо Босацу в буддийской религии является бодхисаттвой, особенно известен в Японии. Он изображается в виде монаха, с обритой головой, в простых одеждах. Удлиненные мочки ушей и круглый бриллиант в центре лба указывают на то, что герою предназначено получить полное знание и через некоторое число рождений стать Буддой. Лотос под его ногами — символ возвышенной чистоты, совершенства и преодоления сложных ситуаций. В Японии Дзидзо почитается как покровитель детей и путешественников.

Индия Ганеша XII век. Камень. 81,Зх 53,3x29,2

Ганеша, индийский бог мудрости, удачи, разрушитель препятствий, — один из самых почитаемых представителей пантеона. Он приходится сыном Парвати и Шиве.

Бог изображается в образе полного мужчины с большим животом, с головой слона со сломанными бивнями, обладающего веселым нравом. Ездовым животным (вахане) Ганеши является мышь. В руках (их в зависимости от облика может быть от двух до тридцати двух) бог из экспозиции музея держит объекты, символизирующие его силу: топор, петлю, обломок бивня и модаку (рисовый шар, воплощающий желанные духовные награды). Одна нога у сидящего Ганеши подогнута, в то время как другая стоит на земле, что передает идею серединного пути. Огромный живот, вокруг которого обвита змея, олицетворяет Вселенную. Большая голова божества символизирует мудрость и совершенство мира.

Япония Пара охраняющих животных. Около 1250. Дерево, растительный пигмент. Левое — 51,4x27,9x49,5, правое — 60x29x50,2

Подобного рода животные всегда создавались парами и располагались перед входом в синтоистский или буддийский храм. Они были призваны оберегать как здание, так и всю территорию от злых духов.

Левое существо напоминает льва. Его голову с открытой пастью «обрамляет» роскошная завитая грива. Правый страж храма довольно сильно похож на своего соседа, только представлен в виде собаки. Его пасть закрыта, а голову венчают рога. Эти деревянные скульптуры были выполнены на закате периода Камакура. Для произведений, созданных во время правления Камакурского сёгуната (1192–1333), характерны реализм, повышенное внимание к массивной трактовке форм. Мастер подчеркнул объемы голов и монументальность широких грудных клеток. Густой шерсти грив, передних лап и хвостов он придал схожесть с огнем, стилизовав ее под языки пламени. Остатки зеленого пигмента на хвосте одного из фантастических существ (того, что с открытой пастью) говорят о том, что когда-то эти звери были раскрашены.

Индонезия Фигура демона (Ракшас) XIV-начало XVI века. Медь. 14,6x5,1

Ракшасы — в буддизме и индуизме злые демоны-людоеды. На Шри-Ланке они считаются одним из мифологических народов, некогда населявших остров, наряду с якхами, дэвами и нагами.

Чтобы обмануть человека и нанести ему вред, ракшасы способны перевоплощаться во всевозможные формы. Вместе с пищей демоны могут проникнуть в него и, поселившись там, терзать его и причинять болезни, сводить с ума. Ночами они докучают людям, бродя вокруг их жилищ и издавая страшные звуки, то есть являются олицетворением зловещих и мрачных сил природы.

Медная статуэтка, находящаяся в экспозиции музея, изображает демона антропоморфно. Лицо Ракшаса обезображивают оскаленный рот и выпученные глаза. Кисти его свободно опущенных рук сжаты в кулаки. Во всем облике демона видны напряжение и готовность сделать решительный выпад.

Корея Бутылка с орнаментом XV-начало XVI века. Керамика, бледно-зеленая глазурь. Высота — 33

Данный экспонат музея был создан в Корее в ранний период правления династии Чосон (также известна как династия Ли). Бутылка выполнена в распространенной в то время технике национальной керамики Бунчеонг, популярной среди всех слоев общества. Изготовленная из серой глины на гончарном круге, она покрыта светло-зеленой глазурью. Рисунок сделан при помощи железоокисного пигмента и напоминает приемы традиционной живописи тушью. В конце XVI века популярность Бунчеонг на родине практически угасла из-за вошедшей в моду белой фарфоровой посуды. Однако в это же самое время техника была широко распространена в Японии. Сегодня в Корее традиции данного стиля керамики возрождены.

По всей видимости, эта бутылка предназначалась для воды или рисового вина.

Корея Кувшин с драконом и облаками XVIII век. Фарфор, доглазурная роспись. Диаметр — 34,3

Фарфор впервые появился в Китае в IV–VI веках. В Корее его стали изготавливать в X столетии, фарфор с подглазурной росписью кобальтом получил распространение в XV веке. Этот металл доставлялся в страну из Ирана, через Китай. Из-за высокой стоимости пигмента приобретать подобные изделия могли только члены правящей династии. Благодаря экономическому росту в XVIII веке фарфоровые вещицы с росписью кобальтом стали доступны более широкому кругу покупателей.

Именно в этот период был изготовлен сосуд, представленный в экспозицию музея. На нем изображен покрытый чешуйками дракон с большими глазами, острыми клыками, рогами и развевающейся гривой, важно ступающий по облакам. Хорошо сбалансированные пропорции как самого кувшина, так и представленного на нем мифологического животного свидетельствуют о высокой художественной подготовке корейских мастеров.

Корея Сидящий Будда Амитабха (Амита) 1735. Дерево, лак, позолота. 40,6x26,7x19,1

Официальная религия в Корее в период правления Чосон — конфуцианство. При этом был распространен и буддизм, особенно широкую известность он приобрел после вторжения в страну японских войск (1592–1598), когда отремонтировали старые храмы, установили новые статуи. Будда Амитабха (в Корее известен как Амита) — самая почитаемая фигура в буддийской школе Чистой земли, он — один из пяти будд мудрости в буддизме Ваджраяны. Лицо бога спокойно и безмятежно. Его рука поднята в символическом жесте, означающем, что мудрость и спасение доступны всем вне зависимости от происхождения или добродетельности.

Япония Баку. Нэцке XVIII век. Дерево, лак. 11,2x3,5x3,9

Нэцке — миниатюрная скульптура, вид декоративно-прикладного искусства в Японии. В традиционном национальном мужском костюме нет карманов, поэтому мелкие предметы обихода носили на поясе на шнуре, противоположный конец которого пропускали через брелок-противовес, названный нэцке. Первоначально скульптуры имели очень простую форму. В XVIII веке получили распространение фигурки, изображающие даосские и буддийские сюжеты, героев сказок.

Баку — популярный персонаж в японской мифологии — добрый дух, поедающий ночные кошмары и плохие сны. Изображение этого существа широко распространено в культуре Японии. Его образ трактуется по-разному. Наиболее часто в облике духа переплетаются черты слона, носорога, тапира и тигра. Баку из экспозиции музея наиболее сильно похож на чепрачного тапира — крупного южноазиатского непарнокопытного млекопитающего (ближайший родственник носорога и лошади) с небольшим хоботом. Он стоит на подставке, высоко подняв голову и хобот. Шею и грудь духа покрывает затейливое украшение с круглыми подвесками. Мастер, создавший это нэцке, придал ему утонченные очертания, изящно проработав все детали.

Япония Фукурокудзю — бог мудрости. Нэцке XVIII век. Слоновая кость. 6,2х5,1хЗ

Одного из семи богов мудрости, счастья и долголетия в Японии называют Фукурокудзю. Его образ жители Страны восходящего солнца заимствовали из китайских верований. Изображают бога как даосского святого в простых одеждах ученого, однако его внешность отличается сильно удлиненным черепом и большими, мясистыми мочками ушей. В данной интерпретации старик сидит, поджав под себя одну ногу, другой опираясь на землю. Мастер, исполнивший нэцке, с большим вниманием отнесся к деталям, проработал бороду, зубы и ногти, рисунок халата, наметил складки.

Япония Ашинага и Тенага. Нэцке. Конец XVIII — начало XIX века. Дерево, лак. 11,2x3,3x3,2

Лос-Анджелесский окружной музей искусств имеет обширную коллекцию нэцке. Одним из украшений экспозиции является «Ашинага и Тенага». В Японии есть легенда об Ашинаге и Тенаге — рыбаках, живших на северном побережье Китая. Это были необыкновенные люди: один из них (Ашинага) от рождения был очень длинноногим, что позволяло ему далеко заходить в воду, другой (Тенага), имея руки ничуть не короче, чем ноги его товарища, мог ловко вытаскивать со дна рыбу. Объединившись в пару, они превратили свои недостатки в достоинства. Морской промысел Ашинаги и Тенаги также часто символически трактуется как благо, приобретаемое вследствие совместных усилий, направленных на достижение цели.

Япония Даосский бессмертный Гама и жаба. Окимоно Конец XIX — начало XX века. Фарфор, глазурь. 10,2x11,4x5,4

Окимоно — небольшие скульптуры, предназначенные для украшения интерьера. В отличие от нэцке названные вещицы не имеют отверстий для шнура и используются исключительно для декоративных целей. Данный вид искусства получил распространение в XVI веке. Изначально это были статуэтки будд или бодхисаттв, но довольно скоро сюжетный ряд расширился, и в качестве окимоно стали исполняться фигурки божеств, животных и монахов.

Во второй половине XIX столетия нэцке отходят на второй план, уступая место окимоно. Их начинают изготавливать не только из слоновой кости и дерева, но и из бронзы, серебра, фарфора. Нередко для большей выразительности произведения мастера сочетали несколько материалов. Скульптуры украшали перламутром, кораллами, эмалью.

Наиболее популярными для изображения становились персонажи буддийского пантеона, герои сказок и легенд, животные и птицы, актеры, музыканты и исторические личности. Любовью публики пользовалась фигура Гама, входившего в число главных образов в народных даосских верованиях японцев. Это отшельник, который многие годы жил в уединении, самосовершенствуясь и изучая законы Дао. Достигнув просветления, он овладел языком животных и от огромной жабы узнал секрет вечной жизни. Такова одна из легенд, посвященных Гама. Другая сообщает, что его настоящее имя — Ко-сэнсей и что был он странствующим врачом, жил в горах и всюду его сопровождала жаба.

Европейская живопись XV–XVI веков

Ян Полак. Адам и Ева в раю. Около 1500

Мастер легенды о Святой Луции (активен около 1475 — около 1501) Мадонна с Младенцем и ангелами. Триптих. До 1483. Дерево, масло. Центральная часть — 84,5x69,2, боковые — 81,9x28,6

Нидерландский художник, работавший в последней четверти XV века в Брюгге, был назван исследователями Мастером легенды о святой Луции по одноименному алтарю, созданному им в 1480. На основании сравнительного и стилистического анализа ему приписывается целый ряд произведений, включающий данный триптих.

