Олеся Авраменко, Галя Леонова

Её жизнь в искусстве

Все права защищены

© Музей современного искусства «Гараж»

© Авраменко Олеся, Леонова Галя, текст, 2023

© Андрей Кондаков, макет, 2023

Предисловие

Эта книга посвящена социальной истории искусства конца XIX – начала ХХ века. Наш рассказ фокусируется на событиях, явлениях и историях, описанных в дневниках, письмах и мемуарах таких художниц, как Мария Башкирцева, Марианна Верёвкина, Магда Нахман, Варвара Бубнова и других. Все они значительную часть жизни прожили за рубежом, но своими работами и публикациями повлияли не на одно поколение художниц в России и за ее пределами. В книге анализируется автопортретное творчество художниц, но кроме него нас также интересует политика репрезентации художницы и то, как она менялась на рубеже XIX–XX веков.

Для отечественной истории искусств рубеж XIX и XX веков является временем формирования пантеона гениев, или, другими словами, возникновения «эталонных» стилей и «великих» работ. Искусствоведческая оптика, сложившаяся именно в этот период, будет влиять на все последующие. Согласно этой оптике художница занимала отдельную главу в истории искусства, а также особое пограничное положение. При этом искусствоведы рубежа веков игнорировали важные институциональные препятствия, например отсутствие практической возможности получить образование.

Например, первые комплексные исторические попытки осмысления феномена художницы мы встречаем уже в конце ХIХ века. Автором одной из первых работ на эту тему был сотрудник Эрмитажа Андрей Иванович Сомов (отец художника Константина Сомова). В 1883 году в «Вестнике изящных искусств» вышла его статья «Женщины-художницы»[1].

Присутствие женщин в искусстве Сомов связывает с развитием женского движения и образования и в целом симпатизирует этой тенденции. Основная часть работы представляет собой исторический обзор искусства, созданного женщинами, начиная с античности и заканчивая современностью.

Говоря о ХVIII веке, Сомов упоминает, среди прочих, художниц, имеющих отношение к России, – М. А. Коло, ученицу М. Э. Фальконе и создательницу головы Петра Великого в петербургском монументе, более известном как «Медный всадник»; Э. Л. Виже-Лебрен, работавшую несколько лет в России и писавшую в своих воспоминаниях о России. Про своих современниц Сомов не пишет, полагая, что число художниц ХIХ века слишком велико, а выделить нескольких не представляется возможным: «Художественная критика, всегда шаткая в отношении недавних явлений, еще не успела произнести окончательное, прочно установившееся суждение»[2]. Поэтому автор описывает в общих чертах художественную деятельность женщин ХIХ века, отмечая активную роль женщин в публичном поле и появление в Европе большого числа женских рисовальных школ.

Интереснее всего, на наш взгляд, вывод, который А. И. Сомов дает в заключении статьи, пытаясь найти отличительные черты искусства, созданного женщинами, и объяснить, почему так мало имен художниц остается в истории. Он пишет: «Артистическая способность женщины выражается наиболее полно и ярко в тех областях, где для создания художественного произведения достаточны наблюдение природы, впечатлительность, вкус и усидчивое терпение. Но там, где дело идет о ширине и свободе техники, о глубине идеи, о цельном и энергичном выражении мысли посредством форм и явлений природы, там женщина уступает пальму первенства мужчине и не может достигать той высоты и значения, какое имели великие художники. Ей не дано прокладывать, подобно им, новые пути в искусстве, становиться во главе новых направлений, делать эпохи, а суждено лишь идти с большим или меньшим достоинством по стезям, указанным и расчищенным другими»[3].

Показательным представляется тот факт, что, несмотря на свою расположенность к художницам и особое внимание, которое Сомов уделяет этому вопросу[4], искусствовед делает вывод, который по сути является эссенциалистским, сводящим особенности женского искусства к якобы присущим женской природе качествам. При этом он явно сбрасывает со счетов очевидную сложность получения женщинами даже базового художественного образования, не говоря уже о высших учебных заведениях. Эти институциональные преграды надолго останутся слепым пятном в оптике отечественных искусствоведов-мужчин.

Еще одна значимая публикация рубежа веков, где появляется размышление о художницах, «История русского искусства» авторства А. П. Новицкого и В. А. Никольского, вышедшая в 1903 году[5]. Искусству, созданному женщинами, авторы отводят место в конце всей отечественной художественной истории, выделяя его в отдельную часть. Начинается глава с короткого введения – освещения проблемы женского образования, где авторы отмечают несколько важнейших событий, а именно получение Софьей Сухово-Кобылиной большой золотой медали, а также получение звания «академика портретной живописи» художницами Натальей Макухиной[6] и Юлией Гаген-Шварц[7].

Авторы подробно останавливаются на биографиях художниц – Елизаветы Бём[8], Ольги Лагоды-Шишкиной[9], Екатерины Юнге[10], Елены Поленовой, сестер Эмилии и Марии Шанкс[11], Елены Самокиш-Судковской[12], Марии Башкирцевой, Марии Диллон[13] и других. При этом общего вывода о характерных чертах женского творчества искусствоведы не делают, довольствуясь перечислением имен и заслуг художниц ХIХ века, вновь оставляя за скобками социально-исторические особенности карьеры российских художниц.

В 1914 году на съезде Союза равноправия женщин[14] писательницей и критиком Зинаидой Венгеровой был прочитан доклад «Русская женщина в искусстве». Коллеги Венгеровой – делегатки общества – также прочли на съезде свои доклады, подробно описавшие историю женской профессиональной деятельности на рубеже веков[15]. Этот факт исторического осмысления собственной роли в культуре нам кажется очень значимым: именно эта историческая парадигма повлияет на будущие женские и гендерные исследования в академии[16].

Венгерова в своем докладе ставит под вопрос уже не только исторически сложившиеся институциональные преграды, которые не упоминают ее коллеги-мужчины, но и само социальное поле XIX века, в котором художница находится под давлением традиционалистских общественных укладов: «Почему среди женщин “погибает больше не проявлявших себя талантов, чем среди мужчин?”» И сама же себе отвечает: «Может быть, главная основная причина в том, что для мужчины служение искусству не идет в ущерб личной жизни, а скорее, напротив того, обогащает и поднимает ее. Женщина же за немногими исключениями должна делать выбор: или быть художником, или уйти в личную жизнь, требующую всех ее сил»[17].

Докладчица упоминает о том, сколько талантливых студенток занимается в мастерских таких художников, как Бакст и Петров-Водкин, имея в виду их преподавательскую программу в знаменитой школе Елизаветы Званцевой[18]. Венгерова на примере этих студенток, работающих на самом пике современного искусства, отмечает, будто отвечая пассажу Сомова про «проторенные пути»: «Если молодых художниц привлекают новые пути в искусстве, значит, нечего обвинять женщин в отсутствии самобытности. В них чутко живет дух времени – они не предпочитают удобные старые пути, а готовы бороться, идти вперед, чтобы выявить себя, свою новую душу»[19]. Таким образом, именно женский взгляд на историю искусства позволил исследователям обратить внимание на значительные институциональные и социальные препятствия, с которыми сталкивались художницы.

Однако после ликвидации всех независимых женских организаций после Октябрьского переворота, а затем и «полного решения женского вопроса» изучение женского присутствия как социального феномена внутри истории искусства было надолго прервано. Советское искусствознание наследовало дореволюционному и поэтому игнорировало социальную историю российских художниц вплоть до конца XX века. Это также означает, что в отечественном искусствознании не сформировалось собственной методологии применительно к женщине в искусстве, оттого сегодняшние исследователи российского искусства обращаются к методам и словарю, выработанным в западной феминистской критике[20].

Женская художественная история попала в фокус внимания российских исследователей и музеев в 1990–2000 годы[21]. Одной из первых в этом ряду можно упомянуть выставку «Искусство женского рода. Художницы в России XV–XX веков», прошедшую в Третьяковской галерее в 2002 году[22], но в каталоге выставки[23] феминизм упоминается скорее впроброс, как необходимая, но не ключевая историческая отсылка[24].

Феминистская оптика выходит на первый план в следующем большом музейном проекте – выставке ŽEN d’АРТ с подзаголовком «Гендерная история искусства на постсоветском пространстве: 1989–2009», прошедшей в Московском музее современного искусства в 2010 году[25]. Эта выставка подвела символический итог обширному художественно-феминистскому дискурсу, который формировался в 1990–2000 годы[26]. Сама выставка «Искусство женского рода» упоминается в каталоге ŽEN d’АРТ как важная точка отсчета и ценный историографический источник. Таким образом, русскоязычные исследователи в области гендерного искусствознания, опираясь на работы друг друга, формируют общее исследовательское поле, в основе которого лежит рецепция западной феминистской методологии.

Однако профессиональная дискуссия вокруг большой международной музейной выставки «Амазонки авангарда»[27] показала, что многие российские исследователи не готовы принимать и использовать западную феминистскую методологию для анализа творчества российских художниц[28].

Наше исследование стремится заполнить описанные выше лакуны в изучении женской художественной истории и основывается на методах феминистской критики, главная и глобальная цель которой – преодолеть гендерное неравенство и угнетение по признаку гендера. Применительно к интересующей нас теме речь пойдет о том, каким образом и с помощью каких инструментов значимые женские фигуры искусства рубежа XIX–XX веков встраивались в современную им художественную систему России. Нам как исследовательницам хотелось бы в буквальном смысле дать этим фигурам голос. Опираясь на их дневниковые записи, воспоминания и другие источники, мы хотим проследить, как в современном им мире выстраивались гендерные и профессиональные иерархии, каким образом художницы рубежа веков говорили и писали о самих себе, о художественной среде, семье, обществе и искусстве. Нам интересна самопрезентация художниц через прямую речь и автопортретное творчество.

Наш анализ также строится на принципах социологии или социальной теории искусства[29], которая предполагает изучение искусства не только с точки зрения философско-эстетических концепций, но и с учетом социальных (репрезентация, статистика) и экономических факторов, влияющих на формирование искусства как социального института[30], который, в свою очередь, воспроизводит гендерные иерархии, характерные для общества, в котором он формируется. Социальная история искусства изучает связи между художественной формой, доступными художнику в данный исторический момент системами визуальной репрезентации, текущими теориями искусства, государственными и политическими идеологиями и социально-классовыми отношениями внутри глобальных исторических процессов[31]. Применительно к нашей книге мы хотели бы ввести в перечисленный комплекс понятий еще и гендерное измерение, потому как в отечественном искусствознании (применительно к нашему историческому периоду) этот фактор обычно игнорируется[32].

Для этого мы пропускаем институциональную критику через феминистскую оптику: заполняя лакуны сложившейся институциональной картины истории отечественного искусства, в которой практически никогда не изучались вопросы профессионализации художниц.

Кроме того, в книге мы будем обращаться к истории искусства и социально-политическим аспектам, которые ее формируют, а также анализировать сами произведения (преимущественно сосредоточиваясь на автопортретах, когда это представляется возможным). Все это нам важно рассмотреть в рамках феминистской оптики, описав жизненный мир художницы в Российской империи рубежа XIX–XX веков.

Не в меньшей степени нам интересна политика взгляда на женщину[33], которая позволяет раскрыть социальный базис не только искусства, но и любой существующей сегодня гуманитарной дисциплины. Патриархальный взгляд на художницу в истории искусства был также сформирован на рубеже веков и с тех пор практически не подвергался критике в отечественном искусствознании.

Кроме того, в русле биографического подхода[34] мы анализируем автонарратив, касающийся непосредственно творчества, и стремимся обращать внимание на такие маркеры профессионального становления, как осознание собственной потребности заниматься творчеством, обучение искусству и вхождение в художественную среду, получение профессионального образования в этой сфере, самоощущение художницы в среде соратников и коллег по цеху, возможность продажи своих работ и цены на них, смена деятельности или перерыв в творчестве (например, связанный с материнством или болезнью), участие художницы в выставках, конкурсах, полученные ею награды и почетные звания и так далее. В первой главе мы сосредоточимся на истории женского образования, связанного с российскими художественными институциями XIX века, чтобы показать, какие карьерные возможности и ограничения существовали для женщин в целом, а также чем они отличались от мужских.

В следующих главах мы собираемся познакомить читателя с биографиями художниц рубежа веков, основанными на их автодокументах (дневники, мемуары, переписки). Этот фокус дает нам возможность увидеть как бы словесный автопортрет наших героинь – каким образом они говорили о себе, близких, работе и творчестве, как и зачем конструировали (если это имело место) собственный профессиональный и социальный образ, как и где видели себя в профессиональной среде и какие препятствия встречались им на пути.

Кроме словесного автопортрета, мы будем обращаться к автопортретам реальным, если таковые остались. Анализируя автопортреты, мы также будем обращать внимание на то, как художница конструирует собственный образ – на этот раз в графике или живописи, как эта конкретная работа соотносится с развитием ее персонального стиля и какое место занимает в ряду произведений, как реагировало на нее сообщество и так далее.

Мы будем рассматривать судьбы художниц первых десятилетий ХХ века и обстоятельства, в которых складывались их профессиональные карьеры. Нам интересно, как те реформы в художественном образовании, институциональные препятствия и общественные представления о женщинах в профессии, описанные во введении, реализовывались в жизни конкретных художниц. Также нам важно показать то, как была устроена жизнь и работа этих художниц, и отойти от обобщений и популярных представлений о них.

Эта книга – попытка восстановить внутри существующей истории искусства имена художниц, потому как многие наши героини по разным причинам (эмиграция, нежелание сотрудничать с советской властью, отсутствие наследников и др.) были исключены, забыты и, так или иначе не получили должного внимания.

Глава I

Художественное образование и гендерные установки XIX века

Для женщины первой половины ХIХ века выстроить художественную карьеру было весьма затруднительно, впрочем, как и карьеру в любой другой сфере. В этой главе мы бы хотели описать процесс получения художественного образования женщинами, но прежде обратимся к социально-политическому контексту XIX века, а точнее к тому, какое место в этом обществе занимала женщина.

Еще в эпоху Просвещения появляются символические дихотомии «духа и плоти», «природы и культуры» и тесно связанное с ними противопоставление «мужского» и «женского». В середине XIX века становится популярной теория «раздельных сфер»[35], которая, продолжая линию философии Просвещения, поддерживала идею о противоположности женского и мужского начал и сущностном их различии[36]. Согласно теории «раздельных сфер», публичная жизнь, карьера и обеспечение семьи объявляются прерогативой мужчины, а приватная и домашняя жизнь – женщины[37]. Именно это гендерное разделение считается методологической основой до сих пор популярной полоролевой социализации.