В центральной части триптиха изображена Мадонна с Младенцем, восседающая на троне, украшенном хрустальными вставками, роскошной парчовой накидкой и скульптурной композицией «Изгнание из рая», помещенной в его верхней части. Слева и справа от главных персонажей, за подлокотниками трона, стоят золотоволосые ангелы, облаченные в белые ниспадающие одежды. Ангел справа протягивает Младенцу Христу красную гвоздику — символ чистой любви. На левой створке мастер представил коленопреклоненного донатора, рядом с которым стоит его святой покровитель — мученик Петр (вероятно, заказчик носил такое же имя). Фоном для этих фигур, облаченных в черные одежды, служит пейзаж с видом на нидерландский город Брюгге (ныне бельгийский). Колокольня собора, изображенного у горизонта, является ключом к датировке работы. Зная, что современный вид она приобрела в 1483, исследователи нидерландской живописи справедливо предполагают, что произведение было закончено до ее перестройки. Противоположную створку триптиха занимает фигура Иеронима, перед ним на задних лапах стоит лев, протягивающий святому лапу с торчащей из нее занозой. Сквозь дверной проем виднеется сад, где ветви всех деревьев усыпаны созревающими плодами. Все части работы объединены цветным полом, украшенным геометрическим орнаментом. Именно этот элемент придает композиции целостность.

Петрус Кристус (около 1410–1472) Мужской портрет. Около 1465. Дерево, масло. 62,9x50,5

Первые упоминания о нидерландском художнике Петрусе Кристусе относятся к 1444, когда он стал гражданином Брюгге, где прожил до конца своих дней, являлся членом гильдии живописцев города, а также входил в религиозные братства «Богоматерь в снегах» и «Богоматерь сухого древа». Существует предположение, что творец был учеником известного нидерландского мастера Яна ван Эйка.

Кристус — один из первых художников своего времени, большое внимание уделявший портретной живописи. Как правило, он изображал героев в интерьере или условной среде, дополненной некоторыми архитектурными элементами. Их жесты и позы очень скованны, где-то даже схематичны.

Около 1465 мастер написал «Мужской портрет», под влиянием работ Рогира ван дер Вейдена поместив модель на нейтральном фоне, лишенном каких бы то ни было декоративных элементов. Отличительной чертой этой картины, как и некоторых других («Портрет картезианского монаха», 1446, музей Метрополитен, Нью-Йорк, «Портрет молодой женщины», около 1470, Государственные собрания, Берлин), является устремленный на зрителя, внимательный и серьезный взгляд персонажа. Данный прием, впервые использованный еще Яном ван Эйком, придает образам исключительную выразительность.

Чима да Конельяно (1459–1517) Мадонна с Младенцем в пейзаже. Около 1496–1499. Дерево, масло. 73x59,4

Итальянский живописец Чима да Конельяно родился в городе Конельяно, благодаря чему обрел свою фамилию. Там, вероятнее всего, он и получил художественное образование, а затем перебрался в Венецию. Произведения мастера отличаются благородной простотой в трактовке образов, лиричностью, гармоничным колоритом, тщательной проработкой деталей. Его излюбленным мотивом, присутствующим практически в каждой картине, был холмистый пейзаж, включающий виды городов или замки, стоящие у горизонта.

Все эти черты можно отметить в данном алтарном образе. Мария, сидящая на мраморной скамье, аккуратно поддерживает стоящего на ее коленях Сына. За ними расположена долина реки, через которую переброшен каменный мост. Извилистая песчаная дорога по невысокому холму поднимается в город, окруженный высокими стенами. Пейзаж, изображенный да Конельяно, небезжизнен, он населен людьми и животными. Так, например, на среднем плане вдоль русла реки идут путники с осликом, являющиеся намеком автора на библейский сюжет «Бегство в Египет».

Альбрехт Баутс (после 1451–1549) Мадонна с Младенцем на троне. Около 1510. Дерево, масло. 24,8x17,8

Альбрехт Баутс являлся членом южнонидерландской династии художников. Как и его брат, Дирк Баутс Младший, он получил образование у своего отца Дирка Баутса Старшего, оба работали в его мастерской. Вся творческая деятельность Альбрехта связана с городом Луверном. Известно, что в 1524 он был руководителем местной гильдии платочников. Живописец создавал картины на религиозные сюжеты, по стилю близкие работам отца. Необходимо отметить, что во многих полотнах Баутса заметно влияние Хуго ван дер Гуса, но ни в одном из них он не смог приблизиться к совершенству художественного языка своего выдающегося современника.

В произведении «Мадонна с Младенцем на троне» мастер изобразил главных героев на фоне гористого пейзажа, в который включил сцены из Нового Завета — Крещение Христа, Хождение по водам и другие. Мария восседает на резном троне, нежно обнимая своего Сына. Чтобы отделить ее от земного мира, художник располагает престол на террасе с невысоким парапетом и тонкими колоннами, на капителях которых стоят путти, держащие на шелковом шнуре парчовый балдахин над головами Богоматери и Христа. Некоторые промахи в построении перспективы, излишняя жесткость в решении складок и пейзажа лишают данную работу гармоничной целостности.

Ганс Гольбейн Младший (1497–1543) Портрет молодой девушки в белом чепце 1541. Дерево, темпера, масло. Диаметр — 11,1

Выдающийся портретист Ганс Гольбейн Младший является одним из ярчайших представителей Северного Возрождения. Художественное образование он получил в мастерской своего отца Ганса Гольбейна Старшего, но уже в 1519, вступив в цех живописцев Базеля, открыл собственную.

В период с 1517 по 1528 Гольбейн Младший совершил ряд путешествий, посетив Люцерн, север Италии, юг Франции, Англию. В 1532 он перебрался в Лондон, где через четыре года был назначен придворным художником Генриха VIII и возглавил большую мастерскую.

Полотна автора отличаются безупречной чистотой и точностью рисунка, тщательной выверенностью в решении пространства и абсолютной беспристрастностью в передаче портретного сходства. Все эти качества характерны для небольших и скупых по колориту портретов, созданных им в последние годы жизни. В серию этих работ входит «Портрет молодой девушки в белом чепце», находящийся в постоянной экспозиции музея. Здесь наглядно видно, как художник дистанцируется от модели, передавая черты ее сосредоточенного лица, при этом оставляя скрытой от зрителя внутреннюю жизнь и переживания героини.

Джорджо Вазари (1511–1574) Святое семейство со святым Франциском в пейзаже 1542. Холст, масло. 184,2x1 25,1

Джорджо Вазари — итальянский художник, архитектор, историк искусства, представитель маньеризма, пользовавшийся покровительством семьи Медичи. Он совершил ряд путешествий по стране, совершенствуя мастерство. В 1550 был издан труд Вазари «Жизнеописание знаменитых итальянских живописцев, ваятелей и зодчих» по истории итальянского Возрождения, содержащий биографии выдающихся современников автора.

Вазари, темпераментный человек, над своими картинами работал очень быстро, хотя стоит заметить, что довольно часто прибегал к помощи учеников.

Полотно «Святое семейство со святым Франциском в пейзаже» написано художником в излюбленной им холодной гамме. На первом плане изображена Мария, стоящая на коленях около колыбели. Грациозным жестом она обнимает прильнувшего к ней Сына. За центральной группой Вазари расположил святого Франциска и Иосифа. Оба внимательно смотрят на Младенца. Весь задний план занимает антикизированный пейзаж с полуразрушенной ротондой, поросшей плющом, что придает произведению некоторый романтический оттенок.

Европейская живопись XVII века

Эль Греко (школа). Апостол Андрей. Около 1600

Амброзиус Босхарт Старший (1573–1621) Букет цветов на подоконнике 1619. Медь, масло. 27,9x22,9

Амброзиус Босхарт — южнонидерландский живописец, прославившийся созданием великолепных цветочных натюрмортов. Мастер работал в Антверпене, Мидделбурге, Утрехте, Бреде.

Данная картина является одним из украшений коллекции Лос-Анджелесского окружного музея искусств. На мраморном подоконнике в высоком стеклянном стакане стоит роскошный букет, составленный из различных сортов цветов. На нежные лепестки живописец «посадил» мушку, стрекозу, бабочку, а около сосуда — паука, что придает произведению особую символистическую интонацию, напоминая зрителю о бренности мира. Фоном служит подернутый легкой дымкой пейзаж, большую часть которого занимает небо. Стоит отметить, что мастер написал всего четыре цветочных натюрморта с букетом на подоконнике на фоне неба.

Художественные традиции, заложенные Босхартом, продолжали развивать его сыновья — Амброзиус Босхарт Младший, Абрахам, Иоганнес, а также зять — Бальтазар ван дер Аст.

Хендрик Барентс Аверкамп (1585/1586-1634) Зимняя сцена на замерзшем канале. Около 1620. Дерево, масло. 36,8x65,4

Хендрик Аверкамп — голландский живописец и рисовальщик, среди современников известный как Немой из Кампена. Художественное образование он получил у амстердамского мастера пейзажа Г. Конингсло, который способствовал выделению этого жанра в самостоятельную отрасль живописи, а также у П. Изакса, испытывал влияние фламандских пейзажистов начала XVII века.

Работал художник преимущественно в Кампене. Излюбленным сюжетом для его полотен стало изображение зимних видов, стоит отметить, что Аверкамп одним из первых стал писать конкретные городские ландшафты. Большинство произведений он посвятил сценам развлечений жителей на льду замерзших каналов, бесконечно варьируя их в живописи и графике. Картины мастера оживлены многочисленными мелкими фигурками, написанными с великолепным знанием анатомии, реалий современного ему быта и костюма. При этом большое внимание он уделял передаче глубины пространства, для чего использовал приемы воздушной и линейной перспективы.

Особенной воздушностью отличаются поздние работы художника, к числу которых относится данная, соединившая в себе элементы пейзажа и жанровой сцены. Здесь мастер изобразил широкий, уходящий к самому горизонту замерзший канал у стен Кампена и жителей, катающихся на коньках и санях. На первом плане параллельно раме расположено несколько групп, предающихся забавам: цыганки с детьми за плечами заняты гаданием, охотник продает битых уток, знатный кавалер помогает своей даме надеть коньки; на среднем горожане играют на льду в мяч, выгуливают собак, катаются ребятишки. В нижнем левом углу картины стоит страж с ружьем, наблюдающий за порядком, рядом с ним мужчина, положив на лед перчатки, закрепляет на обуви коньки.

Подобного рода сюжеты в голландской живописи имели нравоучительный смысл и во времена создания произведения трактовались как «каток жизни» — полное опасности скольжение за удачей.

Клара Питерс (около 1594-после 1657) Натюрморт с сыром, артишоком и вишнями. Около 1625. Дерево, масло. 46,7x33,3

Клара Питерс — фламандская художница, писавшая натюрморты с завтраками и цветами. Из ее биографии практически ничего не известно, кроме того, что в разное время Питерс жила и работала в Антверпене, Амстердаме и Гааге. Самая ранняя картина датирована 1608, однако произведение поражает мастерством исполнения, это заставляет некоторых исследователей предполагать, что художница обучалась у антверпенца О. Беерта. В своих натюрмортах она предпочитала запечатлевать экзотические цветы и фрукты, дорогую пищу и предметы сервировки стола.