В общественном сознании до середины XIX века понятие «работа» применительно к женщине употреблялось разве что в контексте обсуждения проституции, и сама идея работающей женщины вызывала осуждение. В качестве примера можно привести мнение Льва Толстого, которое он изложил в полемике с философом Николаем Николаевичем Страховым: «Всякая несемейная женщина, не хотящая распутничать телом и душою, не будет искать кафедры, а пойдет насколько умеет помогать родительницам»[38], или «женщина, не хотящая распутничать душой и телом, вместо телеграфной конторы, всегда выберет это призвание»[39].

Проиллюстрировать тезис об укорененности подобных идей в нравственном укладе русского дворянства середины века можно историей Анны Корвин-Круковской[40], старшей сестры Софьи Ковалевской[41], рассказанной в мемуарах последней. В 1864 году Корвин-Круковская, писавшая литературные тексты, отправила свои произведения Ф. М. Достоевскому, бывшему в то время редактором литературного журнала «Эпоха». Писатель высоко оценил присланные рассказы, принял их к публикации и выслал дебютантке гонорар. Отец семейства строгий генерал-лейтенант Василий Корвин-Круковский был в ярости оттого, что дочь втайне от него самостоятельно зарабатывает деньги, ведь это не женское дело, а если и женское, то тех женщин, которым не рады в приличном обществе (имелись в виду проститутки)[42].

Каков же был типичный путь социального становления женщины в ХIХ веке? Он, конечно, в течение столетия претерпевал различные трансформации, но неизменными несмотря ни на что оставались роли жены и матери. Поэтому воспитание и образование было нацелено на взращивание соответствующих ценностей. О сходстве многих жизненных процессов у женщин дворянского происхождения исследователи судят, опираясь на воспоминания[43], зафиксированные в дневниках[44], которые вели многие девушки в конце XIX века[45].

Например, исследователь женского движения в России Ричард Стайтс, описывая детство девочки из дворянской семьи последней трети ХIХ века, отмечает, что, как правило, оно проходило за домашним обучением с гувернанткой, у которой она училась музыке, французскому языку и шитью. Также много времени ребенок проводил с крепостной няней, которая учила русскому языку и часто становилась одним из самых близких людей. С родителями же общение девочки было весьма ограничено: отца – главу всего поместья – она видела редко, а встречи с матерью не предполагали какого-то личного, откровенного общения[46].

Дальнейшее обучение происходило в специальных заведениях среднего образования для девушек из дворянских семей, где они жили в закрытом и изолированном от внешнего мира заведении с 10 до 18 лет[47]. Самое известное из таких заведений – Воспитательное общество благородных девиц при Воскресенском монастыре, основанном указом Екатериной II[48] от 1764 года. Обучение в нем было оторвано от реальной жизни и не давало никаких фундаментальных знаний[49]. Учениц готовили в основном к тому, чтобы стать хорошими матерями, послушными женами и барышнями со светскими манерами, в числе которых были знания о последней моде. Многие девушки в своих письмах и дневниках отмечали, что затворническое существование в институте скорее способствовало полному непониманию и неготовности жить в реальном мире. Например, бывшая институтка М. Долгомостева пишет в своих воспоминаниях[50]:

«Это прозябание институток, не понимающих своей жизни, я называю ложным их положением. И действительно, можно ли иначе назвать положение живого, мыслящего существа, которое было бы до такой степени, как институтка, отстранено от всяких забот о вседневных нуждах и даже не видело бы перед собой примера, чтобы об них кто-нибудь заботился»[51].

Как и где дальше могла учиться девушка, которая хотела продолжить обучение или профессиональную деятельность? Высшего и профессионального образования для женщин в первой половине (до 70 годов) ХIХ века в Российской империи не существовало[52]. В 1870-е в разных городах страны стали появляться Высшие женские курсы[53]. Современная исследовательница Ирина Юкина отмечает, что произошло это благодаря «группе Трубниковой»[54], которая лоббировала создание курсов для женщин в научном и педагогическом сообществе[55]. Так, 9 апреля 1876 года императором было подписано Высочайшее повеление, разрешающее открывать Высшие женские курсы «при содействии местных профессоров на имя одного из них»[56], [57].

Поскольку консервативная общественная мораль того времени готовила женщину, в том числе и хорошо образованную, прежде всего к роли жены и матери, строгость патриархального уклада сильнее сказывалась именно на жизни представительниц высшего сословия[58]. Жизненный уклад, распространяющийся разночинной интеллигенцией в последней трети ХIХ века, более открыто рассматривал вопрос профессионального женского образования и трудовой занятости, хотя в вопросах женской социализации приоритет всегда отдавался семейной жизни. Чем выше был изначальный социальный статус выпускницы, тем меньше у нее было шансов избежать семейной жизни. Для женщин более низких сословий к концу XIX века профессиональная занятость могла быть средством упрочить свое общественное положение: все более престижными становилась, например, профессия домашней учительницы или воспитательницы.

Рисование и живопись с начала XIX века входили в обязательный набор хорошего домашнего образования девушек из дворянских семей, но продолжить заниматься искусством профессионально и получить высшее художественное образование для женщины было практически невозможно.

Высшее художественное образование в первой половине ХIХ века можно было получить в единственном высшем учебном заведении – Академии художеств в Санкт-Петербурге, а со второй половины столетия еще и в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, открывшемся в 1865 году, выпускники которого имели статус, равный выпускникам Петербургской Академии художеств.

Профессиональная карьера художника в России XIX века строилась по тем же канонам, что и в странах Западной Европы: последовательно от начального художественного образования к среднему[59], затем к высшему и после, при желании, – к «профессорскому мундиру» (преподаванию)[60].

В аристократической среде семья нанимала мальчикам учителя, в менее привилегированной среде дети становились подмастерьями у опытных мастеров (бывших нередко их кровными родственниками). Если ребенок проявлял способности и усердие и получал от учителей рекомендации к продолжению профессионального образования, он мог записаться в рисовальную школу и за несколько лет подготовиться к экзаменам в Академию.

Внутри Академии происходило не только воспитание мастерства, техники и поиск собственного языка, но и знакомство с единомышленниками и коллегами, вхождение в художественные круги и знакомство с художественным рынком. Большая золотая медаль Академии присуждалась лишь тем, кто оканчивали обучение и становились «конкурентами» (за золотую медаль) – в их число допускали далеко не всех. Претенденты должны были выполнить картину по программе, утвержденной для всех Ученым Советом Академии. Счастливый обладатель большой золотой медали получал звание классного художника первой степени, мог отправиться в пенсионерскую поездку в Европу, а кроме того, получал гражданский чин девятого класса[61].

По сложившейся традиции на Большую золотую медаль допускались выпускники, уже обладавшие к началу конкурса Малой золотой медалью Академии «За успех в рисовании», дававшей звание классного художника второй степени и гражданский чин двенадцатого класса[62]. Карьерные возможности «золотых медалистов» в Академии были весьма высокими: они могли претендовать на звание академика, а затем и профессора Академии. В исключительных случаях присуждалась не одна, а несколько Больших золотых медалей. Например, в 1871 году за программу «Христос воскрешает дочь Иаира» таковые вручили всем пяти конкурентам, включая Василия Поленова и Илью Репина.

Серебряная медаль первого достоинства давала обладателю звание классного художника третьей степени и гражданский чин самого низшего, четырнадцатого класса. Награжденные серебряной медалью второго достоинства получали звание свободного, неклассного художника. Помимо этого, Академией присуждались Большая поощрительная и Малая поощрительная медали[63].

В течение XIX века происходили заметные трансформации социального статуса художника (мужчины)[64] как в России, так и в Европе. О европейском процессе богемизации сегодняшние исследователи пишут как о последовательном кризисе «перепроизводства» интеллектуальных городских работников в конце XIX века: «Художник первой половины XIX в. был представителем среднего класса, в то время как к концу века его характерным атрибутом становится “вынужденная богемность”»[65].

Искусствовед Олег Кривцун в русле социально-исторического подхода к искусству XIX века на российском материале рассматривает вопрос социального статуса не только живописца, но и человека творческой профессии в целом (упоминая также актеров, музыкантов и литераторов). Этот статус варьировался от профессии «угождающей» (высшим слоям общества – аристократии) и обслуживающей в сторону большего престижа и социального одобрения профессиональных занятий искусством, а художник во второй половине XIX века получает право не только на самовыражение, но – негласно – на «иное» социальное поведение.

Однако, по мнению искусствоведа, российский художник второй половины XIX века, несмотря на высокую степень социальной свободы, продолжал испытывать на себе влияние вкуса и запросов потенциального потребителя: «Общественные установления и нормы задавали совершенно особый тон, корректировали своеволие художника, нарушали предсказуемость художественной деятельности»[66]. И если в первой половине столетия художник вынужден был разделять вкусы, нормы и традиции старой аристократии, то в середине века возникает тенденция к горизонтальному, внутрицеховому объединению представителей творческих профессий. Все более ценным становится артистическое миропонимание и внутрицеховые отношения. Впоследствии это приведет к элитизации и богемизации артистической среды и к приобретению особого статуса в российском обществе. Более того, к концу века в художественной (и тесно связанной с ней литературной) практике России находят отражение уже новые моральные нормы городской, в том числе разночинной, интеллигенции[67]. Нормы эти отражались в творчестве, находя свое воплощение в реалистических сюжетах с социально-критической направленностью[68].

Феномен художественно-литературной богемы в российском обществе значительно отличался, например, от французского. Во Франции под богемой подразумевалась бедная, живущая на грани нищеты городская творческая интеллигенция. В Российской империи артистической богемой называли художественную элиту, которая в целом довольно обеспеченно жила и хорошо принимались в обществе. Негативный оттенок слово «богема» приобрело лишь в конце XIX века, когда образ художника как идейного подвижника, служащего народу и страдающего во имя его блага, сложившийся под влиянием идей передвижничества и разночинной интеллигенции в шестидесятые годы, был противопоставлен образу легкомысленного гедониста, представителю «искусства ради искусства».

А что же художницы? Когда общественные образовательные институции начали принимать женщин, как они могли попасть в академии и помогала ли им учеба в профессиональном становлении?

Художница – это профессия?

В отличие от мужчин, «женщина в XVIII в. играет роль, так сказать, “домашней” художницы. Она создает вокруг себя атмосферу прекрасного. Но в это время в женщине удивительным образом сочетаются любовь к искусству с презрением к художникам-профессионалам. Лишь когда женщина начинает выступать в качестве профессиональной художницы, в общество начинает проникать сознание необходимости высшего художественного образования для женщины»[69].

Так публицистка Ольга Базанкур-Штейнфельд описывала положение художниц в XVIII столетии, хотя это весьма точно описывает ситуацию и первой половины XIX века.

До второй половины XIX века профессиональными художницами в России были в основном эмигрантки из Европы, на которых традиционная патриархальная мораль влияла не так сильно. Швейцарский художник Георг Гзель (1673–1740), прибывший в Россию в 1717 году по приглашению Петра I, приехал вместе с супругой художницей Доротеей Марией Гзель (также известна как Доротея Мария Графф, 1678–1743). Она работала для Академии наук и выполняла иллюстрации экспонатов кунсткамеры, а также рисовала натюрморты с цветами и фруктами. Гзель – или Гзельша, как стали называть ее в России, – стала первой профессиональной художницей в Санкт-Петербурге. Она состояла на службе в Академии наук и получала равное с супругом жалованье[70].

В 1795 году в Петербург по приглашению русского посла приехала известная французская художница Мари-Элизабет-Луиза Виже-Лебрен (1755–1842), происходившая из незнатной буржуазной семьи художника. При французском дворе Виже-Лебрен приобрела широкую популярность своими портретами, особенно портретом Марии Антуанетты в домашнем платье (ок. 1783, Национальная галерея искусств, Вашингтон), вызвавшим скандал в парижском салоне 1783 года[71]. В 1798 после Французской революции она приехала в Россию и прожила здесь более семи лет, вполне успешно социализировавшись при дворе в качестве известной портретистки знати.

Социальное положение художника конца XVIII – начала XIX века было обусловлено отношениями с аристократией, своими основными заказчиками, под вкусы которых художники были вынуждены подстраиваться. Именно в этой угодливости традиционная критика часто обвиняет портреты Виже-Лебрен. Помимо того, барон Н. Н. Врангель, искусствовед и критик рубежа веков, в книге «Венок мертвым», изданной в 1913 году и посвященной иностранцам при русском дворе, на примере Виже-Лебрен обвиняет художниц в самолюбовании и самодовольстве, типичном для женщин вообще:

«Виже-Лебрен слишком типичная женщина, чтобы быть хорошим живописцем. Она сентиментальна, впечатлительна, подражательна и самовлюбленна. Вечно позирует она сама перед собой, с той наивностью и неуемным самодовольством, что всегда были у женщин-художниц»[72].

Мнение Н. Н. Врангеля отражает привычные стереотипы о художницах, бытовавшие в XIX веке. Очевидно, что филиппика Врангеля в адрес художниц была обусловлена тем, что сам барон придерживался теории раздельных сфер и приписывал женщинам стереотипные характеристики. Однако авторитет Врангеля и его суждения впоследствии повлияли на воспроизводство этой же оптики в текстах его коллег[73].

Однако же к сожалению барона Врангеля, Виже-Лебрен одной из первых начала развивать более человечные, личные отношения между заказчиком-аристократом и портретистом. Для аристократии того времени Виже-Лебрен писала не только официальные парадные, но и камерные, значительно более чувственные портреты. Кроме того, художница прославилась двумя новаторскими для своего времени автопортретами (1786, 1789, оба в собрании Музея Лувра) с собственной дочерью, изображающими взаимную теплоту, нежность и искреннюю любовь между матерью и дочерью. Позже по образу и подобию этих работ был выполнен ряд известных портретов российских аристократок с детьми[74]. Вероятнее всего, именно эти знаменитые сентиментальные автопортреты произвели такое негативное впечатление на барона Врангеля.

Сама же художница была вхожа в высший свет российской аристократии на положении не «обслуживающего персонала» придворной знати, а знаменитости и представительницы европейских мод. Костюмы для портретирования своих героинь Виже-Лебрен придумывала и создавала самостоятельно[75]. Например, существует история о том, что женское платье в античном стиле вошло в моду при дворе именно благодаря влиянию Виже-Лебрен[76].

Мари-Элизабет-Луиза Виже-Лебрен стала первой заметной профессиональной художницей, принятой в среде аристократии российской империи начала XIX века. Сегодня нельзя сказать, что она радикально изменила общественное восприятия художницы как профессионала, в частности, потому, что она была иностранкой, то есть «чужой», и уклад и традиции российской знати не касались ее в полной мере. Однако сам факт успешной профессиональной карьеры художницы при императорском дворе так или иначе «подсветил» общественные проблемы, связанные с российским женским художественным образованием.

Как мы уже упоминали, в программу женского начального образования входили азы рисования. Благодаря популярности идей Джона Локка и Жан-Жака Руссо о ценности образования для всесторонней реализации гражданина, в высшем обществе распространилось представление о пользе рисования не ради совершенствования навыка, но для общего развития[77]. Так, с середины XVIII века основы изобразительной грамоты были введены во многих гимназиях[78]. Художественные дисциплины были также введены в учебный план институтов для женщин. В «Уставе народным училищам в Российской империи» 1786 года, Екатерина II утвердила программы, включающие курс рисования[79].