На данной картине на большом оловянном подносе Питерс изобразила несколько кусков сыра разных сортов, поверх которых стоит фарфоровая тарелка с тонко нарезанными пластинками сливочного масла. На первом плане лежат разрезанный артишок и несколько спелых вишен (также на тарелке) и свежеиспеченная булочка. На дальнем в серебряную солонку с тонкой гравировкой небольшой горкой насыпана соль. В этом произведении художница с большим мастерством передала фактуру и материальность всех изображенных продуктов и посуды. Для создания эффекта присутствия человека в натюрморт были введены такие детали, как маленькие крошки сыра, лежащие на подносе, вишневая косточка.

Питер Пауль Рубенс (1577–1640) Израильтяне, собирающие манну в пустыне. Около 1626–1627. Дерево, масло. 64,7x53,3

Питер Пауль Рубенс — выдающийся фламандский художник, основоположник и ярчайший представитель национальной школы эпохи барокко. Он начал обучаться живописи с 1591 в мастерской у Т. Верхахта, однако перешел к А. ван Норту, а затем к О. ван Венну. В 1598 Рубенс вступил в гильдию Святого Луки. Мастер обладал широчайшим кругом интересов: много путешествовал, был знатоком древностей, коллекционером и талантливым дипломатом. Необычайным диапазоном отличалось и его творчество. Художник писал произведения на мифологические, исторические и религиозные сюжеты, портреты, пейзажи, аллегории, создавал монументально-декоративные ансамбли, картоны для шпалер и многое другое.

Представленное произведение является картоном для одноименного гобелена. В нем художник изобразил сбор израильтянами падающей с неба манны. На первом плане в красном плаще стоит Моисей, обращенный к небу, напротив него молодая и пышущая здоровьем женщина, уводящая за собой ребенка, уносит наполненную корзину, в то время как ее соплеменники все еще собирают манну небесную.

Эта работа входит в серию «Триумф евхаристии» (всего 21 картон), выполненную Рубенсом по заказу эрцгерцогини Изабеллы, дочери испанского короля Филиппа II. Шпалеры предназначались для монастыря кармелиток в Мадриде.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Воскрешение Лазаря. Около 1630–1632. Дерево, масло. 96,4x81,3

Рембрандт Харменс ван Рейн — голландский живописец, рисовальщик и гравер, величайший представитель национальной школы. В 1622–1624 он учился в мастерской Я. ван Сваненбюрха в Лейдене, затем перешел к амстердамцу П. Ластману, в 1625 после возвращения в Лейден открыл собственную. Лейденский период творчества Рембрандта продолжался до середины 1631. Главными темами в это время были мифологические и религиозные сцены.

Стоит отметить, что на протяжении жизни мастер неоднократно возвращался к сюжету «Воскрешение Лазаря», разрабатывая его не только в живописи, но и в графике. На данной картине художник изобразил Христа и родственников умершего, среди которых находятся его сестры Мария и Марфа, внутри пещеры, где погребен Лазарь. Иисус, стоя на возвышении и высоко подняв руку, «воззвал громким голосом: Лазарь! Иди вон» (Ин. 11:43). По зову Господа Лазарь восстает из могилы (напомним, что к моменту прихода Христа он был мертв четыре дня). Рембрандт показывает реакцию каждого из присутствующих на творимое Сыном Божьим чудо.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Портрет Дирка Пассера. Около 1634. Дерево, масло. 64,8x50,5

В конце 1631 Рембрандт Харменс ван Рейн переехал в Амстердам. Здесь он получил крупный заказ от гильдии хирургов на исполнение группового портрета. Впоследствии полотно стало называться «Анатомия доктора Тульпа» (1632, Маурицхейс, Гаага), оно принесло мастеру широчайшую известность. В среде столичных бюргеров сделалось модным иметь портрет, написанный Рембрандтом. В этот период он создал множество работ данного жанра.

В коллекции музея хранится портрет Дирка Пассера — богатого пивовара, художник написал его во время поездки в Роттердам. Бюргер изображен в легком трехчетвертном повороте, его взгляд устремлен на зрителя, складывается впечатление, что герой внимательно наблюдает за ним. Колористическое решение работы практически монохромно и строится на сочетании черного, белого, золотисто-охристого и серого оттенков. Казалось бы, скупыми выразительными средствами мастер создал беспристрастный и живой образ своего современника.

Клод Лоррен (1604–1682) Пасторальный пейзаж с мельницей 1634. Холст, масло. 59,1x82,9

Клод Лоррен — выдающийся французский пейзажист, один из родоначальников европейского классицизма, хороший рисовальщик и гравер. Настоящее имя мастера — Клод Желле, однако сейчас он известен широкой публике под прозвищем Лоррен. Будущий художник родился во французской крестьянской семье в герцогстве Лотарингском. В 1617 он переселился в Рим, где практически безвыездно (за исключением путешествия в Неаполь около 1618 и посещения Лотарингии в 1625–1626) прожил до конца своих дней. Живописи Лоррен обучался сначала в Неаполе у пейзажиста Г. Вальса, выходца из Германии, а позднее у итальянского мастера пейзажа А. Тасси.

Полотнам художника свойственны упорядоченность и ясность композиционного построения, что полностью соответствовало эстетическим принципам классицизма, воплощающим идею гармонии и закономерности, господствующих в природе. Отличительной чертой большинства пейзажей Лоррена является синтез фрагментов реально существующих античных памятников, таких как развалины храмов, акведуки, и придуманных архитектурных сооружений. При этом все изображенные строения воспринимаются в органичном единении с окружающим ландшафтом, согретым благотворным солнечным теплом. Древние памятники являлись не только украшением пейзажей, но и были призваны показать быстротечность бытия, словно говоря зрителю, что человек и все им созданное бренно, вечна только природа. Картины живописца ассоциировались у современников с идеалистической Аркадией (воспринимавшейся как безвозвратно утраченный людьми рай на земле) — царством любви, счастья, весны и молодости. Вероятно, этим и продиктованы те интонации легкой грусти, которой проникнуты многие его полотна.

Все вышесказанное можно отнести к работе «Пасторальный пейзаж с мельницей», выставленной в постоянной экспозиции музея. Она характерна для раннего периода творчества Лоррена. На переднем плане около дорожки, ведущей к каменному мосту, переброшенному через речку, сидит молоденькая девушка. Она слушает мотив, который наигрывает для нее на свирели пастух. Вокруг мирно пасется стадо коз. На противоположном берегу расположена маленькая мельница, вода на нее поступает из водопада. Мастер изобразил прекрасный и гармоничный мир, в котором люди живут в полном единении с природой.

Виллем Класс Хеда (1594–1680/1682) Натюрморт с табаком 1637. Дерево, масло. 41,9x54,6

Виллем Класс Хеда — голландский живописец, один из выдающихся мастеров натюрморта первой половины XVII века. Образование он получил у Ф. ван Дейка и Н. Гиллиса. Художник жил и работал в Харлеме, где наравне с П. Класом считался лучшим мастером «завтраков» — очень популярной среди жителей его родного города разновидности натюрмортов. Справедливости ради необходимо отметить, что свой творческий путь Хеда начал с создания портретов и исторических картин, однако довольно скоро понял, что его истинное призвание — отображение «безмолвной жизни вещей» (таков перевод с голландского слова stilleven).

Живописец прекрасно мог запечатлевать многообразие фактур, поэтому на его полотнах во всем блеске предстают фаянсовая, серебряная, а иногда и золотая посуда, венецианское стекло, перламутровые раковины, а также различная снедь. Практически все натюрморты художника (особенно ранние) монохромны (строятся на градации большого диапазона тонов, а не цветов), но при этом привлекают внимание богатством световых нюансов, переданных в рамках единого серебристо-охристого колорита. Предметы, разные по форме и фактуре, выступают в них не только как спутники человека, но и как безмолвные свидетели его жизни, они хранят следы недавнего прикосновения своего хозяина, который лишь минуту назад вышел из-за стола.

«Натюрморт с табаком» не относится к числу «завтраков», он составлен из предметов, необходимых человеку для удовлетворения пагубных привычек: курения и пьянства. Изображены разбросанные на столе глиняные трубки, жаровня, табак, насыпанный на клочок тонкой бумаги, стеклянные и оловянные бокалы для воды и пива. К концу 1630-х курение в Голландии уже не считалось, как ранее, пороком, было довольно широко распространено в среде среднего класса и являлось популярным препровождением времени наравне с бокалом пива. Хеда нередко привносил в свои натюрморты иносказательный смысл. Так, здесь зритель видит обгоревшие спички и перевернутый стакан как знак предостережения о быстротечности жизни.

Франс Халс (1582/1583-1666) Портрет Питера Тьярка. Около 1635–1638. Холст, масло. 85,5x69,1

Франс Халс — голландский живописец, один из выдающихся портретистов XVII века, живший и работавший преимущественно в Харлеме. Он получил образование в мастерской К. ван Мандере, где обучался в период с 1600 по 1603. В 1610 художник вступил в гильдию Святого Луки. Однако жизнь распорядилась таким образом, что, имея прижизненную славу, он умер в крайней бедности и был забыт потомками вплоть до середины XIX столетия, когда импрессионисты обратились к творчеству Халса и тем самым вернули славу великому мастеру.

В галерее образов современников, созданных им, есть портреты не только знатных и богатых, но также и безвестных горожан. Живописец прекрасно мог передать улыбку, озаряющую лицо, непринужденность позы и жеста. Так, на данном холсте он изобразил богатого харлемского торговца шелком, сидящего вполоборота к зрителю, положив на спинку стула руку. Этот естественный жест придает портрету жизненную убедительность и некоторую спонтанность, столь характерную для произведений художника. Тьярк держит в руке розу — символ любви и верности; зная, что в 1634 он заключил брак с Марией Ларп, можно предположить, что портрет является свадебным.

На рубеже 1630-1640-х в творчестве Халса наступает тяжелый период. В обществе начинают пользоваться успехом портреты иной направленности, приукрашающие и льстящие модели. Мастер теряет заказы, пишет бедняков, праздничное настроение зрелого этапа сменяется оттенками пессимизма.

Пьетро да Кортона (1596–1669) Святая Мартина. Около 1635–1640. Холст, масло. 95,Зх 76,2

Настоящее имя итальянского живописца, архитектора и декоратора — Пьетро Берренттини. Образование он получил у флорентийских мастеров А. Коммоди и Б. Чарпи. Да Кортона — один из ярчайших представителей эпохи барокко, создатель монументальных циклов росписей во дворцах Флоренции и Рима, алтарных образов и станковых полотен, а также выдающийся зодчий.

Живописные произведения художника отличаются динамизмом, им присущи театральная экспрессия, острые ракурсы и праздничный колорит. Довольно часто да Кортона вводил в композиционное решение своих работ различные элементы геральдической символики, тем самым раскрывая имя заказчика или намекая на него.

На полотне «Святая Мартина» изображена римлянка, принявшая смерть около 226 за непогрешимую веру во Христа. Молодая девушка показана на темном нейтральном фоне. Ее взгляд отведен в сторону, святая словно смотрит на скрытого от глаз зрителя собеседника. В правой руке она держит пальмовую ветвь, являющуюся традиционным символом мученичества, и раздвоенный крюк — предмет своей пытки. Перед тем как Мартину обезглавили, ее подвергли пыткам и повесили на крюк. Отметим, что святая опирается на фрагмент языческой статуи, которой она отказалась поклоняться. Колорит произведения строится на сочетании всего нескольких сложных оттенков (синего, красного, черного) и дополняется звучными нюансами белого и золотистой охры.

Жорж де Ла Тур (1593–1652) Мария Магдалина с коптящим пламенем. Около 1638-1640. Холст, масло. 11 7x91,8

Жорж де Ла Тур — один из крупнейших представителей лотарингской школы живописи. Большинство полотен он создал по заказу Людовика XIII, Генриха II (граф Лотарингии), религиозных братств и частных лиц. Манера мастера сформировалась под влиянием утрехтских караваджистов (в число которых входили Д. ван Бабюрен, X. Тербрюгген, Г. ван Хонторст), а также произведений итальянских последователей Караваджо. При этом стоит отметить, что его художественный стиль отличается оригинальностью и самостоятельностью. Ла Тур писал картины преимущественно на религиозные темы, которые трактовал как бытовые сцены. Его герои сохраняют трогательную душевную чистоту и нравственную силу. Автор любил воспроизводить в своих работах эффекты искусственного освещения, подчеркивать мягкую пластику фигур и резкие светотеневые контрасты.

В период между 1635 и 1644 художник написал как минимум пять картин на тему раскаяния Марии Магдалины. Полотно, хранящееся в музее, является одним из главных украшений его экспозиции. Героиня сидит в ночной тишине, размышляя о бренности сущего. Ее фигура занимает большую часть холста, лицо, плечи, руки озарены неровным пламенем свечи. Ночная молитва, отказ от суеты воспринимаются здесь как постижение сакрального божественного света познания. Многие композиции художника настраивают на философское созерцание, а иногда носят и морализаторский аспект, за эти качества современники высоко ценили его полотна.

Виллем Калф (1619–1693) Натюрморт с фарфоровой вазой и серебряным с позолотой кувшином. Около 1643–1644. Холст, масло. 55,6x44,5

Выдающийся голландский живописец Виллем Калф является одним из крупнейших мастеров натюрморта второй половины XVII века. Художник был хорошо образован, обладал утонченным вкусом и помимо написания картин занимался продажей и экспертизой произведений искусства.

Хранящийся в музее натюрморт относится к концу раннего периода творчества живописца, в нем еще ощущается некоторое влияние Ф. Рейкхалса. Оно выразилось в темном фоне, теплом коричнево-охристом колорите, близком расположении большого количества драгоценных предметов. Однако молодой художник четче, нежели его старший современник, выявлял фактуру и форму.

Свои лучшие произведения мастер написал после 1650, когда благодаря влиянию Рембрандта наиболее полно раскрылось его колористическое дарование. Главное отличие натюрмортов этого творца от голландских «завтраков» первой половины XVII столетия состоит в том, что они полностью лишены бытовой окраски. Их относят к типу «роскошный» натюрморт.

Карел Питерс Фабрициус (около 1622–1654) Меркурий и Аргус. Около 1645–1647. Холст, масло. 73,5x104

Голландский художник Карел Питерс Фабрициус в юности обучался плотницкому делу. Живописью он занялся после 1641, когда переехал в Амстердам и поступил в ученики к Рембрандту. В 1650 Фабрициус переселился в Дельфт, где стал членом гильдии Святого Луки. Через четыре года художник погиб при взрыве пороховых складов. До настоящего времени сохранилось небольшое количество его работ.

Полотно «Меркурий и Аргус» относится к раннему периоду творчества мастера. Оно написано на мифологический сюжет, изложенный в поэме Овидия «Метаморфозы». Чтобы спасти возлюбленную Ио от гнева своей жены, Зевс обратил ее в корову (вариант: это сделала его супруга). Гера, увидев прекрасное животное, потребовала его себе в подарок. Завладев дочерью речного бога, она отдала ее под охрану стоглазому Аргусу. Незнающий сна страж зорко охранял пленницу. Чтобы избавить Ио от страданий, Зевс приказал Меркурию похитить ее. Посланник громовержца усыпил Аргуса игрой на свирели, а затем обезглавил.

Этот сюжет был довольно популярен в европейском искусстве XVI–XVII веков. Художник придал ему собственную интерпретацию. Он изобразил Аргуса простым пастухом, чтобы показать «знатность происхождения» Меркурия, облачил его в белые одежды, украшенные вышивкой. Рядом пасутся стадо овец и несколько коров, среди которых есть и белоснежная Ио. Аргус, представленный стариком, уже спит, Меркурий всматривается в его лицо, чтобы убедиться, что сон глубок. Мастер не наделил героев красивыми, утонченными чертами, намеренно написал их с грубыми крестьянскими лицами, тем самым превратив мифологический сюжет в яркую жанровую сценку. В этом, как и в охристозолотистом колорите полотна и светотеневых контрастах, очевидно влияние Рембрандта.

Маттиа Прети (1613–1699) Святая Вероника с платом. Около 1655–1660. Холст, масло. 100,3х74,9

Представитель неаполитанской школы Маттиа Прети испытывал влияние Караваджо, работал преимущественно в Риме, однако нередко путешествовал по Европе. В период с 1656 по 1660 он выполнил несколько крупных заказов в Неаполе. В 1661 художник отправился на Мальту, где пробыл до конца жизни, продолжая заниматься монументальной живописью. Если ранние полотна мастер посвящал изображению концертов и музыкантов, то в дальнейшем главенствующее место заняли религиозные сюжеты.

Около 1655–1660 Прети написал образ святой Вероники. Она была благочестивой жительницей Иерусалима, которая подала Иисусу платок, когда Тот нес свой крест на Голгофу. Когда Христос отер им лицо от пота и крови, то на ткани отпечатался Его лик. Художники изображали святую Веронику довольно часто, особенно в XIV–XV веках. Мастер представил ее на темном фоне, взор героини с молитвой устремлен вверх; охристый плащ тяжелыми складками ложится на плечи. В руках она держит плат с ликом Спасителя.

Американское искусство

Неизвестный художник. Портрет чернокожего моряка. Около 1800

Джон Синглтон Копли (1738–1815) Портрет Хью Монтгомери 1780. Холст, масло. 240x151,7

Американский и английский живописец Джон Синглтон Копли родился в Бостоне. Системного художественного образования он не получил, изобразительному искусству учился самостоятельно, копируя гравюры с картин знаменитых современников, таких как Г. Кнеллер и Д. Рейнольдс. К середине 1760-х Копли стал одним из лучших портретистов своего времени в Америке. В 1774 вместе с семьей он перебрался жить в Лондон, где под влиянием Б. Уэста обратился к историческому жанру живописи.

Хью Монтгомери — участник франко-индейской войны, выступавший в боях против воинственного племени чироки. За ряд побед герой получил звание майора и был избран членом парламента (1780). С этого началась блестящая карьера, в 1793 он стал полковником. В 1796 Монтгомери унаследовал титул двенадцатого графа Элингтона.

Копли изобразил майора командующим наступлением, стоя на пригорке. Художник соединил портретную и историческую живопись. За спиной Монтгомери разворачивается сражение между индейцами и его сподвижниками, побеждающими коренных жителей Северной Америки. В трактовке композиции заметно влияние творчества Рейнольдса.

Бенджамин Уэст (1738–1820) Фетида приносит доспехи Ахиллесу 1804. Холст, масло. 68,6x50,8

Американский живописец Бенджамин Уэст большую часть жизни провел в Англии. Изобразительному искусству он учился сначала у У. Уильямса, затем у Г. Хесселиуса. Несколько лет мастер пробыл в Риме, где познакомился с художниками-неоклассицистами. Под их влиянием он стал создавать большие исторические полотна в этом же стиле. В 1760 Уэст уехал в Лондон, где стал придворным живописцем короля Георга III, это явилось началом его блистательной карьеры. В 1792 мастер сменил Д. Рейнолдса на посту президента Королевской академии художеств.

Идею для данного полотна Уэст взял из «Илиады» Гомера. Во время Троянской войны Ахилл, обиженный на Агамемнона, отказался участвовать в сражении. Патрокл — близкий друг героя, выпросил у него разрешения облачиться в его доспехи и выйти в них на поле брани. Сын троянского правителя Гектор убил Патрокла и забрал доспехи. Ахилл горячо оплакивал смерть товарища. Он пожаловался матери — морской нимфе Фетиде — на свое горе. Она отправилась к Гермесу, и тот за ночь выковал для ее сына новые доспехи. В них Ахилл сразил Гектора, отомстив за друга.

Генри Инман (1801–1846) Ho-Тин (Ветер), вождь чиппева 1832–1833. Холст, масло. 77,5x65,5

Известный американский художник Генри Инман обучался живописи у Джона Уэсли Джарвиса. В 1822 совместно с Томасом Гейр Каммингсом он открыл в Нью-Йорке портретную студию, а в 1825–1826 стал одним из организаторов Национальной академии дизайна. В разное время мастер работал в Нью-Йорке и Филадельфии. В Англии он провел около года, где написал ряд портретов своих известных современников. Из этой поездки художник вернулся с пошатнувшимся здоровьем и зимой 1846 скончался.

Для полотна «Ho-Тин (Ветер), вождь чиппева» Инман взял за основу оригинал Чарльза Бёрд Кинга, который по заказу Бюро по делам индейцев написал серию портретов вождей, прибывших на конгресс в Вашингтон в середине 1820-х. Стоит отметить, что практически все эти картины сгорели во время пожара в художественной галерее Смитсоновского института в 1856.

Работая над портретом Ho-Тина, мастер увеличил размер холста, сделав тем самым образ вождя более монументальным. Он изображен на нейтральном сером фоне, в белой рубахе, поверх которой наброшен темно-зеленый шерстяной плащ. Прямые черные волосы модели коротко подстрижены, за исключением двух прядей, заплетенных в косички. Прическу вождя завершают несколько перьев: страусиное, орлиное и павлинье. Лицо Ho-Тина расцвечено полосами оранжевой и белой краски, таким образом представители племени чиппева украшали себя только в особенно важных случаях. Инман передал характер своего героя через мужественный и гордый взгляд.