Первым в России местом, где женщины могли получить среднее художественное образование, стала Петербургская рисовальная школа для вольноприходящих, так называемая «Школа на Бирже»[80]. Школа была основана двумя русскими немцами: ученым, просветителем и организатором Корнелием Христиановичем Рейссигом (1781–1860) при личном покровительстве министра финансов Егора Францевича (Георга Людвига) Канкрина (1774–1845). У Рейссига к тому моменту уже был опыт организации публичных рисовальных классов при Санкт-Петербургском практическом технологическом институте, а также воскресной рисовальной школы для вольноприходящих всех сословий. Сама идея создания сети художественно-ремесленных школ была обусловлена не только актуальными просвещенческими идеями, но и насущными потребностями страны – архитектурно-строительным бумом 1840 годов (грандиозные постройки Исаакиевского собора и Храма Христа Спасителя).

Хилкова Е. Внутренний вид женского отделения Петербургской рисовальной школы для вольноприходящих. 1855. Русский музей

Открытие женских классов при школе в 1842 году было большим событием:

«В начале 1840 годов отношение к женскому образованию во многом определялось предубеждениями, касающимися в целом способности женщин к обучению. Женские классы Рисовальной школы функционировали как ее органическая часть и были элементом целостной педагогической системы. Это учебное заведение открывало перед девушками возможность совершенствоваться в живописи и в дальнейшем подавать работы в Академию для получения звания художника <…> Одновременно в женских классах большое внимание уделялось декоративно-прикладному искусству, в особенности традиционно “женским” направлениям (текстиль, керамика, а также акварель как станковая и декоративная техника)»[81].

Таким образом, важной функцией этой школы была подготовка женщин к дальнейшему занятию ремесленной художественной работой или продолжению образования. Так вспоминала образовательную программу «Школы на Бирже» писательница и художница Софья Ивановна Лаврентьева, которая в 1860 годы там училась:

«В первом классе, после различных геометрических фигур из папье-маше, рисовали гипсовые арки, ворота, лестницы и пр., а также части человеческого тела. По уничтожении оригинального класса, вторым стал класс рисовки с гипсовых масок (орнаментов тогда еще не рисовали в женских классах), где преподавала бывшая ученица школы – Хилкова. В третьем классе рисовали с целых бюстов и даже статуй, иногда при вечернем освещении, – там тогда учил Чистяков[82]. Последним или четвертым классом был класс натурный, где практиковалась уже масляная живопись. Натура допускалась только “одетая”, и целых фигур не писали, а или поясные, или поколенные»[83].

С 1858 года «Школа на Бирже» перешла под покровительство Общества поощрения художников. Образование Императорского общества поощрения художеств (до 1882 года – Общество поощрения художников) – важный институциональный феномен XIX века. Основанное группой меценатов в 1820 году и находившееся под прямым покровительством императора, оно активно осуществляло просветительскую миссию, во многом совпадающую с миссией «Школы на Бирже». Для Общества приоритетом была поддержка образования для художников и скульпторов, организация выставок и поощрение молодых талантов.

Несмотря на обширную программу обучения в школе при ОПХ, официальное звание и статус профессионального (а значит, высококвалифицированного) художника по-прежнему могла выдавать только Академия. Окончившие школу ученицы могли подать свои работы на вступительный экзамен или получить собственную внутреннюю премию от школы. Благодаря деятельности общества в заграничную поездку была отправлена Евдокия Михайловна Бакунина (1793–1882), первая из женщин в Российской империи, получившая от Академии пенсион[84].

В 1834 году Бакунина, будучи вольнослушательницей Академии[85], получила большую серебряную медаль за портрет графа В. В. Мусина-Пушкина-Брюса. В 1835 году она уехала в Италию. При этом медаль Бакуниной была вручена Академией, а средства на пенсионерскую поездку были собраны Обществом поощрения художеств. Об этом событии в личной переписке с отцом раздраженно упоминал художник А. А. Иванов:

«Меня они остановили на половине дороги, сказав, что у них есть молодые люди, достойные пенсионерства. Бакуниной они выдали почти то же, что и мне, в продолжении трех лет, – деньги совершенно пропащие. Мелких пенсионеров у них много, из которых ни один не будет что-нибудь значить»[86].

Евдокия Бакунина, проведя несколько лет в различных мастерских Европы, вернулась в Россию и после смерти родителей в конце 1830-х всецело была поглощена заботой о семейном имении Казицыне и младших сестрах. Неизвестно, продолжала ли она при этом заниматься живописью. К сожалению, на сегодняшний день большинство ее работ не сохранилось.

В 1860 годах школа при Обществе поощрения художников стала практически подведомственной Академии художеств, которая, в свою очередь, внесла коррективы в образовательную систему школы. Помимо общего ремесленного образования, было открыто второе отделение, готовившее учащихся для поступления в Академию. К концу 1860-х в школе при содействии тогдашнего секретаря Общества поощрения художников Дмитрия Васильевича Григоровича открываются библиотека, музей и постоянная выставка-продажа работ, произведенных, в частности, учениками школы. Школа, как и само общество, становится еще более влиятельной институцией, ценной не только своей образовательной программой, но и помощью ученикам и выпускникам во встраивании в художественный рынок через систему выставок и заказов.

Регулярно пополняемая музейная коллекция школы стала освещаться в «Сборнике художественно-промышленных рисунков», выходившем с 1885 года. Выход сборников был приостановлен в 1898 году исключительно потому, что был задуман еще более амбициозный проект – выпуск собственного журнала школы «Искусство и художественная промышленность», который был успешно открыт и просуществовал почти три года. Его публикация, как и деятельность школы, повлияли на статус декоративно-прикладного искусства в конце XIX века в России:

«В известной мере сам ход формирования музейного собрания явился отражением эволюции взглядов на прикладное искусство, систему его ценностей и приоритетов»[87].

В дальнейшем именно в школе при Обществе поощрения художеств будут учиться большинство наших героинь – художниц второй половины XIX века, не имевших законной возможности поступить напрямую в Академию. Следует добавить, что за прошедшее столетие с конца XVIII до конца XIX века в России, помимо школы при Обществе поощрения художеств, образовались частные школы-студии с профессионалами-художниками, бывшими выпускниками академии во главе. Свои студии были, например, у Алексея Антропова, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского, Алексея Венецианова и др.[88], в них, наряду с государственными школами и училищами, можно было получить необходимые для поступления в Академию навыки изобразительной грамоты.

Первые упоминания женщин-вольнослушательниц[89] Академии[90] можно встретить начиная с 1800 года[91], официально поступить и стать полноценной ученицей наравне с мужчинами стало возможно лишь в 1893 году[92]. Драматург, писатель Петр Гнедич в своих мемуарах вспоминает о мнениях пожилых преподавателей Академии по поводу совместного обучения девушек-вольнослушательниц и юношей-студентов, случившегося в Академии в 1873 году:

– Перед девушкой будет стоять голый натурщик? Что же из этого выйдет?

– Новая практика для акушерок! Расширение родильных приютов![93].

Однако несмотря на сохранявшиеся консервативные настроения, новый устав[94] Академии 1893 года уравнял возможности поступающих в академию лиц обоего пола на получение высшего художественного образования. Однако имеет место и историческая неразбериха: так, например, художница Анна Петровна Остроумова-Лебедева, поступившая в Академию в 1892 году (за год до принятия устава), упоминает в мемуарах имена сокурсниц как первых полноценных студенток Академии (об этом см. I главу настоящей книги). Мы не можем однозначно ответить на вопрос, насколько радикально официальное принятие нового устава повлияло на гендерный состав студентов. Возможно, устав 1893 года только лишь закреплял в документальной форме уже сложившееся и привычное присутствие в академии женщин и предоставлял им официальный статус дипломированных выпускниц.

Другая наша героиня – художница Варвара Дмитриевна Бубнова (1886–1983), поступившая в Академию более чем десятилетие спустя – в 1907 году, вспоминала, что до этого времени в Академии существовала «специальная комната для женщин-студенток»: «В этой комнате стояло большое зеркало, вешалка и даже кушетка. Среди “дам” нашлись желающие на ней отдыхать. Варвара же сразу невзлюбила эту кушетку, также как и слово “художница”»[95]. Очевидно, что в воспоминаниях Бубновой эта отдельная комната уже выглядела архаичной и оскорбительной деталью.

Такая необходимая часть профессионального художественного образования – посещение натурных классов и изучение обнаженного человеческого тела – наконец, стала возможной для первых студенток российской Академии художеств. В ведущих европейских частных академиях того времени женщины были ограничены в посещении натурных классов.

Сегодня из мемуаров и дневников учениц студий мы знаем, что лишь несколько частных школ, таких как парижская Академия Коларосси, позволяли девушкам наравне с юношами посещать натурные классы[96]. Женщины-натурщицы там позировали полностью обнаженными, в то время как мужчина-натурщик, соблюдая приличия, оставался в кальсонах. Для сравнения, в другой знаменитой частной школе Парижа – Академии Жюлиана – уроки рисования обнаженной натуры проводились раздельно и стоили для девушек в два раза больше, чем для мужчин[97]. В итоге женщина, желающая получить профессиональное художественное образование, попадала в бесконечный замкнутый круг запретов и ограничений. К счастью, сегодня все чаще мы видим новые исследования[98], посвященные женскому присутствию в искусстве, которые более подробно описывают исторический контекст. Но не менее важным для нас являются высказывания художниц от первого лица, фиксирующие непосредственно среду, отношения, в том числе личные отношения героини к своим коллегам.

Мария Башкирцева, уроженка Полтавской губернии, большую часть жизни прожившая во Франции, стала одной из первых женщин в Европе, изложившей и осмыслившей свой творческий путь в дневниковом жанре[99] с расчетом, конечно, на то, что ее записи будут опубликованы. Кроме того, в ее дневниках подробно отражены основные процессы получения художественного образования, а также отношения внутри европейского художественного сообщества. Башкирцева начала вести дневник в возрасте четырнадцати лет, но уже в те годы она целеустремленно и прилежно составляла расписание домашних занятий, осваивала античную и современную литературу на разных языках. Она описывала многолетние профессиональные занятия музыкой и пением и блестящие, по словам ее учителей, карьерные возможности в качестве оперной певицы. Однако туберкулез, рано развившийся и давший серьезное осложнение в виде начавшейся в 22 года глухоты, не позволил Башкирцевой состояться в качестве певицы.

Башкирцева нашла выход из творческого кризиса в живописи и поступила во французскую частную академию Жюлиана. К концу 1877 года она полностью сосредоточилась на занятиях живописью и работала по 10–12 часов в день в мастерской Лефевра и Робера-Флёри[100]. Такая интенсивность ежедневной практики и целеустремленность в освоении мастерства не только сказалась на профессиональных навыках художницы, но и оказала воздействие на повседневные привычки – жизненный уклад и способ мышления, о чем она подробно записала в дневнике:

«Я себя не узнаю. Это не сиюминутное ощущение, я действительно стала такая. Сама удивляюсь, но это правда. Мне даже богатства больше не нужно: две черные блузы в год, немного белья, которое я готова сама стирать по воскресеньям, совсем простая еда, лишь бы свежая и без лука, и… возможность работать. Никаких карет – омнибус, а то и пешком; в мастерскую я надеваю туфли без каблуков»[101].

«Зачем тебе учиться, что это за выдумки? Ты прекрасно рисуешь. Тебе замуж надо», – передает Башкирцева слова своей матери о ее занятиях искусством[102]. Они отражают описанный Линдой Нохлин распространенный в высшем европейском обществе прошлых веков стереотип о «пристойном любительстве», означающий, что светской даме достаточно лишь «неплохо рисовать», но главной ее жизненной задачей остается удачное замужество и «карьера» жены.

Возможно, известные сегодня работы Марии Башкирцевой были написаны именно благодаря ужасному и трагичному для самой художницы (и ее семьи) стечению обстоятельств, которое помешало ей стать замужней женщиной. Ее родственники долгое время участвовали в судебной тяжбе за наследство, и этот унизительный для семьи процесс не позволял ей выходы в свет: посещать балы, салоны и другие аристократические мероприятия. В первых опубликованных изданиях дневника[103] эти факты из биографии семьи Башкирцевых-Бабаниных-Романовых были тщательно цензурированы[104].

Тем не менее именно консервативные родственники (мать и тетя) Башкирцевой после скоропостижной смерти художницы в 1884 году при участии французского публициста и писателя Андре Терье подготовили к публикации дневник[105], который Башкирцева вела и страстно желала опубликовать на протяжении всей жизни, сконструировав тем самым первый в своем роде образ художницы последней трети XIX столетия. Именно эта версия дневника стала предметом длительных споров о личности, судьбе и творчестве Башкирцевой, представляя ее как многогранную, сложную и противоречивую фигуру, не только целеустремленную, цельную и волевую, готовую преодолевать сопротивление семьи или общества ради профессиональных высот, но и одновременно как капризную и самовлюбленную девушку, от праздности и богатства бросающуюся в разные творческие области и романтические приключения.

Самый известный на сегодня автопортрет Марии Башкирцевой «Автопортрет с палитрой» (1883, Музей изящных искусств им. Жюля Шере, Ницца) отражает решимость молодой девушки стать профессиональной художницей. Башкирцева изобразила себя на темном фоне, с убранными волосами, с палитрой и кистями в руках и в рабочем черном халате (блузе) – в похожих платьях изображены женщины-художницы в другой ее работе «В студии» (1881, Художественный Музей Днепра).

Но в этом автопортрете отражено не сожаление об оставленном, а скорее тревога за будущее: на страницах дневника художница еще с 1880 года (когда был окончательно поставлен диагноз «туберкулез») постоянно задается вопросом, хватит ли времени на поставленные в живописи задачи? Это портрет-заявление, портрет-манифест. Такой автопортрет можно назвать профессиональным. Фигура художницы практически растворяется в мрачном темном фоне, поглощающем ее правую руку. В ее позе нет ни кокетливости, ни самолюбования. Строгая постановка вполоборота лишает зрителя возможности оценить платье, прическу или фигуру девушки. Более того, Башкирцева, будучи во время создания автопортрета 24 лет от роду, пишет заметные седые пряди в волосах. Лицо, тщательно выписанное на фоне единственной яркой детали – белого воротника, также лишено какого бы то ни было кокетства: взгляд направлен скорее внутрь себя, нежели на зрителя, но выражение лица сосредоточенное и тревожное. Через год после создания этого автопортрета Башкирцевой уже не будет в живых.