Аллен Смит Младший (1810–1890) Юный механик 1848. Холст, масло. 102,2x81,7

Американский живописец Аллен Смит был хорошо известен на Среднем Западе как портретист. Образование он получил в Академии изящных искусств в Нью-Йорке, также посещал занятия в Национальной академии дизайна. В начале карьеры мастер работал в разных жанрах, создавал пейзажи, натюрморты, жанровые полотна, однако после переезда в Детройт в большей степени занимался портретной живописью. Оказавшись в Кливленде, он вновь обратился к написанию жанровых картин, которые достаточно успешно представлял на различных выставках страны.

На полотне «Юный механик» изображен довольно идеализированный сюжет. В столярную мастерскую пришла компания мальчишек, за прилавком их встречает подросток, вероятно, сын хозяина. Хорошо одетый юноша в соломенной шляпе держит в руках неказистый кораблик, который, возможно, сделал сам. По-видимому, он здесь затем, чтобы не просто заказать новую игрушку, но и дать точные указания относительно того, каким должно быть судно его мечты. С большим реализмом художник пишет эту незамысловатую сценку. Много внимания он уделяет деталям, одинаково тщательно прорабатывая каждую щепку на полу, инструменты, складки одежды и узор драпировки. Каждого из персонажей живописец наделяет особой портретной и эмоциональной характеристикой, что придает композиции некоторый литературный оттенок.

Эмануэль Готлиб Лёйце (1816–1868) Миссис Шайлер сжигает свои поля пшеницы при подходе британских войск 1852. Холст, масло. 81,3x101,6

Американский художник немецкого происхождения Эмануэль Готлиб Лёйце в девять лет эмигрировал вместе с родителями. Первые уроки живописи он получил от Джона Р. Смита, затем обучался в Академии художеств в Дюссельдорфе, провел несколько лет в Италии.

Лёйце создавал большие исторические полотна, в 1845 получил за них несколько наград и основал в Дюссельдорфе собственную мастерскую. В 1859 он вернулся в США, где творения художника были высоко оценены публикой.

Сюжетом для данной картины стала реальная история, рассказанная младшей дочерью главной героини. Кэтрин Шайлер (1743–1803), жена генерала Филиппа Шайлера, в сентябре 1777 при приближении английских войск подожгла пшеничные поля собственной усадьбы, чтобы не оставлять им провиант. Сейчас доподлинно неизвестно, действительно ли именно Кэтрин совершила это, но точно установлено, что британцы сожгли ее дом.

Лёйце изобразил кульминационный момент сюжета. Уже собраны вещи, все готово, чтобы покинуть родную землю, но героиня спешит к полю, чтобы уничтожить урожай. Ей помогает старшая дочь, готовясь забросить в пшеницу горящий венок из колосьев. Напуганная маленькая девочка держится за платье матери. Чернокожий мальчишка подает зажженную свечу. Молодой мужчина, указывая на дом, виднеющийся за деревьями, призывает ее поторопиться.

Композиционное построение полотна полно драматизма и экспрессии. Колорит строится на сопоставлении темных и светлых тонов, холодных и теплых цветов. Большое внимание уделено жестам героев, что вносит в работу некоторый оттенок литературного рассказа.

Уинслоу Хомер (1836–1910) Сборщицы хлопка 1876. Холст, масло. 61,1x96,8

Художник и график Уинслоу Хомер — один из основоположников американской реалистической живописи, крупнейший мастер национальной школы. Многие его соотечественники-исследователи считают творчество Хомера самым ярким воплощением сельской жизни США 1860–1870. В отличие от коллег он не ориентировался на достижения европейского искусства, хотя и испытывал его влияние.

Первые навыки рисования юноша приобрел, занимаясь с матерью — художницей-любительницей Хенриеттой Бенсон Хомер. Затем он обучался в вечерней школе при Национальной академии художеств в Нью-Йорке. В период гражданской войны молодой человек работал иллюстратором в городском еженедельнике «Harper's».

Уже первые произведения мастера отличались яркими характеристиками отдельных персонажей, реалистичностью, благодаря чему он добивался монументальности и цельности композиции.

В период 1874–1876 Хомер жил в штате Вирджиния, здесь он создал серию акварелей и картин, посвященных жизни чернокожих. Критики довольно тепло приняли эти произведения, написанные с большим вниманием к деталям.

На данном полотне художник изобразил двух афроамериканок, возвращающихся домой после долгого рабочего дня. Молодые девушки представлены в картине без тени иронии. Живописец с симпатией и уважением показывает своих героинь высокими, стройными и гордыми, чтобы придать им большую значительность Хомер занижает линию горизонта, отчего фигуры начинают доминировать в композиции. Посредством деталей мастер рассказывает зрителю о тяжелом труде этих девушек. Сбор хлопка изнурительная, а иногда и болезненная работа. Под мягкими и пушистыми волокнами скрываются довольно колючие коробочки. Художник не уходит в натурализм и не показывает израненных рук, но, если обратить внимание на то, как фартук одной из них зацепился за ветку куста, станет ясно, насколько она жесткая. Тонкая наблюдательность, внимание к деталям являются отличительной чертой искусства Хомера. «Вся история южного рабства» — так охарактеризовал это полотно друг мастера X. Смит.

Мэри Кэссет (1844–1926) Мать, моющая своего ребенка 1880. Холст, масло. 100,3x65,8

Известная американская художница Мэри Кэссет начала обучаться живописи в Пенсильванской академии изящных искусств в Филадельфии, однако много внимания уделяла самообразованию. В 1866 Кэссет переехала во Францию, где прожила большую часть жизни. В Париже вместе с К. Писсарро она продолжила изучать живопись, в период с 1879 до 1886 принимала участие в выставках импрессионистов. Основной темой творчества мастера были женские образы, материнство.

Данное полотно относится к раннему периоду и считается одной из первых работ, посвященных взаимоотношениям матери и ребенка. Художница изображает молодую женщину, уютно расположившуюся в кресле и нежно придерживающую лежащее на коленях чадо. Рядом с ней, на подставке, стоит чаша с водой. Героиня с нежностью смотрит на проснувшееся дитя, собираясь его умывать. Композиционное построение картины фрагментарно, оно направлено на то, чтобы сфокусировать внимание зрителя на главных персонажах. Художница вводит орнаментальные мотивы (на спинке кресла и обоях) для акцентирования вертикальности холста. Колорит строится на сочетании белых, голубых, зеленоватых и розовых оттенков. Перемешивающиеся мазки создают серебристую, мерцающую поверхность. В 1904 Кэссет за ее вклад в искусство была удостоена ордена Почетного легиона.

Теодор Робинсон (1852–1896) Долина Сены, Живерни 1887. Холст, масло. 41,3x33

Известный американский художник-импрессионист Теодор Робинсон изучал живопись в Чикагском институте искусств, а затем в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке. В 1876 он переехал в Париж, где обучался в частной студии О. Дюрана и Школе изящных искусств. В 1879 Робинсон вернулся на родину, но уже через пять лет снова оказался во Франции. Поворотным моментом в его жизни стало знакомство с Клодом Моне. Художник посетил мастерскую мэтра импрессионизма в Живерни под Парижем, где был поражен его полотнами. Впечатление оказалось настолько сильно, что американец начал работать в новом стиле, колорит его картин стал более светлым, а мазки более корпусными и динамичными. В течение следующих нескольких лет живописцы довольно часто творили вместе. В этот период и было создано полотно «Долина Сены, Живерни», изображающее крутой берег реки, «разрезанный» маленькими разноцветными «лоскутами» земельных наделов. Сочетание четкой геометрии полей с широкой полосой воды и маленькими деревьями придает пейзажу сходство с декоративным узором.

Данная картина является первым импрессионистическим полотном Робинсона, приобретенным Лос-Анджелесским окружным музеем искусств для своей коллекции.

Джон Сингер Сарджент (1856–1925) Портрет миссис Эдвард Л. Дэвис и ее сына Ливингстона Дэвиса 1890. Холст, масло. 218,8x122,6

Американский портретист Джон Сингер Сарджент получил образование во флорентийской Академии художеств и в парижской мастерской Э. Карлос-Дюрана, испытывал влияние Э. Мане, Ф. Халса и Д. Веласкеса. Мастер преимущественно жил в Париже и Лондоне, но периодически возвращался на родину. После очередного приезда в США в конце 1889 он начал пользоваться популярностью и получил огромное количество заказов от представителей высшего общества Нью-Йорка и Бостона.

На этом портрете живописец изобразил высокопоставленных персон на темном фоне, чтобы вывести на первый план их взаимоотношения, показать характеры каждого. Мать и сын представлены совершенно естественными: здесь нет пафоса, искусственности и притворства. Дэвис-младший нежно держит мать за руку, которой она приобнимает его за плечи. Этот жест говорит о теплых и доверительных отношениях между героями, в которых нет и намека на сентиментальность. Колорит полотна художник фактически выстраивает на сочетании всего двух цветов — черного и белого, но даже такими скупыми средствами он прекрасно показывает высокий социальный статус моделей.

«Портрет миссис Эдвард Л. Дэвис и ее сына Ливингстона Дэвиса» является первой значительной работой, выполненной живописцем в Вустере, штат Массачусетс.

Томас Икинс (1844–1916) Борцы 1899. Холст, масло. 122,9x152,4

Томас Икинс — американский живописец, график, теоретик искусства, фотограф, один из основоположников национальной реалистической школы живописи. Обучался он в Пенсильванской академии изящных искусств, после занимался в парижской Академии художеств под руководством Ж. Л. Жерома.

Для творчества Икинса характерно острое чувство современности. Передаче энергии живописного реализма он научился у старых мастеров. Художник довольно часто использовал эффект резкой светотени, что привносило в произведения драматизм. Большую часть его наследия составляют портреты. Своих моделей мастер писал, как правило, в привычной для них среде, чтобы полнее раскрыть перед зрителем характер героя. Важное место в творчестве мастера принадлежит изображению спортсменов. С большим интересом он писал полуобнаженные фигуры гребцов и борцов, показывал напряжение мышц, стремительное движение. При этом Икинс всегда оставался объективным и никогда не приукрашивал натуру. Чтобы добиться наибольшей точности, он нередко использовал фотографии в качестве подготовительного материала.

Одним из интереснейших полотен, посвященных спортивной тематике, являются «Борцы». Весь первый план занимают фигуры двух молодых мужчин. Живописец очень внимательно и анатомически точно передает напряжение мышц, выступивших вен; бледные спины контрастируют с загорелыми руками, шеями и лицами — во всех деталях мастер стремится быть достоверным. За борцами зритель видит ноги стоящих за веревкой, ограничивающей ринг, тренера и еще одного спортсмена, наблюдающего за схваткой. На заднем плане юноша занят упражнениями на спортивном тренажере для гребцов. Интересно композиционное решение картины. Икинс намеренно обрезает фигуры стоящих в правой части, чтобы не отвлекать внимание от главного, ради чего задумано полотно, — борьбы. Работая над произведением, художник сделал целый ряд фотографий, стараясь найти наиболее выразительные ракурс и позу для главных персонажей. «Борцы» — последняя завершенная работа мастера, изображающая спортсменов.