В силу ли выбора карьеры профессиональной художницы или в силу трагических обстоятельств ее жизни Башкирцева не вышла замуж и не создала семьи. Но после замужества судьба многих художниц не была завидной: новоиспеченная жена, погружаясь в семейную жизнь, часто бросала занятия искусством. Если не после замужества, то после рождения первенца. Также часто замужняя художница становилась объектом карикатур[106] и насмешек за то, что продолжала учиться и рисовать. Такое положение вещей как оставление женой собственной карьеры в угоду мужу (социальным нормам) было общим для России и многих других стран Европы.

С развитием российского художественного рынка, корпоративной среды и ростом профессионализации и компетенций мужчины на рубеже веков начинает складываться и вербализоваться стереотип «идеальной жены» художника. В мемуарной литературе конца XIX – начала XX века мы встречаем образ неплохо образованной, но скромной, миловидной (но не роковой красавицы), хозяйственной и заботливой женщины, безусловно любящей своего мужа и всячески угождающей ему. Постоянное отсутствие мужа в связи с работой жена воспринимает с пониманием и легкостью, перенимая на свои плечи все хозяйственно-бытовые, материальные и воспитательные неурядицы и справляясь с ним практически в одиночку.

Например, о первой жене Ильи Репина – Вере Алексеевне Шевцовой – так писала дочь Павла Михайловича Третьякова Вера Зилоти:

«…как-то раз в Москве мы с сестрой Сашей заехали к Репиным. Вера Алексеевна, сидя случайно со мной одной в столовой, говорила мне, как она, после целого утомительного дня, уложив свою ватагу ребят, измученная, садится за этот стол помолчать и прийти в себя в тишине. “И вот придет Илья, начнет рассказывать о своей работе в тот день над своими картинами – и усталость моя мгновенно исчезает. Ложусь спать счастливая, полная энергии на будущий день. Тогда я забываю и свое, надоевшее мне лицо, которое утром, когда я причесывалась, приводило меня, в зеркале, прямо в отчаяние своей некрасивостью…” А как она была мила! Она осталась для меня идеалом душевной женственности, идеалом подруги художника!»[107].

Восторженные воспоминания Зилоти напоминают рассказ о жене Валентина Серова Ольге Федоровне Трубниковой, записанный ее названной сестрой Марией Яковлевной Симонович:

«Миниатюрная, с мелкими чертами лица, большими серыми глазами около маленького остренького носика была похожа на голландку, что муж ей неоднократно и говорил. Не имея никаких запросов к своей собственной жизни, она служила Серову, как отклик всех его художественных желаний и обставила его жизнь во вкусе, который ему подходил»[108].

В книге «Русские жены. Недостижимый идеал» авторы Е. Н. Обоймина и О. В. Татькова в пассаже о жене Бориса Кустодиева Юлии Кустодиевой (в девичестве Прошинской) приводят такую цитату:

«Много лет назад один старый художник наставительно говорил невесте молодого коллеги: “С чего начать жене художника? Научиться мыть мужу кисти. И чтобы как следует! Это дело кропотливое, оно берет много времени, и тратить свое драгоценное время на это художнику грешно”»[109].

Кому принадлежат эти слова, авторы книги не указывают. Этой фразы достаточно для того, чтобы описать широко бытующий стереотип о жене как помощнице художника-мужчины, имевший место в художественном сообществе рубежа веков. Во многом этот стереотип зеркально отражал представления разночинной интеллигенции с той лишь разницей, что под служением в случае жены художника понималось служение не обществу, а мужу и семье[110].

Неудивительно, что эти установки влияли на художественное сообщество. Например, далеко не все поступившие в Академию девушки оканчивали полный курс и достигали прежде желаемых званий. Как отмечал в бытность преподавателем Академии Илья Репин: «Да, я знаю как женщины… Выйдут замуж, муж, семья, а живопись забыта…»[111]. Женщина ввиду этого имела меньше возможностей участвовать во внутренних конкурсах Академии (например, чтобы ее работу купил государственный музей). Она не могла выиграть стипендию на обучение и получить заграничный пенсион, не имея диплома[112].

Одним из удивительных исключений из академической истории России XIX века была художница Софья Васильевна Сухово-Кобылина (1825–1867). Она получила хорошее домашнее образование, но этого, конечно, не было достаточно для поступления в Академию художеств. На руку Сухово-Кобылиной сыграло ходатайство академика и художника Егора Егоровича Мейера[113], с которым художница познакомилась во время одной из своих зарубежных поездок и который впоследствии стал ее учителем[114], он высоко ценил ученицу и гордился ее успехами[115].

В Академии Сухово-Кобылина училась с 1848 по 1851 год[116], а ее работы высоко ценили не только учителя. Некоторые из присланных в Академию работ получали медали, а в 1854 году Сухово-Кобылина удостоилась большой золотой медали за крымские пейзажи[117]. Это событие – вручение медали – художница запечатлела в картине (автопортрете) «Софья Васильевна Сухово-Кобылина, получающая на Акте в Академии художеств первую золотую медаль за “Пейзаж” с натуры» (1854, Государственная Третьяковская галерея).

Сухово-Кобылина С. Софья Васильевна Сухово-Кобылина, получающая на акте в Академии художеств первую золотую медаль за «Пейзаж» с натуры. 1854. Государственная Третьяковская галерея

Эта работа – холст небольшого формата (49,2 × 34,2 см), на котором художница запечатлела одно из самых значимых событий в своей жизни. Собственное награждение – нетипичный сюжет для художников той поры. Выбор его может свидетельствовать не только о понимании художницей значимости этого события в собственной профессиональной карьере, но и об осознании этого как исторического факта. Осознание это подчеркивается названием[118]: художница упоминает себя в третьем лице, будто речь идет об историческом персонаже.

В центре композиции мы видим фигуры художницы в белом платье и одного из членов академии, вручающего ей золотую медаль. Просторный, высокий зал Академии с подробно прописанным карнизом, кессонированным потолком и гербом Российской империи густо наполнен людьми: в работе изображено в общей сложности около ста человек, они занимают весь задний план (как стаффажные фигуры), захватывают часть переднего и даже свисают с балкона. Происходящее явно вызывает фурор среди зрителей, оттого все взгляды устремлены на молодую художницу. Кроме того, над собравшейся толпой и самой героиней возвышается мраморный скульптурный портрет Екатерины II (очевидно, работы Самуила Гальберга), которая в 1764 году подарила Академии Устав и «Привилегию», а также стала одной из важнейших и высочайших ее покровительниц. Таким образом, Сухово-Кобылина как бы принимает историческое наследие от второй великой женщины Российской империи. При этом манеру исполнения работы можно счесть наивной, напоминающей скорее книжную иллюстрацию, а не монументальную картину. Можно предположить, что такой формат был выбран художницей с надеждой на более простую репродукцию для прессы.

Бросается в глаза, что все участники церемонии награждения, кроме самой художницы, – мужчины. Этот контраст как будто подчеркивает значимость события, ведь Сухово-Кобылина первой среди женщин удостоилась такой награды.

Сюжет этот не раз будет упомянут художницами и историками российского искусства в качестве исключения, особой гордости и одного из ярких событий в начале женской художественной истории в России.

Тем не менее некоторые изменения в общественном мнении все же происходили. Более того, происходили они параллельно, а иногда и благодаря развитию женского движения в мире и в России. И женское образование, в том числе художественное, стало тем вопросом, где сходились и художницы, и феминистки (суфражистки), и теоретики (общественные мыслители).

Женское движение в России ХIХ века не было гомогенным, цельным явлением, скорее мы можем говорить о точечных инициативах и публикациях, принадлежавших разным действующим лицам. В рамках нашей книги мы не будем подробно останавливаться на всех возможных аспектах, поднимавшихся деятельницами движения. Но мы коснемся событий, которые, как нам кажется, принципиально важны для формирования представления об интеллектуальной и социальной среде, в которой формировались художницы конца столетия.

Основными направлениями работы женских организаций XIX века были высшее образование, избирательное право, благотворительность[119], защита обездоленных слоев населения, борьба с регламентацией проституции и др. В 1860–70 годы, во время активного развития производственных мастерских и артелей в России, женские организации создавали для своих подопечных собственные артели[120]. Для нас важно отметить, что в большинстве своем женщины, выбравшие в конце XIX века художественную стезю, не были участницами современного им женского движения. Однако и из этого правила было заметное исключение. Интересы художниц и общественных деятельниц объединялись на ниве благотворительности, образования и попечительства.

В 1882 году в Санкт-Петербурге был основан «Первый дамский художественный кружок» – первая женская художественно-благотворительная организация. В ряду его основательниц были художницы Пелагея Петровна Куриар[121], Екатерина Николаевна Бенуа-Лансере[122], Эмилия Карловна Гаугер[123], княгиня и художница-любительница Анна Александровна Имеретинская[124] а также великие княгини Ксения Александровна, Мария Павловна и принцесса Евгения Максимилиановна Ольденбургская[125].

Целями создания кружка были помощь сиротам и семействам художников, а также художественное развитие вообще. Члены и экспоненты кружка пополняли общую казну регулярным ежегодным взносом в размере 10 рублей. Непременным условием членства было ежегодное пожертвование одной работы, созданной собственным трудом[126]. С 1884 года кружок собирался по средам в Михайловском дворце (а с 1894 года в залах Общества поощрения художеств), там же проводились регулярные выставки-продажи работ членов кружка, доходы с которых отправлялись на благотворительность. Помимо этого, кружок организовывал художественные сеансы с совместным рисованием с натуры и музыкальными концертами.

Через десять лет существования кружка, в 1892 году, то есть за год до принятия нового устава Академии, когда женское профессиональное художественное образование было насущной проблемой, члены кружка основали «Санкт-Петербургское общество поощрения женского художественно-ремесленного труда»:

«В соответствии с уставом, утвержденным 3 сент. 1892, цель общества заключалась “а) в содействии усовершенствованию женского издельного труда в отношении вкуса, отчетливости исполнения, изящества и доброкачественности изделий; б) в увеличении прибыльности и производительности издельного труда; в) в приискании работницам занятий и указание им новых отраслей применения женского труда; г) в облегчении сбыта готовых изделий и в указании новых рынков сбыта; д) в оказании материального воспособления труженицам, впавшим в нужду”»[127].

Общество устраивало регулярные выставки-продажи работ нуждающихся художниц и прикладниц-ремесленниц, со временем обзаведясь даже собственным магазином, торжественно открытым на Невском проспекте 16 марта 1894 года. Помимо этого, в залах Общества поощрения художеств на Большой Морской обществом устраивалась ежегодная большая выставка-продажа, включавшая работы не только действительных членов, но и приглашенных профессиональных художниц. На ежегодной выставке можно было увидеть и купить живопись, графику, керамику, роспись по фарфору и дереву, золотое и серебряное шитье, а также кружева и выжигание.

Внутренняя организация общества была сходна с дамским кружком:

«Общество состояло из действительных членов, членов-сотрудников (мастериц) и членов-соревнователей (владельцев мастерских женских рукоделий, заведующих женскими профессиональными школами, художников, педагогов и благотворителей). Действительными членами и членами-сотрудниками общества могли быть только женщины (годовой членский взнос для них составлял соответственно 6 руб. и 3 руб.). К 1894 общество объединяло 160 членов»[128].

Кружок и общество во многом соприкасались с описанным нами ранее Обществом поощрения художеств, в котором женские классы существовали с самого основания. Образование женщин было одним из приоритетных направлений учебной программы общества, но созданные намеренно и целенаправленно женские художественно-благотворительные организации делали акцент не только на специальной помощи и содействии женщинам в получении образования и профессиональных навыков, но и на помощи с встраиванием в рынки сбыта художественно-ремесленной и прикладной продукции. То есть благотоврительные организации обращали внимание на те функции, которых не хватало в художественном сообществе по умолчанию.

Глава II

Елена Поленова

Имя Елены Поленовой тесно связано с зарождением русского модерна. При этом искусство ее было настолько разноплановым, что его смело можно назвать соединительной нитью двух важнейших для рубежа веков явлений: за свою длинную творческую жизнь она участвовала своими лирическими живописными и акварельными пейзажами в выставках ТПХВ, а фольклорными детскими иллюстрациями – в выставках «Мира искусства».

Помимо собственно таланта к искусству, Поленова обладала значительными околохудожественными дарованиями. Активная художественная жизнь этой эпохи включала в себя, кроме художества, разноплановую деятельность вокруг искусства, расширившую на рубеже веков само понятие художника. В этот список наравне с живописью органично вошла и публицистика, и художественная критика, и организация занятий и досуга, и исследовательская практика, и преподавание, и дизайн предметно-пространственной среды, и эксперименты в различных декоративно-прикладных областях, и организация выставок, музеев, и коллекционирование, и даже просто живое общение внутри собственной профессиональной среды.

Хочется еще раз не просто отметить важность этой профессиональной среды и горизонтальных отношений внутри нее, но и подчеркнуть, что именно формирование и наращивание этих горизонтальных связей между художниками также стало одной из ярчайших характеристик искусства эпохи модерна. И в формировании этой среды сыграла значительную роль Елена Поленова.

Художница Елена Дмитриевна Поленова (1850–1898) родилась в дворянской семье. «Мать ее сама много занималась живописью, – сообщает А. И. Сомов, – часто видалась с знаменитыми художниками того времени, Брюлловым и Бруни. Выйдя замуж за Дмитрия Васильевича Поленова, она, поощряемая мужем, продолжала свои занятия и сумела в детях своих возбудить любовь к искусству»[129].

Как и все дети семьи Поленовых, Елена Дмитриевна получила хорошее домашнее образование. Рисование детям преподавал художник Павел Петрович Чистяков, выпускник, пенсионер[130] и будущий академик Академии художеств. После занятий с ним Поленова в 1864 году поступила в школу при Обществе поощрения художеств и училась одновременно по классу керамики и акварели. Параллельно с этим Елена Поленова окончила Высшие женские курсы в Петербурге, получила профессию и звание домашней учительницы по истории.

В 1874 году в Киеве, проводя зиму в гостях у старшей сестры Веры Хрущовой, Поленова вместе с ней начала преподавать в детской школе, а вечерами посещала дополнительно медицинские курсы. Именно в это время художница знакомится с местным хирургом Алексеем Шкляревским. Сестра художницы, на глазах которой разворачивались романтические отношения, отнеслась к Шкляревскому со снисходительным недоверием и впоследствии настроила всю семью Поленовых против их возможного брака. Процесс решения вопроса женитьбы длился больше года и был болезненным для всех сторон.

По переписке семейства Поленовых можно понять, что основной причиной отказа в разрешении на брак дочери стало несоответствие статуса жениха статусу семьи невесты – не в материальном, а в социокультурном отношении. Родные, возможно, не без оснований опасались, что, переехав в Киев в семью мужа, где Шкляревский имел должность в Киевском университете Св. Владимира, Елена Дмитриевна утратит привычную культурную среду, куда входили многие выдающиеся фигуры эпохи[131]. Ее дядя Федор Васильевич Чижов писал ей: «Что там ни говори, а вступить в такую ежедневность жизни, в которой на каждом шагу встретишь не то, в чем выросла, это, при всей любви, невольно была бы внутренняя ссылка»[132]. Отказав жениху, родственники в попытках отвлечь Поленову от душевных мук увезли ее из Киева в Париж.