Европейское искусство XVIII–XX веков

Ганс Тома. Источник (Весна). 1895

Александр Франсуа Депорт (1661–1743) Пейзаж с собакой и куропатками 1719. Холст, масло. 112x144

Знаменитый французский живописец Франсуа Депорт прославился как мастер натюрморта, пейзажа и полотен анималистического жанра.

Художественное образование он получил в парижской мастерской фламандца Н. Бернара, а затем в Королевской академии живописи и скульптуры. В ученические годы молодой человек много рисовал с натуры, копировал картины и гравюры фламандских художников, писал портреты, создавал картоны для шпалер и театральные декорации.

В конце XVII века Депорт фокусирует свое внимание на анималистическом жанре, натюрморте и пейзаже. В 1700 он был назначен королевским живописцем охотничьих сцен и животных. Для Людовика XV художник создал портреты его любимых собак. В пейзажах мастер с большим вниманием относился к изображению растений, передавая их практически с ботанической точностью.

Депорт является автором новой разновидности натюрморта, которая получила название буфеты. В них он изображал драгоценную посуду, фарфор, различную снедь.

С исключительным мастерством художник передавал повадки и пластику движений животных, умел показать их в разных ракурсах и позах. В полотне «Пейзаж с собакой и куропатками» он объединил жанры живописи, в которых работал.

Жан Батист Симеон Шарден (1699–1779) Мыльные пузыри. После 1739. Холст, масло. 60x73

Жан Батист Шарден — выдающийся французский живописец эпохи Просвещения, один из главных представителей реалистического направления в европейском искусстве XVIII века. В разное время он учился у П. Ж. Каза, Ш. Бренна, Ж. Ю. ван Лоо и Н. Н. Куапеля.

Популярность у публики имели бытовые сцены из жизни мелкой буржуазии, третьего сословия и простого трудового народа. В них отсутствуют назидательность и сентиментальность. Самые обычные сюжеты, такие как приготовление пищи, стирка, рукоделие, занятия с детьми, приобретают особое, почти ритуальное значение.

С большой теплотой Шарден изображал на своих полотнах детей. Он умело передавал непосредственность их поведения: любопытство, задумчивость, сосредоточенность, наивную доверчивость, растерянность.

Одним из любимых занятий ребят в XVIII столетии было пускание мыльных пузырей. На данной картине показан юноша, меланхолически выдувающий через соломинку радужный шар. Мальчуган рядом с ним привстал на цыпочки, чтобы разглядеть, как «растет» пузырь. Колорит холста решен в приглушенной охристо-коричневой гамме. Художник прекрасно передал материальность всего изображенного: выщербленный камень, из которого сложен парапет, стакан с мыльной водой, одежду героев и сам переливающийся, тонкий и прозрачный мыльный шар. Этот простой бытовой сюжет скрывает в себе иносказательный смысл, заимствованный из голландской живописи XVII века на тему vanitas. Мыльные пузыри считались символом быстротечности бытия и пустой траты времени. Чтобы подчеркнуть эту идею, мастер сделал главным героем полотна подростка, находящегося на пороге взрослой жизни. Таким образом художник передает основную мысль произведения — не стоит тратить драгоценное время на легкомысленные развлечения.

Помпео Джироламо Батони (1708–1787) Портрет сэра Виндхама Кначбулл-Виндхама 1758–1759. Холст, масло. 233,1x161,3

Известный итальянский живописец Помпео Батони учился у Д. Бруджери, Дж. Ломбардии, С. Конки и А. Мазуччи. Он создавал алтарные образы, картины на мифологические, аллегорические и исторические сюжеты, однако наиболее популярен был как портретист. Среди европейской знати считалось модным иметь свое изображение кисти этого мастера. Данная картина написана в Риме, в зрелый период творчества художника, когда он создавал преимущественно портреты. В них Батони стремился привнести в парадную композицию, включающую элементы барокко, изысканные тональные отношения, идеализированные античные виды. На полотне изображен английский аристократ. Он, как и многие его современники, совершал путешествия по Европе с целью познакомиться с другими странами и культурами. Молодой человек представлен стоящим на террасе, одной рукой он указывает на антикизированый пейзаж, за спиной у него находится бюст Афины — все определяет сферу интересов модели, демонстрируя восхищенность искусством Древнего Рима.

Франсуа-Андре Венсан (1746–1816) Демокрит среди абдеритов. Около 1790. Холст, масло. 45,7x55,3

Французский художник Франсуа-Андре Венсан — один из основателей неоклассицизма. Первые уроки живописи и рисунка он получил у своего отца, затем продолжил образование у Ж.-М. Вьена. Совершив путешествие в Италию, Венсан после возвращения в Париж успешно представил свои работы в Салоне, они пользовались популярностью.

Полотно «Демокрит среди абдеритов» мастер написал по одноименной басне Жана де Лафонтена. Ее сюжет состоит в том, что древнегреческого философа, родившегося в городе Абдеры во Фракии, соплеменники сочли безумцем. Для исцеления к нему пригласили известного врачевателя Гиппократа. Он пришел к «больному», когда тот сидел у ручья и размышлял: «Над самой важною из всех своих идей: / Где у животных и людей, / В сердцах или в мозгу, таится ум?» В заключение своего рассказа баснописец делает вывод: «Народ — судья, увы, негодный!»

Жан-Антуан Гудон (1741–1828) Сидящий Вольтер. Около 1779–1795. Гипс, дерево, металл. 133,4x90,2x83,8

Француз Жан-Антуан Гудон, самый известный скульптор XVIII века, прославился как мастер психологического портрета. Образование он получил у М. Слодца, Ж. Пигаля и Ж. Лемуана, был стипендиатом Французской академии в Риме. Произведения ваятеля отличаются многогранностью психологической трактовки. Точно воспроизводя внешний облик моделей, среди которых были его выдающиеся современники, такие как Ж.-Ж. Руссо, О. Г. Мирабо, Д. Дидро, Дж. Вашингтон, улавливал изменчивость их настроений, не забывая о сохранении целостности образа.

К шедеврам Гудона относится статуя «Сидящий Вольтер». Французский философ эпохи Просвещения позировал художнику незадолго до своей смерти. Мыслитель сидит в кресле, чуть подавшись вперед, словно вслушиваясь в слова собеседника. На его лице читается усталость и одновременно с этим скрытая экспрессия, готовность немедленно вступить в дискуссию. Мастер облачает героя в одежду, подобную античной тоге, широкими, тяжелыми складками драпирующую его фигуру, придавая ей величественность.

Антуан Луи Бари (1796–1875) Нереида, поправляющая ожерелье. Около 1836. Гипс, воск. 31,6x18,4x13,9

Французский скульптор Антуан Луи Бари был разносторонне одарен. Занятия ваянием, живописью, графикой он совмещал с ювелирным делом и изготовлением топографических карт. Художественное образование Бари получил в мастерских А. Гро и Ф. Бозио.

Творец стал известен как анималист. Отдавая дань романтическим устремлениям эпохи, он часто изображал экзотических животных. В разных музеях Европы хранятся созданные им статуэтки львов, тигров, слонов, жирафов, пантер, верблюдов и других существ. Скульптуры мастера отличаются динамизмом, пластической выразительностью, реалистичностью, где-то даже анатомической точностью в передаче движений и повадок зверей.

Нередко Бари исполнял композиции, включающие в себя как животных, так и людей, например «Борьба Тесея с Минотавром» (1834, Лувр, Париж), «Борьба Тесея и кентавра» (1849, музей Метрополитен, Нью-Йорк). К их числу относится и «Нереида, поправляющая ожерелье».

Диас де ла Пенья (1807–1876) Мужчины в восточных костюмах. Около 1845. Холст, масло. 47,63x27,94

Полное имя французского живописца и графика (испанца по происхождению), представителя барбизонской школы звучит Нарциссо Виргилио Диас де ла Пенья, однако в истории искусства он более известен как Диас де ла Пенья.

Большое влияние на молодого художника оказало творчество Эжена Делакруа. Он также был увлечен красотой и экзотикой Востока, поэтому в работах живописца довольно часто звучат мотивы ориентализма.

На данном полотне главный герой в богатом национальном костюме гордо стоит в центре. За ним находятся женщины, с ног до головы закутанные в белые одежды, только темнокожая рабыня не скрывает своего лица. Звучное синее небо и светлые облачения спутниц выгодно подчеркивают красоту и роскошь мужского одеяния.

Нужно отметить, что наиболее ярко мастер проявил себя в пейзажах. Он любил писать небольшие лесные поляны, чащи, где темные стволы величественно возвышаются на фоне вечерних небес. Довольно часто свои ландшафты де ла Пенья оживлял различными бытовыми сценками.

Эжен Делакруа (1798–1863) Святой Себастьян и святая Ирина 1858. Холст, масло. 38,1x50,8

Эжен Делакруа — выдающийся французский живописец и график первой половины XIX века. Он получил образование у художника-классициста Пьера Нарсиса Герена, однако наставник практически не оказал на него никакого влияния. Молодой творец много времени уделял посещению Лувра, где изучал полотна старых мастеров, особенно его восхищали картины фламандца Питера Пауля Рубенса и англичанина Джона Констебля. В своем дневнике Делакруа писал: «Надо видеть Рубенса, надо Рубенсом проникнуться, надо Рубенса копировать, ибо Рубенс — бог живописи». Увлечение его работами можно отметить в ряде этюдов художника. Многие произведения Делакруа, преимущественно раннего периода, проникнуты глубоким драматизмом и внутренним напряжением героев, например «Резня на Хиосе» (1824–1824, Лувр, Париж), «Свобода, ведущая народ» (1830, Лувр, Париж).

Интонации творчества мастера изменились после совершения им в 1831 путешествия по Северной Африке. Художник посетил Танжер, Мекнес, Оран и Алжир. Красота пряного Востока его пленила. Делакруа начал писать необычайно выразительные и динамичные полотна, изображающие сцены охоты на хищников, скачки, битвы всадников, различные жанровые мотивы. В этих картинах главная роль всегда принадлежит колориту, передающему все многообразие красок Востока. Цвет приобретает повышенную эмоциональную выразительность за счет многочисленных рефлексов и контрастов.

Это же буйство колорита можно отметить и в произведениях, созданных на религиозные сюжеты. Одно из них представлено в экспозиции музея. На нем Делакруа изобразил святого Себастьяна, которого император Диоклетиан за веру в Христа приказал привязать к столбу и пронзить стрелами. После того как воины оставили безжизненное тело святого, пришла святая Ирина со служанкой, чтобы его похоронить. Обнаружив, что Себастьян жив, она перенесла его в тайное место, где излечила раны.

Эдгар Дега (1834–1917) Сестры Беллели (Джулия и Джованна Беллели) 1865–1866. Холст, масло. 92,1x72,4

Эдгар Дега — выдающийся французский художник-импрессионист, скульптор и график. Он учился в Школе изящных искусств, совершил ряд поездок по Италии, где знакомился с искусством старых мастеров. Живописец обращался к разнообразным сюжетам, но к числу его любимых тем можно отнести изображение скачек, танцовщиц балета, прачек и обнаженных.

На данном портрете Дега представил своих молодых родственниц — дочерей тетки Лауры. Художник уже писал их несколькими годами ранее в «Портрете семьи Беллели» (1858–1860), когда сестры были еще детьми. На этом полотне Джулии 15 лет, а Джованне — 17. Компонуя портрет, мастер не располагает моделей фронтально, не облачает в красивые и праздничные наряды, а представляет в простых, лишенных украшений платьях. Их фигуры занимают практически все пространство холста. Колорит работы строится на сочетании различных коричневых оттенков, черного цвета и небольших белых акцентов.

Жан Франсуа Милле (1814–1875) Нормандская доярка 1871. Холст, масло. 80x55,6

Жан Франсуа Милле — выдающийся французский живописец и график середины XIX века. Образование он получил в мастерской Поля Делароша, много времени проводил в Лувре. В полотнах художников испанской и итальянской школ его привлекали обобщенность форм, лаконичные колористические решения, возвышенная одухотворенность обыкновенных вещей и образов. Все это будет характерно для большинства картин Милле.

Главной темой для него стало изображение крестьянского труда, быта и жизни. В конце творческой деятельности мастер увлекся пейзажем, полотно «Нормандская доярка» относится к позднему периоду. Женская фигура занимает большую часть холста, она кажется очень темной из-за того, что находится против солнца (в контражуре), поэтому важное значение здесь приобретает силуэт, который живописец трактует довольно скульптурно.

Жан Батист Камиль Коро (1796–1875) Сена и старый мост в Лиме 1872. Холст, масло. 40,6x66

Камиль Коро — французский живописец и гравер, один из основоположников национальной школы пейзажа. Он работал преимущественно в жанре пейзажа и портрета, писал также картины на мифологические и религиозные сюжеты. Коро учился у А. Мишаллона и В. Бертена — художников-академистов, совершил ряд путешествий в Италию, где оттачивал свое мастерство, также посещал Бельгию, Нидерланды, Англию, Швецию, много ездил по Франции.

Для пейзажей Коро характерны прозрачный серебристо-жемчужный колорит, богатство валёров (различные по светосиле оттенки одного и того же цвета), придающее им неуловимую трепетность. Главным средством, наполняющим полотно жизнью, мастер считал тончайший рассеянный свет пасмурного дня. Природу художник представлял как место, где действует простой человек, одухотворяющий ее. В работах Коро всегда есть определенная эмоциональная окраска, настроение. Многим его картинам свойственна атмосфера тишины, мечтательности и задумчивости. Эти интонации присущи и пейзажу «Сена и старый мост в Лиме».

Камиль Писсарро (1830–1903) Тропинка к Пуилё, Понтуаз 1881. Холст, масло. 56x47

Камиль Писсарро — французский живописец, график, представитель импрессионизма. Художественное образование он получил в парижской Школе изящных искусств и Академии Сюиса.

Главной темой творчества мастера стал сельский пейзаж, однако он обращался и к городским видам, которые показывал как живой организм, постоянно меняющийся в зависимости от времени года и освещения. В своих работах художник большее внимание уделял именно освещению и световоздушной среде. Изображая ландшафты, он любил вводить стаффажные фигурки людей, чтобы оживить композицию.

Довольно часто в полотнах Писсарро встречается мотив дороги. Он несет в себе не только смысловую нагрузку, но и помогает гармонично выстроить пространство. В картине «Тропинка к Пуилё, Понтуаз», в которой простой сельский пейзаж получил новое прочтение, художник воссоздал удивительную гармоничную взаимосвязь между природой и крестьянскими постройками. Цветовые пятна, окрашивающие стволы озаренных солнцем деревьев, находят отражение в оттенке крыш зданий. Длинные синие тени, перерезая дорожки и падая на стены каменного забора, зрительно увеличивают количество деревьев. Практически растворяются в пейзаже стройные женские фигуры, идущие по песчаной тропинке. Их голубые фартуки по цвету перекликаются с прозрачной синевой неба.

Альфред Сислей (1839–1899) Сан-Мамес. Утро 1884. Холст, масло. 91,4x116,8

Альфред Сислей (англичанин по происхождению) — французский художник-импрессионист, работавший в основном в жанре пейзажа. Живопись он изучал в Париже в мастерской Ш. Глейра, где познакомился с О. Ренуаром, Ф. Базилем, К. Моне. В ранних полотнах художника ощутимо влияние К. Коро и Ш.-Ф. Добиньи. Постепенно под влиянием Моне стилистика его произведений меняется: мазок становится темпераментнее, а колорит — контрастнее, а с 1880 картины приобретают заметную долю декоративности.

На большинстве пейзажей мастера изображены окрестности Парижа. Как правило, художник выбирает простые и незатейливые мотивы. Они отмечены тонкими лирическими интонациями, свежестью в передаче атмосферы, но в них всегда присутствуют легкие нотки грусти. Все это относится и к полотну «Сан-Мамес. Утро».

Поль Сезанн (1839–1906) Натюрморт с вишнями и персиками 1885–1887. Холст, масло. 50,2x61

Поль Сезанн — выдающийся французский художник, ведущий представитель постимпрессионизма. Он учился в рисовальной школе Ж. Жибера в Эксе, затем посещал Академию Сюиса в Париже. Творец поддерживал дружеские отношения с Э. Мане, К. Моне, О. Ренуаром, К. Писсарро.

Собственная система складывается в живописи мастера в 1870-х, к этому моменту ему удается избавиться от влияний (Я. Тинторетто, О. Домье, Г. Курбе и других), свойственных раннему периоду. В отличие от импрессионистов художник не стал разрабатывать световоздушную среду, а стремился осознанно передавать умозрительную упорядоченность и целостность окружающего мира. Сезанна занимают поиски устойчивых закономерностей цветовых отношений, осязаемой предметности действительности, ее материальной насыщенности. Живописец стремился, чтобы зритель с первого взгляда понял то, что он сам считает важным.

На протяжении жизни мастер обращался к разным жанрам живописи. В излюбленном — натюрморте — наиболее полно раскрылись его творческие принципы. Создание таких полотен помогало художнику глубже проникнуть в окружающий его вещественный мир. Простые по мотиву, эти работы всегда монументальны и значительны — предметы, ткани, фрукты утверждают совершенство и объективность их бытия.

Искусство Поля Сезанна оказало огромное влияние на развитие живописи XX столетия, притом что сам мастер был признан только после смерти.

Клод Моне (1840–1926) В лесу Живерни: Бланш Гошеде за мольбертом, Сюзанна Гошеде за чтением 1887. Холст, масло. 91,4x97,8

Французский живописец Клод Моне по праву считается одним из основоположников импрессионизма. Первые уроки изобразительного искусства он получил у руанского пейзажиста Эжена Будена, который привил будущему художнику любовь к натуре, работе на пленэре. Позднее Моне поступил в Академию Сюисса в Париже, где познакомился с Э. Делакруа, Г. Курбе, К. Писсарро. Через год он ушел в армию и отправился в Алжир. Вернувшись во французскую столицу в 1862, молодой человек поступил в мастерскую Ш. Глейра, здесь художник сблизился с О. Ренуаром, Ф. Базилем и А. Сислеем, которые позже стали его друзьями. Именно благодаря этому сложилась новая живописная система, которая впоследствии получила название «импрессионизм». Главной новацией как в картинах Моне, так и всего направления в целом стала работа на открытом воздухе, где создавалось самостоятельное законченное произведение (а не этюд, как это делали другие художники). Импрессионисты стремились передать в картинах не только состояние природы, но и показать изменчивость мира под воздействием освещения, соседства с предметами, отбрасывающими цветные рефлексы.

В конце 1870-х живописная манера художника меняется. Картины-этюды уступают место полотнам, главным в которых становится аналитический подход к изображаемому. Позже Моне фокусирует свое внимание на выразительности цветовой гаммы, фактуре мазка. В полотнах все сильнее начинают звучать ноты декоративности, превращающие их в картины-панно.

Данное произведение было создано недалеко от Парижа, где мастер написал одну из своих известнейших серий — «Стога сена», в которую вошли около двадцати пяти холстов. На небольшой поляне художник изобразил двух своих приемных дочерей, Бланш и Сюзанну (на их матери Алисе Гошеде он официально женился в 1892), за их любимыми занятиями — живописью и чтением. Колорит композиции строится на сочетании нежных оттенков зеленого, голубого, охристого и белого, создавая приподнятое настроение.

Поль Гоген (1848–1903) Свинопас 1888. Холст, масло. 73x93

Поль Гоген — французский живописец, график и скульптор, один из четырех выдающихся мастеров постимпрессионизма. Наряду с П. Сезанном, В. Ван Гогом и А. Тулуз-Лотреком он воспринял уроки импрессионизма и через них пришел к собственному понимаю художественных задач изобразительного искусства. Гоген считал, что при передаче предмета его внешний облик не является первостепенным, так как это только ширма, за которой скрывается сокровенный смысл — «зерно». Задача живописца состоит в том, чтобы разгадать и отобразить его. Для произведений творца характерны уплощенность и обобщенность форм, пастозное нанесение краски на холст.

В конце 1880-х художник работал в Понт-Авене в Бретани. Стоит отметить, что с 1850-х это место пользовалось популярностью в среде не только французских мастеров, здесь работали и американцы, и англичане, и представители других стран. Гоген приехал сюда в поисках обобщенных образов, ему был интересен сложившийся за века патриархальный уклад жизни. Для полотен, написанных в Понт-Авене, свойственны упрощенные формы, световоздушная среда в них уступает место ритмическому сопоставлению отдельных плоскостей, лишенных светотеневой моделировки и окрашенных звучными локальными цветами. К числу таких работ относится и «Свинопас» из постоянной экспозиции музея.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Две читающие девочки. Около 1890–1891. Холст, масло. 56,5x48,3

Выдающийся французский художник Пьер Огюст Ренуар является одним из ярчайших представителей импрессионизма. Помимо живописи он занимался скульптурой и графикой. Интерес к изобразительному искусству проявился у мальчика довольно рано, в 1854 родители определили его в мастерскую по росписи фарфора. В 1862 молодой человек поступил в Школу изящных искусств, а несколько позже стал бывать у И. Глейера, где познакомился с А. Сислеем, Ф. Базилем и К. Моне.