Сложные и напряженные выпускные экзамены в школе при Обществе поощрения художеств, как писала Поленова дяде, помогли ей отвлечься от личной трагедии. Школу художница окончила с двумя серебряными медалями за каждый класс. В качестве поощрения ее успехов по окончании школы ей была предложена пенсионерская командировка в Париж. 16 января 1880 года Елена Дмитриевна пишет брату Василию Поленову: «Какой скандал, Вася, меня посылают в командировку за границу от Общества поощрения. Я думаю, это первый пример в истории, по крайней мере русской, чтобы особа нашего бабьего сословия получала поручение и отправляема была в командировку с целью изучения и т. д.»[133] Там Поленова посещала частные керамические мастерские.

Вернувшись в Россию, Поленова некоторое время жила в Петербурге, однако в 1882 году переехала в Москву. В Москве на тот момент жил ее старший брат – художник, пенсионер Академии и преподаватель Московского училища живописи, ваяния и зодчества Василий Поленов с семьей. В Москве Елена Дмитриевна не только продолжила работать как живописец и график, но принимала участие в жизни художественного кружка, образовавшегося вокруг Поленова и состоявшего из его учеников: Сергея и Константина Коровиных, Александра Головина, Ильи Остроухова, Исаака Левитана, Леонида Пастернака, Валентина Серова, Марии Якунчиковой (Вебер). В этом кружке Поленова организовывала четверговые встречи, зачитывала доклады на разные темы.

В 1883 году увлеченная пейзажной акварелью Елена Поленова сблизилась с женой брата – Натальей Васильевной Поленовой (в девичестве Якунчиковой). Они стали близкими подругами и строили планы на совместную работу и учебу. Наталья Васильевна не оставила своего увлечения живописью и после замужества, но заботы о большой семье не позволяли ей посвящать искусству все свое свободное время.

Почти через год после переезда, оглядываясь на прожитое время, Елена Дмитриевна писала своей подруге Прасковье Дмитриевне Антиповой о том, что вначале искренне опасалась чрезмерного влияния авторитета брата на собственное искусство:

«То, чего я боялась, совсем было неосновательно. Василий совсем не имел на меня того подавляющего влияния в искусстве, как я боялась. Напротив, столкновение с ним и его друзьями-художниками отозвались положительно с пользою, и я теперь вижу, что в этот год я сделала шаг вперед»[134].

В том же 1882 году Поленова начала активно работать в усадьбе Абрамцево – имении мужа своей подруги Елизаветы Григорьевны Мамонтовой. Абрамцевский период творчества Елены Поленовой был невероятно продуктивным. С Елизаветой Мамонтовой и коллегами-художниками они начали коллекционировать предметы русской старины – прялки, вальки, пряничные доски, одежду, посуду, мебель, а позже стали организовывать экспедиции по окрестным деревням, не только собирая предметы быта, но и делая их зарисовки с натуры и записывая фольклор. Интерес к народной культуре был созвучен поискам популярного в то время английского направления «Искусства и ремесла»[135]. Впоследствии именно фольклорные сюжеты – русские сказки, услышанные в детстве и собранные в экспедициях, – стали сюжетами работ Поленовой и повлияли на формирование ее стиля. Собрав внушительную коллекцию декоративно-прикладного искусства, Мамонтова и Поленова создали в Абрамцеве музей русской старины[136].

В дополнение к музею подруги основали кустарные мастерские, чтобы обучать крестьян и их детей уникальным ремесленным техникам, основываясь на рисунках и чертежах самой Поленовой, в свою очередь отсылавших к историческим народным образцам. Таким образом, художница стала одной из первых дизайнеров предметно-пространственной среды в неорусском стиле. Именно этот интерес к ремесленной деятельности с социально-преобразовательными целями (помочь крестьянам обрести профессию и заработок) послужил примером для еще одной героини нашего повествования – Марии Клавдиевны Тенишевой.

В 1889 году в России выходит русскоязычное издание дневника Марии Башкирцевой, опубликованного фрагментами в переводе К. Плавинского[137]. Елена Поленова вместе со своей подругой Прасковьей Антиповой начала читать его в июне 1889-го, будучи в гостях в имении Нельшевка, о чем она сообщает в переписке своей подруге Елизавете Мамонтовой[138].

Осенью 1889 года Поленова отправляется на Всемирную выставку в Париж[139], о которой подробно рассказывает в своих письмах Елизавете Мамонтовой[140]. К тому моменту она более девяти лет не выезжала из России и с большим интересом описывала и само путешествие, и экспозицию, где (посмертно) были выставлены работы Башкирцевой и ее учителя Жюля Бастьен-Лепажа[141]. В письме от 23 сентября (5 октября) 1889 года Елена Дмитриевна сообщает Мамонтовой, оставшейся в Москве: «Вещи Башкирцевой бесспорно талантливы, но совсем недозрелые»[142]. Несмотря на сложившееся впечатление, по возвращении в Россию в 1891 году она начала работу над картиной «Новый товарищ»[143], навеянную творчеством младшей коллеги.

Основой картины послужили сюжеты городских зарисовок Марии Башкирцевой. Очевидно, встреча мальчишек у забора, изображенная Поленовой, была навеяна работами Башкирцевой «Встреча» (1884, Музей Орсэ, Париж) или «Жан и Жак» (1883, Библиотека Ньюберри, Чикаго). Елена Дмитриевна создавала ее, будучи в гостях в усадьбе Воейково, и в письмах характеризовала ее как сюжетную работу про двух мальчиков «местного колорита и содержания»:

«Огород, вдали усадьба виднеется, около плетня стоят два мальчика, приблизительно одного возраста, один приезжий барчук, другой босоногий туземец, они свели дружбу, барчук показывает тому городскую диковинку, а тот понес поливать грядки, поставил лейку и забыл свое дело в увлекательной беседе с приятелем»[144].

Как известно, впоследствии именно детская тема стала в творчестве Поленовой одной из ведущих.

Поленова Е. Сынко-Филипко. Иллюстрация (1). 1896–1897. Государственная Третьяковская галерея

В 1895 году Поленова работает над историческими полотнами для народно-исторических выставок, организуемых Товариществом московских художников[145] и принимает деятельное участие в их организации:

«Последнее время я бываю везде, где могу видеться с художниками для пропаганды наших народных выставок, потому что время идет, а оказывается, что половина сюжетов еще не разобрана. Пропаганда моя идет очень успешно: программу у меня просили Серов, Архипов, Виноградов, Вопилов, Бакшеев. Словом, я надеюсь, что удастся по крайней мере по русс[кой] ист[ории] пристроить, если не все, то все главные сюжеты»[146].

Поленова Е. Сынко-Филипко. Иллюстрация (2). 1896–1897. Государственная Третьяковская галерея

Сама Поленова, кажется, долгое время не осознавала свою значимость в художественной среде, как и тот факт, что главный нерв ее эпохи заключался в расширении самого понятия «художник» за счет работы в смежных с искусством областях – ремесленной и преподавательской деятельности. Поле деятельности художника в этот исторический период уже не ограничивалось традиционными жанрами искусства, но включало в себя проектирование среды и организацию выставок, коллекционирование и написание критических статей. Словом, все то, что раньше оставалось «за скобками» художественных практик и осуществлялось силами Академии или других институций, с появлением более независимых очагов художественной жизни стало естественной частью работы самих художников[147].

После хлопот, связанных с проведением народной исторической выставки 1895 года, Поленова пишет:

«Мне бы хотелось, главное, не потерять двух способностей – способности помогать, воодушевлять, служить опорой и толчком к работе другим художникам. Это свойство во мне есть положительно; оно для меня стало, что вода для рыбы, без этого мне трудно жить, для меня это не тягость, а наслаждение. Другая способность – это любить и верить, и увлекаться своей работой. Больше мне ничего не нужно. Конечно, оценка, поддержка, интерес других людей, особенно тех, мнением которых дорожишь, очень драгоценны, но неизмеримо важнее те силы, которые внутри живут и которые дают питание огню, горящему в душе. Лишь бы он не потухал»[148].

1897–1898 годы стали для Поленовой очень плодотворными: она работала над иллюстрациями к сказкам, эскизами к историческим полотнам. Осенью 1897 года она отправилась в путешествие по Европе, посетила Испанию и Францию, несколько месяцев проработала в Париже, сотрудничала с английским журналом The Artist, в котором публиковала свои иллюстрации. Помимо этого, она разработала интерьерный эскиз росписи для деревенской столовой своей подруги – Марии Федоровны Якунчиковой[149]. Возвратившись в конце лета 1898 года в Москву, после скоротечной болезни 7 ноября Елена Поленова умирает в возрасте 47 лет. К сожалению, на сегодняшний день мы не знаем ни одного атрибутированного автопортрета Елены Поленовой.

В 1900 году Россия участвует во Всемирной выставке в Париже[150] и впервые демонстрирует на ней себя во всей полноте. Русский павильон состоял из нескольких зданий, был расположен на склоне холма Трокадеро и представлял собой практически небольшую деревню. Центральный павильон был выстроен в неорусском стиле с отсылками к архитектуре Московского и Казанского кремля. Архитектором павильона был Роберт-Фридрих Мельцер[151], а художественным оформлением занимались Александр Головин и Константин Коровин. Коровин, кроме прочего, выступил автором архитектурных эскизов к комплексу павильонов кустарного отдела.

Среди русских художниц, участвовавших в выставке, можно выделить Марию Васильевну[152] и Марию Федоровну Якунчиковых, получивших медали выставки за свои работы. Мария Федоровна экспонировала на выставке вышивки абрамцевской артели в рамках кустарных павильонов. Мария Васильевна участвовала со своим лоскутным панно «Девочка и Леший» (1899, частное собрание), резной полочкой производства Абрамцевских мастерских по собственному дизайну, а также с панно «Иванушка-дурачок и Жар-птица»[153], выполненным по эскизам своей ближайшей подруги – Елены Поленовой, умершей незадолго до открытия выставки. Таким образом, работы Елены Дмитриевны заботами подруг и коллег приняли в выставке посмертное участие.

Якунчикова-Вебер М. Отражение интимного мира. 1894. Музей-заповедник В. Д. Поленова

Генеральным комиссаром русского отдела Всемирной выставки был назначен известный промышленник, предприниматель и меценат князь Вячеслав Николаевич Тенишев[154]. Во всех организационных делах ему помогала его вторая жена, княгиня Мария Клавдиевна Тенишева (1858−1928) – главная и известнейшая покровительница и меценатка русского модерна.

Мария Тенишева

Мария Клавдиевна Тенишева (1858–1928) была уникальной фигурой для своего времени, остро чувствовавшей и во многом предвосхитившей все важнейшие тенденции культуры и искусства первой половины ХХ века. Наиважнейшей задачей Тенишевой – художницы, общественной деятельницы, меценатки – было включение русского искусства в общеевропейский художественный процесс. Благодаря ее коллекционированию и просветительской деятельности возродился интерес к национальным художественным традициям, началось глубокое изучение истории и органичная художественная переработка этого опыта в новые художественные формы.

Значительное состояние, изысканный художественный вкус и обширная насмотренность позволяли княгине обращать внимание на передовые тенденции современной культуры и искусства – будь то работы женщин-художниц (в коллекции княгини были работы Елены Поленовой, Марии Якунчиковой-Вебер, Марии Бенуа-Шпак), поддержка передовых молодых художников-мирискусников или коллекционирование и музеефикация предметов русской старины.

Помимо этого, Тенишева особое внимание уделяла своему большому просветительскому проекту: под ее талантливым руководством активно развивались региональные системы призрения, многочисленные благотворительные заведения. Она открывала школы и училища близ собственных имений, организовывала клубы и столовые в заводских поселках князя Тенишева, строила ремесленные мастерские для крестьян, в которых создавались рабочие места и для женщин-крестьянок, что позволяло им иметь дополнительные источники заработка.

В своих обширных мемуарах[155] княгиня Мария Клавдиевна Тенишева (урожденная Пятковская) характеризует собственное становление начиная от ранних впечатлений детства и до эмиграции в Париж после революции 1905 года. Высказывания Тенишевой позволяют обратить внимание на специфические детали ее гендерной социализации, а также на важные особенности эпохи.

Одним из первых больших драматических событий, описанных в мемуарах Тенишевой, стало детское осознание факта своего незаконного рождения. На протяжении XIX века дети, рожденные вне брака, были значительно поражены в правах, и изменяться эта ситуация начала только после 1902 года[156]. В высшем свете, к которому принадлежало семейство Марии Пятковской, и сами незаконнорожденные дети, и их родители часто подвергались не столько реальному общественному остракизму, сколько демонстративно прохладному отношению. Такими воспоминаниями из детства делится и княгиня:

«Что это за секреты, в которых принимали участие “благородные старухи”, что за тайны? Когда я была однажды в Уделах на заутрене с госпожой Тучковой, до меня долетели слова: “…” (в обществе сплетничают всегда по-французски), и все стали глядеть на меня. Мне почему-то сделалось неловко от этих взглядов. Что было скрытого, недосказанного в словах Тучковой? Что означают эти оттенки в обращении со мной? Почему до секретничанья люди приветливы, просты – потом относятся пренебрежительно, не узнают при встречах, будто не видят? Как бы отстранить то, что разделяет меня с ними? Искупить вину, если она есть?… Побороть неприступность этих людей, завоевать свое равноправие… Спросить не у кого. Надо самой додуматься. И вдруг я сразу поняла… Прозрела… Именно после заутрени. Мое рождение – в этом вся загадка. Тут же вспоминалась мне Тата и ее откровение. Кроме Таты, никто с тех пор об этом со мной не говорил. Я же почти забыла тот разговор. Может быть, “это” что-нибудь очень нехорошее? Что это: вина или преступление? Что же я сделала?»[157]

Отношения Марии с матерью также нельзя было назвать теплыми. Свою мать будущая княгиня описывает как деспотичную, холодную, не склонную к ласке и состраданию женщину, мало времени уделявшую ребенку. Хотя, судя по записям героини, главой их семьи была именно мать, а отчим Мориц фон Дезен был симпатичный, умный, образованный человек, дома не имевший никакого значения: «Впрочем, он об этом нисколько не тужил и жил своею жизнью, имея много старых приятелей и хорошие связи»[158].

Брак Марии с первым мужем Рафаилом Николаевым ее мать устроила в 1876 году без ведома дочери с участием свахи:

«Мать была в восторге, что, не пошевельнув пальцем, ей удалось сбыть меня с рук. Где бы стала она меня вывозить? Да и стала бы? Потом я узнала, что “Юленька” по просьбе матери слепила эту свадьбу. Но в ту минуту я была даже благодарна ей, думая, что она из симпатии ко мне заинтересовалась моей судьбой»[159].

Очевидно, что наличие свадебного профессионала – свахи[160] – не совсем характерная деталь матримониального поведения столичной аристократии. Услугами свах чаще пользовались представители более низких сословий – мещане и крестьяне. Аристократия же чаще вывозила девушек на выданье в свет (на балы, вечера и приемы), где среди равных себе им подыскивалась подходящая партия. В силу незаконного происхождения эта возможность была закрыта для Марии, поскольку активная светская жизнь девицы на выданье могла бы спровоцировать новый виток обсуждения тех самых невербализируемых и неудобных для семьи вопросов. Более того, исходя из записей мы можем сделать вывод, что «моя мать никуда не выезжала. Она не любила равных себе. Жизнь ее проходила в стенах дома, где она была всегда окружена несколькими старухами разного типа. <…> Те же, у которых были пенсии, презирали приживалок, глядя на них свысока. А мать моя царила между ними и для потехи стравливала их друг с другом»[161].

Муж Марии, как довольно скоро выяснилось, оказался заядлым игроком, однако ни мать, ни другие родственники не были на стороне жены. Нарушение дочерью привычной гендерной нормы – требование решительного выхода из тяжелых отношений и попытка самостоятельно получить образование – вызвало в ее семье негодование. Драматизм ситуации состоял в том, что по законам XIX века жена была подчинена мужу даже в вопросах владения документами, и долгое время муж Марии Клавдиевны отказывался выдать ей разрешение на заграничный паспорт, без которого невозможно было покинуть страну.

Добившись своего, Мария Клавдиевна забрала дочь и уехала в Париж учиться пению: «Когда я заявила о своем намерении ехать за границу учиться петь, все ужаснулись. Конечно, последовал на все категорический отказ. Меня это не смутило. Несколько дней спустя, отправившись снова в Петербург, я призвала апраксинского маклака, и через час дело было сделано:

«Я продала ему часть своей городской обстановки за пять тысяч рублей. Дома не могли в себя прийти от этих “выходок”. Жизнь моя стала невыносимой. Ко мне за все придирались, по-прежнему угрожая, что лишат наследства»[162].

По возвращении Тенишеву ждал тяжелый развод[163], не менее драматичная вражда с мужем по поводу образования и опеки единственной дочери. Ее собственная дочь, против воли матери, была помещена в институт благородных девиц и после почти не поддерживала отношений с матерью.

Второй брак Марии Клавдиевны с князем Вячеславом Николаевичем Тенишевым сложился более удачно. Но в мемуарах, описывая свое замужество как эталонно прекрасный союз, Мария Клавдиевна не без горечи упоминает о том, как тяжело переживала несправедливое патерналистское отношение к ней мужа.

«Он ценил во мне только женщину, а не человека. Как и в первом своем замужестве, я мечтала о другом. Я хотела сделаться товарищем, сотрудником мужа, его помощницей, единомышленницей… Мне казалось, что я настолько сильна и благоразумна, что могла бы быть ему хорошим советником, и по выходе замуж с нетерпением ждала того момента, когда муж поймет, что я ему преданный товарищ и друг»[164].

Ценности Тенишевой, сформировавшиеся, по-видимому, еще в ранней юности, предполагали любовь, содружество, равенство и партнерство в браке. Первый муж – вследствие неопытности, молодости и пагубных наклонностей – так и не смог разглядеть ее личности, сблизиться с ней, понять. Второй же, несмотря на возраст, опыт и положение в обществе, относился к браку умеренно либерально. Тенишева не была полностью подчинена мужу, супруги жили параллельными жизнями на одной территории, и княгиня своим присутствием скорее помогала мужу подчеркнуть статус, богатство и иногда широту собственных взглядов:

«Давно я поняла, что, женившись на мне в возрасте сорока восьми лет, муж был человеком с уже сложившимся характером, вкусами и складом жизни. Он позволял себе много отступлений от прямых семейных обязанностей до нашей свадьбы, но, пресытившись неправильной жизнью, он захотел иметь в своем доме нарядную хозяйку, просто молодую, здоровую женщину, оставив за собой полную свободу действий во вкусах, порядке дня, продолжая такую же самостоятельную и независимую жизнь, как и раньше, и продолжал жить как бы на холостую ногу. Мои запросы к жизни, мои интересы, моя деятельность – не играли никакой роли в наших отношениях»[165].

«На мою страсть к искусству и коллекционерству он смотрел снисходительно, как на игрушку избалованного ребенка, – продолжает она, – и ко всем моим художественным затеям, устройству мастерских в городе и деревне он применял известную пословицу, перефразируя ее – “чем бы жена ни тешилась, лишь бы не блажила”. Под “блажью” он понимал кокетство и, вероятно, неверность»[166].

Княгиня начала собирать блестящую коллекцию рисунков и акварелей и пригласила в помощники начинающего художника и критика Александра Бенуа, впоследствии ставшего одним из редакторов журнала «Мир искусства»[167]. Со временем коллекция разрослась настолько, что обеспечить всем предметам надлежащее хранение становилось затруднительно. Акварели российских мастеров, составлявшие меньшую часть коллекции, были вскоре подарены княгиней по случаю открытия Музею Александра III (будущему Русскому музею)[168].

Для отбора, оформления и временного хранения работ Тенишевой была нанята специальная квартира, в шутку называвшаяся «конспиративной» и располагавшаяся по соседству с ее особняком. Коллекция княгини Тенишевой была поистине передовой – она включала в себя графику и акварели прославленных европейских мастеров начиная с эпохи Возрождения и заканчивая современниками: Жаном-Луи-Эрнестом Мейсонье (1815–1891) и Мариано Фортуни (1838–1874).

Русская часть коллекции, подаренная Русскому музею, состояла из работ таких мастеров, как Карл Брюллов, Иван Айвазовский, Орест Кипренский, Павел Федотов, Василий Перов, Илья Репин и, что особенно ценно в нашем случае, рисунков современных художниц. Среди них – акварели и силуэты Елизаветы Бём и ее близкой подруги художницы Александры Шнейдер[169] (периодически художницы работали в соавторстве), Елены Поленовой, Марии Якунчиковой-Вебер, рано умершей художницы Марии Шпак-Бенуа[170], Марии Фёдоровой[171], Анны Овандер[172], Ольги Семеновой-Тян-Шанской[173]. В коллекции Тенишевой также были работы Леона Бакста, Константина Сомова, Яна Ционглинского.

18 марта 1898 года произошла встреча Марии Тенишевой с Сергеем Дягилевым и Саввой Мамонтовым, именно тогда они решили основать журнал «Мир искусства». Роль этого издания в обновлении всей художественной жизни России рубежа веков сложно переоценить.

Тенишева субсидировала журнал с самого его основания совместно с Саввой Мамонтовым. Первые редакционные встречи часто проходили в непринужденной обстановке на квартире княгини:

«Дягилев был главным редактором, а за ним потянулась целая вереница его товарищей, сотрудников, в том числе и А. Бенуа. Мы все часто собирались на “конспиративной” квартире, рядом с нашим домом, и проводили там вечера, обсуждая разные вопросы относительно журнала, перебирая мои акварели для музея. Вместе с Дягилевым ко мне приблизились Серов, Головин, Коровин, маленький и бесталанный Нувель, родственник Дягилева Д. В. Философов, кроме того, бывали Левитан, Врубель, с которым я уже раньше была знакома, Бакст, Цорн и многие другие, чаявшие движения воды и желавшие попасть в журнал. “Конспиративная” квартира сделалась центром надежд и мечтаний о будущих благах. После деловых разговоров много пели, играли, шутили, смеялись»[174].

Наряду с акварелями Мария Тенишева собирала предметы русской старины. Один из первых частных музеев русской старины был открыт в 1885 году Елизаветой Мамонтовой в Абрамцеве, но музей Тенишевой значительно превзошел его по масштабам. Абрамцевский музей был скорее «домашним» – экспозиция поначалу располагалась в кабинете Саввы Мамонтова, а затем переехала в большую столовую их усадебного дома.

Мария Клавдиевна годами собирала для музея предметы быта Смоленской губернии, хранила их на чердаке в своем имении Талашкино вдали от посторонних глаз, поскольку князь не одобрял этого увлечения жены. Только после смерти мужа в 1903 году Тенишева, проведя ревизию коллекции, осознала, что для организации экспозиции ей понадобится целое здание, землю для которого ей подарила ближайшая подруга всей жизни – княгиня Екатерина Константиновна Святополк-Четвертинская:

«Выручила меня Киту, предложив мне построить музей на ее земле, на том месте, где когда-то стояла рисовальная школа. Я, конечно, с радостью согласилась. Таким образом, за Молоховскими воротами, по Рославльскому шоссе, рядом с маленьким домом, в котором мы всегда останавливались наездами в город, возник музей»[175]. Архитектором здания выступил художник Сергей Малютин, помощь в художественном оформлении фасадов оказывала сама княгиня и художник Виктор Васнецов[176].

Помимо музея в Смоленске, в любимом имении Талашкино, в котором после смерти мужа Тенишева жила вместе со Святополк-Четвертинской, были открыты ремесленные мастерские, продолжавшие абрамцевскую традицию: создание художественных предметов быта в неорусском стиле, основанных на своих исторических прототипах, но выполненных современными художниками. Руководителем мастерской стал Сергей Малютин. Княгиня писала:

«Русский стиль, как его до сих пор трактовали, был совершенно забыт. Все смотрели на него как на что-то устарелое, мертвое, неспособное возродиться и занять место в современном искусстве. Наши деды сидели на деревянных скамьях, спали на пуховиках, и конечно, эта обстановка уже перестала удовлетворять современников, но почему же нельзя было построить все наши кресла, диваны, ширмы и трюмо в русском духе, не копируя старины, а только вдохновляясь ею?»[177]

Предметы и эскизы вышивок, проектируемые Малютиным, воплощались в жизнь талантливыми мастерицами-крестьянками:

«Между ними были настоящие художницы, мастерицы, с врожденным вкусом, умением и фантазией, тонко видящие цвета и с полуслова понимающие, чего от них хотели. В конце концов, мы начали достигать удивительных результатов, и каждая особенно удавшаяся вещь, со сложным рисунком, богатая по краскам, чисто и тонко выполненная, составляла радость и гордость всей мастерской»[178].

После революции 1905 года Тенишева вместе со своей подругой Екатериной Константиновной Святополк-Четвертинской (Киту), совладелицей имения Талашкино, покинула Россию и поселилась в Париже. Там возникла идея показать коллекцию русской старины. В Париж привезли также изделия Талашкинских ремесленных мастерских, позже выставка повторилась в Праге[179]. После тенишевской выставки французскую столицу охватила волна моды «а-ля-рюс»:

«Год спустя [после выставки] я заметила на дамских туалетах явное влияние наших вышивок, наших русских платьев, сарафанов, рубах, головных уборов, зипунов, появилось даже название “блуз рюсс” и т. д. На ювелирном деле также отразилось наше русское творчество, что только порадовало меня и было мне наградой за все мои труды и затраты. Было ясно, что все виденное произвело сильное впечатление на французских художников и портных. На улице Комартен, где была наша выставка талашкинских изделий, перебывали не только любители, артисты и любопытные, но также фабриканты материй и вышивок, ищущие всюду каких-нибудь новых мыслей и узоров»[180].

Много помогая художникам в России и за границей, о судьбе и карьере современной ей художницы Тенишева высказывалась очень сочувственно:

«Надо сказать, что если трудна дорога каждого артиста, то для женщины-артистки она неизмеримо трудней. Говорю это не с точки зрения “квасного” феминизма – я феминисткой в этом узком смысле никогда не была, – но какая разница в отношениях к мужчине и женщине на одном и том же поприще!? Как глубоко несправедливо и оскорбительно это отношение к женщине-художнице, женщине-артистке… Чтобы женщине пробить себе дорогу, нужны или совершенно исключительные счастливые условия, или же ряд унижений, компромиссов со своей совестью, своим женским достоинством. Через что только не приходится проходить женщине, избравшей артистическую карьеру, хотя бы одаренной и крупным, выдающимся талантом? Как бы талантлива она ни была, всегда она будет позади посредственного художника, и всегда предпочтут дать заказ третьестепенному художнику, чем женщине с явным и ярким талантом: как-то неловко…<…> Женщина с гораздо большим талантом может выдвинуться только чудом или способами, ничего общего с искусством не имеющими, ей каждый шаг дается только с невероятными усилиями… И сколько из них погибает или бьется всю жизнь в нищете…»[181]

Возможно, именно поэтому, долгое время наблюдая снисходительное отношение к женщине в искусстве, Мария Клавдиевна предпочитала не воспринимать свои художественные увлечения всерьез, оставляя их в категории любительства.

И хотя на сегодняшний день мы не знаем ни одного автопортрета Тенишевой, дополнительным штрихом к более объемному образу княгини, который мы пытались выстроить в этой главе, может послужить ее рецепция собственных портретов кисти Репина и Серова. О многочисленных портретных сеансах для Репина Тенишева писала весьма подробно и не без курьезов:

«До смерти надоело мне позировать Репину. Писал он и рисовал меня чуть ли не шесть или семь раз, мучил без конца, а портреты выходили один хуже другого, и каждый раз из-за них у меня бывали неприятности с мужем: он их просто видеть не мог. Кроме того, наскучили мне репинские неискренность и льстивость, наскучила эта манера как-то хитренько подмазаться к заказу, причем он вначале всегда делал вид, что ему только вас и хочется написать: “Вот так… Как хорошо… Какая красивая поза…” Потом я сделалась «“богиней”, “Юноной”, а там, глядишь, приходится платить тысячи и тысячи, а с “богини” написан не образ, а грубая карикатура. В особенности за один портрет я очень рассердилась»[182].

О портрете Репина 1896 года, хранящемся ныне в Смоленском государственном музее-заповеднике, княгиня пишет:

«Затеял он как-то писать меня в черном домашнем платье, шерстяной юбке и шелковой кофточке, и к этому более чем скромному туалету он непременно захотел прилепить мне на шею пять рядов крупного жемчуга. Как я ни отговаривалась, ни противилась, он настоял на своем. В руках у меня была тетрадь романсов Чайковского. Так же как у Тарханова на портрете торчал дешевый пузатый графин со стаканом, представляющие атрибуты лектора, так и я была изображена с атрибутами певицы. Подобная иллюстрация указывает каждому без ошибки, к какому цеху принадлежит заказчик портрета. Но все бы это ничего – портрет выходил довольно удачный, свежий по краскам. Красноватый лоскут старинной материи на фоне хорошо гармонировал с цветом лица, платья и жемчуга, и, к счастью, обложка романсов Чайковского была едва выписана, и на ней не красовалось имя издателя и адрес. Но вот беда, работа портрета была как-то прервана по случаю моего отъезда, и в мое отсутствие Репин, убоявшись, вероятно, цветистого тона, намазал вместо него прочную штукатурную стену коричневого колера. Наверно, у него с последним мазком свалился камень с души, и он свободно вздохнул. Для такого мастера, как он, я считаю непростительным переписывать что-либо на портрете без натуры. Этого не сделает даже ученик. Потом портрет был мне любезно предоставлен взамен пяти тысяч рублей. И каждый мой новый портрет неизменно сопровождался неприятностями, но я опять и опять позировала по просьбе Репина, неутомимо споря с ним из-за позы и безбожной безвкусицы в выборе кресла, на которое я должна была опираться или сидеть»[183].