Значительное место в творчестве Ренуара занимают жанровые сценки и портреты, изображающие (в подавляющем большинстве) француженок. Несмотря на то что, как и все импрессионисты, мастер работал на пленэре, его модели никогда не растворяются в мерцающем свете, всегда сохраняют материальную весомость. Световоздушная среда гармонично объединяет персонажей с окружающей их действительностью. Своих героев живописец лишает усложненной психологической характеристики, подчеркивая непосредственность обаяния и жизнерадостность молодости. Во второй половине 1880-х Ренуар обращался к творчеству Н. Пуссена и Ж. О. Д. Энгра, благодаря чему его полотна приобретали нежный перламутровый колорит и особую прозрачность освещения. Однако уже в начале следующего десятилетия картины мастера теряют воздушность, пространство — глубину, а в колорите начинают главенствовать красно-оранжевые тона, что можно отметить в полотне «Две читающие девочки».

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) Опера «Мессалина» в Бордо 1900–1901. Холст, масло. 99x72,4

Полное имя выдающегося постимпрессиониста, графика, мастера рекламного плаката звучит как Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа. Он происходил из древнего графского рода, поэтому получил прекрасное образование, учился живописи у парижского художника Р. Пренсто, а в 1883 поступил к Л. Бонну.

С 1880-х Тулуз-Лотрек стал завсегдатаем увеселительных заведений Монмартра. С этого момента определяются основные темы его творчества. Мастер очень любил изображать жизнь ночного Парижа: посетителей и танцовщиц «Мулен Руж» и кафешантанов, обитательниц публичных домов и многое другое. Художник беспристрастно запечатлевал сценки из жизни обитателей парижского дна, подлинные страдания и нищету, показной блеск.

Известность живописец получил благодаря афишам, которым были свойственны острые, порой гротескно заостренные характеристики персонажей, яркость и подчеркнутая экспрессивность в трактовке формы.

В конце жизни Тулуз-Лотрек создал ряд произведений, посвященных Мессалине — третьей жене римского императора Клавдия, прославившейся своим распутством. Ночами она уходила из дворца в лупанарий (публичный дом), где «развлекала» каждого заплатившего. Сюжет этой работы перекликается с темой проституток, часто возникающей в творчестве Тулуз-Лотрека.

Эдгар Дега (1834–1917) Большой арабеск. Около 1885–1890. Бронза. 41,9x57,2x13,9

Заниматься скульптурой Эдгар Дега начал в конце 1860-х. Творя в новом для себя виде искусства, художник продолжал разрабатывать те же темы и образы, что и в живописи: скачки, балет, купальщицы. Как правило, мастер создавал статуэтки из воска. Эти произведения заменяли ему эскизы, он имел возможность прочувствовать движения и жесты персонажа. В настоящее время сохранилось около семидесяти восковых фигурок работы Дега. В бронзе они были отлиты уже после его смерти (в мастерской Гебрара), сам творец никогда не использовал этот материал. С каждой выполненной живописцем статуэтки было сделано около двадцати металлических скульптур. Их можно видеть в различных крупных музеях мира.

Огюст Роден (1840–1917) Жан д'Эр 1886–1895. Бронза

Огюст Роден является, пожалуй, одним из самых известных французских скульпторов. Он получил образование в парижской школе изящных искусств, испытывал влияние мастеров Возрождения: Донателло и Микеланджело.

В 1884 Роден начал работать над созданием скульптурной группы «Граждане Кале». Во время Столетней войны, когда город был осажден, английский король Эдуард III пообещал помиловать горожан, если ключ от Кале ему вынесут шесть знатных жителей, облаченных в лохмотья, босые, с веревками на шеях. Чтобы спасти своих соплеменников Эсташ де Сен-Пьер, Жан д'Эр, братья Жан и Пьер де Виссан, Андрьед Андр и Жан ди Фиенн вызвались добровольно пойти на смерть.

В 1895 памятник был отлит в бронзе и установлен на площади, с которой несколько веков назад уходили герои. По задумке автора эта композиция не имеет пьедестала, не поднимает персонажей над людьми, поэтому жители Кале всегда находятся среди них.

В музее хранится один из вариантов статуи Жана д'Эр. Герой невозмутимо смотрит вперед. В опущенных руках он держит ключ от города. Тяжелые складки одежды скрывают фигуру и придают ей монументальную выразительность. В образе этого человека скульптор скупыми деталями показывает не побежденного, а победителя.

Жорж Брак (1882–1963) Пляж с лодками 1906. Холст, масло. 49,5x69,9

Французский художник Жорж Брак наравне с Пабло Пикассо является родоначальником нового направления в живописи — кубизма. Однако в начале творческого пути он входил в группировку фовистов (1905–1907). Образование молодой человек получил в Технической школе в Париже, также посещал Школу изящных искусств и Академию Эмбера. Самостоятельно он изучал произведения французских мастеров, импрессионистов и постимпрессионистов, был поклонником К. Коро и П. Сезанна (с 1906, когда посетил его посмертную выставку). Полотна последнего оказали значительное влияние на мироосознание Брака.

К фовистскому периоду его творчества относится полотно «Пляж с лодками». Фовисты с французского языка переводятся как «дикие». Такое прозвище, давшее название новому направлению в живописи, получила группа молодых художников, выставивших свои полотна на Осеннем салоне в Париже в 1905. Восприняв достижения П. Гогена, В. Ван Гога и П. Сезанна, которые, как уже говорилось ранее, отказались от световоздушной перспективы и передачи глубины пространства, а особое значение уделяли активности цвета, фовисты вывели цвет на первое место, сделав его «абсолютным» значением в картине. В мае 1907 Брак представил публике Салона Независимых свои полотна, выполненные в новом стиле.

«Пляж с лодками» написан широкими темпераментными мазками зеленого, розового, синего, охристого, желтого, фиолетового цвета, превращающими холст в яркое декоративное панно. Чтобы изображенные лодки и стоящие на рейде парусники не растворились в этом буйстве красок, художник обвел предметы на первом плане широкой черной линией, что подчеркивает их более близкое расположение к зрителю. Пространство в картине передается только посредством масштаба.

Анри Матисс (1869–1954) Чай 1919. Холст, масло 140,3x211,3

Выдающийся французский художник, скульптор и график Анри Матисс являлся одним из основоположников нового направления в живописи — фовизма, первого модернистического течения XX века. Его представители не стремились достоверно передать действительность, главным для них было проявить свои чувства и настроение. Первостепенное выразительное средство их полотен — цвет. Фраза: «Я чувствую цветом», стала основным постулатом творчества Матисса, открывшего счастье познания мира и самого себя через гармонию чистых красок.

Заниматься живописью он начал довольно поздно, после того как получил юридическое образование и имел успешную адвокатскую практику. В 1891 мастер приехал в Париж, где посещал Академию Жюлиана, позднее Школу декоративного искусства и Школу изящных искусств. Художник много путешествовал, вдохновляясь атмосферой и изобразительными традициями стран, в которых побывал. В его картинах можно отметить влияние африканской скульптуры, исламского и восточного искусства.

С 1918 живописец практически постоянно жил в Ницце. Здесь в 1919 он создал картину «Чай», представив один из уголков своего сада, озаренного солнечным светом, пробивающимся через резную листву на лужайки и тропинку. За накрытым столом, в тени деревьев, — две женщины. На первом плане, обернувшись к зрителю, играя полуснятой с ноги туфлей, сидит Генриетта, она часто позировала художнику. Напротив нее удобно устроилась в кресле Маргарита — дочь Матисса. Рядом на тропинке лежит любимица семьи — собака Лили. Внимание мастера сосредоточено на колорите полотна и его орнаментике. В узор живописец превращает листья деревьев, пятна зелени, при этом центральным акцентом является сочетание рисунка платья Генриетты с плетением подлокотников и спинки кресла. Матисс не пишет падающих и собственных теней, намеренно превращая холст в декоративное панно.

Амедео Модильяни (1884–1920) Молодая женщина из народа 1918. Холст, масло. 89,5x64,1

Амедео Модильяни — выдающийся художник, график и скульптор, представитель «Парижской школы». Живописи он учился в студии Г. Микели в Ливорно, а также в ателье Д. Ромити. Путешествуя по Италии, творец недолго посещал Свободную школу рисования обнаженной натуры во Флоренции и Венеции, в Пьетрасанта, близ Каррара, изучал скульптуру в мастерской Эмилио Пулити. С 1906 Модильяни жил и работал в Париже, испытывал влияние П. Пикассо и П. Сезанна.

Моди, как называл себя художник (что в переводе с французского означает «проклятый»), был портретистом. Моделями он выбирал, как правило, своих друзей и знакомых. Работам этого жанра присущи общие черты: они отличаются стилизацией, полуфигуры героев имеют несколько вытянутые пропорции, их силуэты подчеркнуты плавно изогнутым контуром, головы слегка наклонены, у большинства «слепые глаза». Все эти особенности можно отметить и в портрете «Молодая женщина из народа». Он был написан в Кань-сюр-Мер, небольшом городке рядом с Ницей, куда перебрался Модильяни вместе с Жанной Эбютерн и некоторыми друзьями, в частности X. Сутиным, Ц. Фуджитой, из-за бомбардировок Парижа немецкой авиацией. Именно в это время мастер создал ряд портретов неизвестных крестьян и детей, которых видел вокруг.

Известно несколько его пейзажей и натюрмортов, большая серия ню, однако судьба распорядилась таким образом, что современники сильнее интересовались самим Модильяни, нежели его творчеством. Этому способствовали его харизма, вспыльчивый характер, пьяные драки. Художник приобрел известность только после смерти.

Джузеппе Санмартино. Христос, сокрытый вуалью. Около 1752

Следующий том

Национальная галерея Австралии расположена на трех этажах здания, выполненного в стиле брутализма. Здесь выставлены произведения, созданные коренным населением Австралии в разные годы, коллекции европейского и американского искусства XIX–XX веков; экспонаты азиатских культурных традиций (Ирана, Японии, Таиланда и Китая) начиная с эпохи неолита и до современности; различные фотографии и предметы декоративно-прикладного искусства. Вокруг здания устроен Сад скульптур площадью 2 гектара Он поделен на зоны, посвященные определенному времени года. В экспозиции галереи имеются залы, предназначенные специально для детей. В них размещены различные постеры, картины и инсталляции, призванные заинтересовать юных зрителей.

Content

М. Гордеева
Лос-Анджелесский окружной музей искусств

Первобытное искусство, искусство древнего мира и стран Азии

Европейская живопись XV–XVI веков

Европейская живопись XVII века

Американское искусство

Европейское искусство XVIII–XX веков