Как на самом деле воспринимать описанный выше портрет? У черного закрытого домашнего платья с пышными рукавами подробно прописан блеск материала, широкое, почти громоздкое жемчужное украшение также выводит наряд за рамки обыденного, домашнего. При этом героиня сидит близко к зрителю, с почти интимной дистанцией и вполоборота, чего парадный портрет не предполагает. Удивляет в этой работе ее неопределенность: домашний это портрет или парадный? Какие именно черты модели хотел передать художник, кроме очевидного интереса к музыке, выраженного в нотной тетради в руке героини?

Репин И. Потрет М. К. Тенишевой. 1896. Смоленский государственный музей-заповедник

В другом портрете княгини кисти Репина, который намного ближе к жанру парадного, выполненном в том же году и находящемся в собрании Музея-квартиры Исаака Бродского, Тенишева изображена в профиль и в полный рост. На ней открытое декольтированное платье голубого цвета с золотым шитьем и широким поясом, огромная изумрудная брошь на груди. Мощное освещение идет из правого верхнего угла как будто от современных электрических софитов. При этом один из рукавов роскошного открытого платья небрежно сползает с плеча, будто у дамы полусвета. В своей величественной позе героиня, как бы небрежно сбросившая горностаевую мантию, опирается все на тот же реквизитный стул, изображенный на первом из описанных портретов. Не насмешка ли это художника над героиней? Неудивительно, что репинские портреты ни княгиня, ни ее близкие не жаловали.

Своим любимым портретом Тенишева считала тот, что был выполнен Валентином Серовым в 1898 году (ныне в собрании Смоленского государственного музея-заповедника):

«В то время как еще только зарождался “Мир искусства”, я позировала Серову для портрета масляными красками. Серов понял мой характер, придал мне непринужденную позу, очень мне свойственную, и казалось, удача будет полная. Однажды во время сеанса влетел Дягилев и с места в карьер напал на Серова, стал смеяться, что тот пишет даму в декольте при дневном освещении. Это было до того неожиданно и с первого взгляда так смело, что Серов смутился и, поддавшись его влиянию, тут же зажег электрическую лампу с желтым абажуром. Эта перемена освещения дала мне желтый рефлекс на лице и совершенно убила удачный колорит портрета. Но, несмотря на желтизну лица, мне все-таки очень нравился этот портрет, и, когда он был готов, я повесила его в кабинете мужа в его отсутствие. Вернувшись и увидав его, муж пришел в такое негодование, что приказал вынести его вон и сделал мне снова самую тяжелую сцену, говоря, что предпочитает видеть на своих стенах олеографии, нежели такие карикатуры»[184].

Серов В. Портрет М. К. Тенишевой. 1898. Смоленский государственный музей-заповедник

По общему впечатлению портрет Тенишевой выделяется из ряда серовских портретов русских аристократок, таких как портрет княгини Ольги Орловой (1911, Государственный Русский музей) или княгини Зинаиды Юсуповой (1902, Государственный Русский музей). Эти работы являют собой портрет – «архетип цельного аристократического женского образа»[185]. В них модель и ее предметно-пространственное окружение – интерьер, детали туалета, украшения – складываются в цельную композицию и создают образ утонченной и рафинированной аристократической красоты. В портрете Тенишевой Серов сосредоточивается исключительно на портретно-психологической характеристике героини. Интерьер прописан весьма условно в темно-коричневых тонах, тогда как фигура и лицо, контрастным пятном выделяющееся на фоне, а также черное открытое платье с кружевным лифом и прозрачными рукавами – подробно. На портрете Серова перед нами предстает цветущая, уверенная в себе зрелая женщина почти без украшений (мы можем разглядеть только небольшой рубиновый набор – серьги и кольцо), отдыхающая в собственном доме. Протянув руку, чтобы приласкать любимую собаку, она как бы на мгновение остановила взгляд на художнике. Кажется, именно такой себя хотела видеть сама княгиня Тенишева. Такой она и хотела быть: не блестящей, светской и аристократической, но сдержанной, непринужденной, спокойной, наделенной скромностью в рамках своего положения в обществе и обладающей немного замкнутым характером.

Возможно, именно эта скромность, граничащая с застенчивостью, не позволяла княгине всерьез говорить о собственных занятиях искусством: о пении, которое когда-то сулило ей настоящую славу, о многочисленных акварельных этюдах и живописных портретах близких, о театральных костюмах, собственноручно спроектированных для талашкинских и парижских постановок[186]. Обо всем этом Тенишева высказывалась как о вещах, не заслуживающих внимания:

«Меня не тянуло выставлять и добиваться имени как портретистки – к тому же меня никогда не удовлетворяло то, что я делала. Взявшись за эмаль, я ревниво пряталась от всех и не признавалась никому»[187].

Найдя объект своей настоящей страсти – художественную эмаль, княгиня посвятила себя ей без остатка и добилась настоящих высот в этом искусстве. Только в эмиграции в Париже, отойдя от благотворительных проектов, отнимавших огромное количество сил и времени, она выстроила при собственном доме полноценно оснащенную для этих занятий мастерскую.

В эмальерном искусстве княгиня добилась серьезных успехов, которые высоко оценил главный парижский ювелир эпохи Рене Лалик[188]. В 1916 году в Московском археологическом институте Тенишева защитила докторскую диссертацию на тему «Эмаль и инкрустация», в которой не только раскрыла технические стороны современной эмали, но и описала историческое происхождение некоторых специфических техник и атрибутировала так называемую римскую эмаль[189].

Уехав из России после революции 1905 года, Тенишева со Святополк-Четвертинской снова вернулись в Россию спустя три года. Основное время подруги жили в имении Талашкино, а зиму 1915–1916 годов провели в Москве. Весной 1919 года Тенишева уехала из России навсегда. Умерла княгиня в западном пригороде Парижа Сен-Клу в 1928 году.

Софья Кувшинникова

Художница-пейзажистка Софья Петровна Кувшинникова (1847–1907)[190] значительно более известна как представительница московской богемы последней трети XIX века, вошедшая в историю искусства скорее как прототип героини чеховского рассказа «Попрыгунья»[191].

Переключение фокуса внимания с ее творчества на ее образ жизни весьма любопытно. Этот фокус подсвечивает патриархальную оптику рубежа веков: во-первых, нарушение общественных устоев женщиной порицается в обществе значительно строже, чем мужчиной. Оттого чеховский герой художник Рябовский (как и его реальный прототип Исаак Левитан) не подвергается осуждению за то, что вступает в отношения с замужней женщиной. Главной героиней произведения, главным отрицательным персонажем и собственно носительницей имени нарицательного «попрыгунья» становится именно женщина. То есть ответственность за отношения общественное мнение перекладывает на нее.

Во-вторых, сам фокус внимания Чехова на героине, личность которой выражается через отношения с мужчинами, а не через отношение к профессии, например, подчеркивает традиционные взгляды даже самой просвещенной части российского общества на женскую социальную роль.

Таким образом, Софья Кувшинникова – единственная в нашей книге женщина-художница, которая вела в императорской России по-настоящему богемный образ жизни и открыто нарушала общественную норму, не своими работами, но поведением.

Кувшинникова родилась в семье крупного чиновника П. Н. Сафонова. Получила домашнее образование, характерное для ее сословия: в него входили чтение, музыка, но неожиданно добавилась охота, так как отец был заядлым охотником. Впоследствии она вышла замуж за товарища отца, одного из натурщиков и героев картины Василия Перова «Охотники на привале» (1871, Государственная Третьяковская галерея), полицейского врача Дмитрия Павловича Кувшинникова.

Первые живописные опыты Кувшинниковой относятся к 1886 году, когда она была зрелой замужней женщиной. С 1888 года она начала регулярно представлять свои работы на ежегодных выставках Московского общества любителей художеств. На первой же ее дебютной выставке один из ее этюдов «Внутренность древней церкви в Плёсе» (1888, Государственная Третьяковская галерея) был куплен Павлом Михайловичем Третьяковым.

Близкими друзьями семьи Кувшинниковых были художники-передвижники, мастера жанровой картины и критического реализма: Василий Перов, Илья Репин, Василий Суриков. Сама Кувшинникова как живописец более тяготела к пейзажу, наименее социально ориентированному, наименее повествовательному или назидательному жанру, и навсегда осталась лирической пейзажисткой. Она рассуждала о своей живописи не в передвижнических, а скорее в модернистских категориях, говоря об осознанном отвержении сюжетности, фигуративности и нарратива. Наоборот, ближе всего ей было созерцательное, почти импрессионистское постижение самого пейзажного материала, природы:

«Жаль печальных критиков, которые на выставках только и обращают вниманье на людские фигуры и часто бессодержательные жанры, а о пейзаже в своих заметках иронически говорят: “Небеса голубые, небеса серые, березки, первый снег, последний снег – все это скучно, скучно!” Бедные люди! А между тем, все это так вечно, так мощно, что переживет всех нас! Какой-нибудь владелец крохотного кусочка земли любит свой жалкий лесок, свой садик, уверяет, что у него “чудный вид”. И сколько бы лет он ни смотрел на этот вид, он его любит, любит и это деревце и этот пруд, то озаренный ярким солнцем, то облитый тихим светом луны…»[192]

В квартире Кувшинниковых в Малом Трехсвятительском переулке в Москве по средам собирался салон, в котором встречалась богемная публика: актеры Наталья Ермолова, Александр Ленский, Александр Южин-Сумбатов, литераторы Антон и Михаил Чеховы, Татьяна Щепкина-Куперник, Сергей Глаголь (Голоушев), художники Исаак Левитан, Василий Перов, Илья Репин (во время приездов в Москву), Федор Рерберг, Антонина Ржевская[193], Алексей Степанов.

В 1886 году – по разным версиям, это сделали либо братья Чеховы, либо друг семьи, художник Алексей Степанов – в салон Кувшинниковых пригласили художника Исаака Левитана. Кувшинникова начала брать у него уроки живописи и, довольно скоро сблизившись с ним, стала его любовницей, оставаясь при этом в законном браке со своим супругом. Однако привычные журфиксы – приемные среды Кувшинниковых – продолжались одновременно в обществе мужа, Левитана и гостей.

Вместе с Левитаном и Степановым Кувшинникова несколько лет подряд выезжала на летние этюды, совершив среди прочего большое путешествие по Оке и Волге в 1888 году, и подолгу жила в Плёсе, возвращаясь сюда неоднократно. Целое лето художники проводили в экспедициях: они селились в крестьянских избах, работали на пленэре и охотились.

Отношения Кувшинниковой и Левитана длились восемь лет, при этом Кувшинникова продолжала оставаться замужней женщиной. Антон Павлович Чехов описал эти отношения в рассказе «Попрыгунья», выведя Кувшинникову в образе главной героини произведения Ольги Ивановны Дымовой.

По сюжету чеховского рассказа Ольга Ивановна Дымова – поверхностная, склонная к богемному образу жизни женщина. Она немного занимается живописью, немного музыкой. Она неглубокая, но небесталанная, увлечена лишь общением (курсив мой. – О. А.) с творческими и знаменитыми людьми. Она замужем за тихим и трудолюбивым доктором с блестящими научными перспективами:

«Она пела, играла на рояли, писала красками, лепила, участвовала в любительских спектаклях, но все это не как-нибудь, а с талантом; делала ли она фонарики для иллюминации, рядилась ли, завязывала ли кому галстук – все у нее выходило необыкновенно художественно, грациозно и мило. Но ни в чем ее талантливость не сказывалась так ярко, как в ее уменье быстро знакомиться и коротко сходиться с знаменитыми людьми. Стоило кому-нибудь прославиться хоть немножко и заставить о себе говорить, как она уж знакомилась с ним, в тот же день дружилась и приглашала к себе. Всякое новое знакомство было для нее сущим праздником»[194].

Именно этот неослабевающий фокус на «артистическом» общении взамен усердной, регулярной и самоотверженной творческой работы, судя по фабуле рассказа, беспокоил Чехова в этом обществе (и в самой Кувшинниковой) больше всего.

Левитан, выведенный в рассказе в образе художника Рябовского, долгое время был близким другом Чехова; возможно, поэтому автор и описал своего героя более сострадательно, закрывая глаза на многие его недостатки. Рябовский в рассказе – однозначно талантливый и даже гениальный, переменчивый в настроении, но усердный в работе. Он быстро устает и склонен к меланхолии. По сюжету рассказа Рябовский соблазняет молодую ученицу.

Публикация чеховского рассказа вызвала настоящий скандал, и Левитан, будучи человеком импульсивным, даже собирался вызвать друга на дуэль. Усилиями общих знакомых дуэли удалось избежать, однако отношения с Кувшинниковой дали трещину. После расставания с Левитаном художница продолжала работать, собирать у себя журфиксы и выставляться на выставках.

Единственный атрибутированный автопортрет Софьи Кувшинниковой (коллекция Дома-музея А. П. Чехова, точная дата написания не известна) передает ощущение собственной профессиональной неуверенности, дилетантизма. Считавшая себя приверженкой пейзажа, Кувшинникова пишет себя в обрамлении гербария из летних трав и цветов, будто стилизуя автопортрет под страницу из девического дневника с личными фотографиями, вырезками из книг или газет, записками, засушенными травами. Своим небольшим размером эта работа напоминает журнальную страницу. Художница отводит собственному лицу не более 1/10 пространства, уводя его в правый нижний угол, сосредоточивая значительно больше внимания на изображениях полыни, васильков, рябины, папоротников, конского щавеля, пижмы и ромашек, выписанных с ботанической точностью.

Кувшинникова С. Автопортрет. Год неизвестен. Музей В. И. Даля

Манера изображения себя на этом автопортрете усиливает впечатление образа Кувшинниковой как наивной любительницы. Художница, которой на момент написания автопортрета было никак не менее 32 лет, изображает себя юной девушкой, кокетливо повернувшейся к зрителю вполоборота. Кудри словно ветром растрепаны вокруг лица, плечи оголились из-под красного платья, и Кувшинникова, похоже, в этом автопортрете любуется сама собой. В отличие, например, от автопортрета Башкирцевой или Сухово-Кобылиной, мы не видим здесь атрибутов художницы-профессионала: ни палитры, ни кистей, ни рабочего платья-халата, ни попытки запечатлеть себя в момент жизненного триумфа. Предположим интимный характер этого автопортрета, который предназначался другу сердца, любовнику и главное, учителю – Исааку Левитану в подарок от вечной ученицы.

Решение автопортрета, однако, и сегодня воспринимается как очень смелое и новаторское: Кувшинникова смещает изображаемое от центра в нижний правый угол, оставив левый верхний край полотна темным. Себя же она изображает в наивном, сниженном жанре (будто девушки-институтки в дружеских альбомах), что для замужней женщины было нехарактерно и провокационно.

Всю жизнь Софья Кувшинникова считала себя «талантливой дилетанткой». Но несмотря на постоянно упоминаемое в автобиографических записках дилетантское самоощущение, она практически ежегодно начиная с 1888 года выставляла свои работы на выставках Московского общества любителей художеств (на которых, к слову, выставлялся одновременно и ее учитель Левитан), а также участвовала в Передвижной выставке в 1904 году.

После смерти мужа художница жила скромно, если не сказать бедно, так как далеко не на каждой выставке удавалось продавать работы. Она умерла осенью 1907 года.

Анна Остроумова-Лебедева

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871–1955) оказалась среди первых женщин, поступивших в Академию художеств, что она и зафиксировала в автонарративе наряду с другими любопытными фактами своего творческого пути. Она участвовала в передовых движениях эпохи модерна и была номинирована на статус академика в новую, советскую эпоху.

Сохранившая навсегда уважение к статусу и престижу, к самим основам академического образования, Остроумова-Лебедева не воспринимала всерьез новые поколения авангардистов ХХ века, навсегда оставшись художницей, воплотившей собой типаж серьезного, углубленного в свои собственные художественные задачи профессионала.

В качестве излюбленной техники Остроумова-Лебедева выбрала гравюру – взамен живописи, стоявшей во главе художественной иерархии. Работы художницы, несмотря на бурный период формальных поисков и стилевых влияний, навсегда остались в русле фигуративного искусства и реализма.

Остроумова-Лебедева стала одной из первых женщин – выпускниц русской Академии Художеств и первой женщиной – участницей «Мира искусства», объединения, которое так горячо поддерживала Мария Клавдиевна Тенишева. О своей жизни и творческом пути Анна Петровна оставила три тома воспоминаний[195].

Сегодняшний исследователь может обнаружить в этом сочинении массу штампов классического канона автобиографии «великого художника», какие оставили, например, учитель Остроумовой Илья Репин[196] или Исаак Бродский[197]. Одновременно с этим в ее воспоминаниях мы встречаем цитаты из дневников и личной переписки взрослеющей девушки и начинающей художницы, и эта фиксация гендерного измерения повседневности невероятно ценна.

Анна Петровна Остроумова родилась в 1871 году в семье сенатора и тайного советника Петра Ивановича Остроумова, двойную фамилию она возьмет лишь в 1905 году, выйдя замуж за химика С. В. Лебедева. Несмотря на прекрасное домашнее образование и родительское внимание к талантам дочери, Остроумова вспоминала, как перед поступлением в Академию ее мать, будучи женщиной строгого воспитания, заявляла, что рисование обнаженной натуры неприемлемо для молодой девушки из приличного общества:

«Все чаще стала я думать об Академии. <…> Родители были против, особенно мама. Ее смущала мысль, что я буду рисовать “голых мужиков”»[198].

Отучившись в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица под руководством Василия Матэ[199], в 1892 году Остроумова поступила в Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств. Женщин в Академию начали принимать еще годом ранее[200], однако их право на равное с мужчинами образование было закреплено в новом уставе Академии от 1893 года[201]. В своих воспоминаниях Остроумова приводит имена сокурсниц, учившихся вместе с ней (некоторые поступили в Академию позже нее):

«Если не ошибаюсь, нас было восемь человек: Делла-Вос, Чаплинская, Ландезен, Брунс, Тхоржевская, Бланская, Мельникова-Печерская и я. Вольнослушательницами – Шретер и Давиденко. Из предыдущего курса я помню Мартынову, Клокачеву, Федорову и Савич»[202].

Общей проблемой для женщин-художниц рубежа веков стала проблема отсутствия приватного пространства. Дневниковые записи Остроумовой-Лебедевой в этом отношении чем-то сходны с эссе Вирджинии Вулф «Своя комната»[203]:

«Не было угла, где я могла бы спокойно поработать. Я располагала небольшой комнатой, но такой установился обычай, что, когда приезжал к нам гостить дядя Коля на несколько месяцев, я уступала ему свою комнату и переселялась в комнату Сони, всю заставленную цветами и всякими нужными и ненужными вещами. Я теряла возможность работать»[204].

Об этой же проблеме в своей переписке и дневниках упоминали и другие художницы – Мария Башкирцева, Мария Якунчикова, Елена Поленова. Вероятно, это было действительно широко распространено, что начинающая художница должна была «доказывать» семье важность собственной работы, ценность собственных произведений[205], необходимость в специально оборудованном рабочем месте.

При этом в родительской семье Анны Петровны были распространены представления о том, что женский труд может быть только любительским:

«В то время я решила, что мне надо своим искусством зарабатывать деньги. Здесь я встретила неодобрение моей семьи, моего отца, который сам себе противоречил. Старалась им представить доводы, что, если бы я была мужчиной, да еще семейным, им не казалось бы странным, что я продаю свои гравюры, чтобы прокормить семью. Почему же я не могу этого делать? Доказывала им, что всякий человек за свой труд, за свое знание имеет право на плату, что нет ничего неловкого брать за это деньги. Если мне стыдно это делать, то это ложный стыд и мне надо его преодолеть. Отец сконфуженно улыбался и говорил: “Ну, Ася, не надо, не бери денег”. Но я думала: “Ведь мое искусство приобретает какой-то любительский характер. Барышня от нечего делать занялась каким-то дамским рукоделием и раздает свою продукцию”. Утешала себя мыслью, что первые шаги всегда трудны. Людей посторонних (близкие не интересовались моими гравюрами) надо было приучать платить за них»[206].

Линда Нохлин пишет о «любительстве» многих художниц как о проблеме, особенно острой для XIX века. Бытовала порочная практика восприятия женских занятий творчеством как исключительно «аматерских», осуждаемых профессиональными художниками и профессиональным сообществом. Благодаря запискам художницы рубежа веков мы знаем, что эта практика зародилась в дворянской среде, где женщина обеспечивалась семьей или мужем, а продавать продукт собственного труда означало «продавать себя»[207].

Интересно, что Остроумовой-Лебедевой в процитированном диалоге приходится прибегать к аргументам не из позиции равного, а в духе «если-бы-я-была-мужчиной». На что она получает снисходительный ответ от отца, игнорирующего ее доводы. Напряженное, но почтительное противостояние такой «заботе» со стороны семьи находит отражение в одном из ранних автопортретов художницы (1894 г.), на котором Анна Остроумова изобразила себя студенткой Академии, переведенной в «головной класс»[208].

Учась в Академии по классу живописи, Остроумова работала очень много, но, по своему собственному мнению, – безуспешно, от напряжения она очень похудела и была сильно истощена: «Мама огорчалась моим похудевшим, утомленным видом. Всякими способами старалась удержать меня дома, находя, что я работаю не по силам. Просила, умоляла. Я с ней соглашалась, ей сочувствовала, когда она плакала – я тоже, но все-таки через несколько минут уносила (на всякий случай) вниз свою шубу и калоши к швейцару и при благоприятном моменте тихонько исчезала из дому… в академию. Братья, видя огорчение мамы, бранили меня, уговаривали вообще бросить работу, говоря, что если б я была одарена, то мне не приходилось бы так много тратить сил. “Ты просто бездарна!” – говорили они»[209].

Оказавшись, несмотря на все свои усилия, перемещенной в «головной класс», художница рисует ироничный «головной» автопортрет (1894, Государственный Русский музей). Близкий ракурс, коричнево-зеленый контрастный колорит, поворот плеч и лица в три четверти, сосредоточенное, всматривающееся в самое себя выражение глаз, ироничная, как бы немного с вызовом полуулыбка, немного осунувшееся лицо с впалыми щеками, темное рабочее платье без подробностей и деталей и невнятное окно на заднем плане. В работе нет никаких атрибутов профессии, и работа считывается скорее как штудия, выполненная с самой доступной и податливой модели – самой себя.

Однако для нас это ценнейший материал – почти случайная, без особого повода фиксация возраста, времени, состояния, скорее не характерная для автопортретного творчества рубежа веков, особенно на фоне проанализированных нами работ. Об этом автопортрете Остроумова-Лебедева не упоминала в своих «Автобиографических записках», очевидно, не считая его выдающимся или заслуживающим внимания. Сегодня мы можем увидеть в нем, во-первых, начало интереса молодой художницы к импрессионизму: оно прослеживается в широком этюдном мазке, условном изображении фона и платья. Во-вторых, молодую красивую девушку, очень увлеченную самой собой: собственным внутренним миром, работой, будущим, жаждущей победы не только над «головами», но и над предвзятостью и черствостью собственной семьи. В-третьих, для нас это женский автопортрет нового типа – автопортрет-состояние.

В 1905 году Анна Остроумова обручается с химиком Сергеем Васильевичем Лебедевым. Их брак можно назвать партнерским: сама Анна Петровна в мемуарах неоднократно описывала то уважение, внимание и восхищение, которое супруг активно проявлял к ее работе и образу жизни. Партнерство это продлилось 29 лет, вплоть до смерти Сергея Васильевича. Примечательно, однако, что дети являются своеобразной фигурой умолчания в автобиографическом нарративе Остроумовой-Лебедевой. При этом пара периодически заводила собак – гравюры художницы с их изображением публиковались как иллюстрации к изданиям «Автобиографических записок». Таким образом, Остроумовой-Лебедевой удалось избежать перерывов в профессиональной карьере, связанных с уходом за детьми.

Персональный стиль Остроумовой-Лебедевой складывался непросто. Искусство ее испытало влияние разных школ. Она довольно быстро и абсолютно сознательно начала избавляться от ученического академизма первых преподавателей в школе Штиглица. Позже, уже в Академии, испытала на себе влияние позднего передвижнического реализма Репина.

Остроумова-Лебедева А. Персей и Андромеда. Нач. ХХ века. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

Репин нарочно выбирал грубую фактуру – от натурщиков в его мастерской до сюжетов работ, заданных для самостоятельного выполнения. Огромной смелостью для студентки Остроумовой было порвать с главным тогдашним авторитетом Репиным, покинув его мастерскую. В дальнейшем их личный конфликт осложнился тем, что Анна Петровна активно участвовала в работе объединения «Мир искусств». Ранние работы Остроумовой в живописи и акварели ей самой оценивались как весьма посредственные, и она много писала о неудовлетворенности ими. При этом работы коллег по цеху – К. А. Сомова, Ф. А. Малявина и других – восхищали ее безмерно, она могла подолгу рассуждать о каждой новой вещи и обсуждать их в кругу друзей.

Только в Парижской мастерской Джеймса Уистлера, в которой она проработала с 1898 по 1899 год, Остроумова наконец почувствовала, что нащупала свой персональный живописный стиль. В это же время она сблизилась с Сомовым и Бенуа, прониклась музейными собраниями Парижа, открыла для себя гравюрный отдел Лувра. Глубокое погружение в историю европейской гравюры, в разнообразие техник и приемов навсегда изменило творческую судьбу художницы.

По возвращении в Россию она окончательно выходит из мастерской Репина и начинает заниматься в граверной мастерской Василия Матэ при Академии художеств. Гравюрный стиль Остроумовой сформировался быстро и легко: уверенность и краткость линий, отсечение лишних деталей, поэтический и возвышенный настрой.

Как пишет сама художница, на ее становление как гравера значительное влияние оказали цветные офорты Марии Якунчиковой-Вебер, выполненные в Париже:

«Как-то в редакции Дягилева мне попался красочный офорт Якунчиковой – пейзаж. Я им очень любовалась и под его впечатлением сделала гравюры “Дорожки” и “Долинка”»[210].

Идею модерна[211] художница воплощала не только в подвижническом возрождении тиражного искусства, но и в развитии новых национальных черт. Город Петербург становится в ее работах главным героем и воплощением живой истории России как европейской страны. Петербургский пейзаж у художницы обладает удивительной способностью передавать настроения, предчувствия, тревоги, радости и смятения, практически всегда эти пейзажи безлюдны, величественны, спокойны и мажорны.

Многолетняя разработка одних и тех же городских видов выявляет эволюцию стиля, все более тяготеющего к условности с годами. Люди, изредка появляющиеся в ранних гравюрах еще как человеческие типажи (в этом чувствуется влияние Репинской школы), в более позднем творчестве заменяются изображениями парковых и городских статуй, а со временем вообще превращаются в стаффаж. В гравюрах этого периода природа одухотворяется, в этом чувствуется увлечение художников модерна символизмом и японским искусством. Работы «Луна» (1900) и «Зима» (1900) – яркие примеры символистской линии раннего творчества. Более поздние гравюры одухотворяют уже саму архитектуру: архитектура как природа городского жителя в работах Остроумовой-Лебедевой также дышит, волнуется, торжествует, безмолвствует и живет.

Остроумова-Лебедева А. Почтовый лист с видом Петербурга. 1912. Государственный Эрмитаж

Остроумова-Лебедева А. Почтовый лист с видом на «Новую Голландию» в Петербурге зимой. 1912. Государственный Эрмитаж

Остроумова-Лебедева А. Почтовый лист с видом на стрелку Васильевского острова в Петербурге. 1912. Государственный Эрмитаж

Свой знаковый автопортрет (ныне в собрании Государственного Русского музея) Остроумова-Лебедева выполнила в 1940 году. В 1934 году умер ее любимый муж – Сергей Васильевич Лебедев, с тех пор она пребывала в тяжелом, подавленном состоянии. Большую часть своего времени художница посвящала сохранению памяти о Сергее Васильевиче – изданию сборника его научных трудов, работе над бюстом мужа для мемориала в его лаборатории. В 1940 году во время войны СССР с Финляндией (она жила в Петербурге, буквально на границе боевых действий) Остроумова-Лебедева начала разбирать собственные архивы, систематизировать их. Передав на хранение в Русский музей даже самые ценные собственные доски, записала в дневнике: «А надо здорово перед смертью почистить папки и выбросить нестоящий хлам»[212].

Но жизненные силы вернулись к художнице благодаря предложению Русского музея организовать ретроспективную выставку. Именно для нее был написан интересующий нас автопортрет. Он действительно обозначает новый рубеж жизни Анны Остроумовой-Лебедевой. Подробная запись о работе над автопортретом содержится в третьем томе автобиографических записок:

«Решила сделать его во весь размер листа ватмана. Наметила лицо и фигуру в натуральную величину. В одной руке я держу кисть, в другой – акварельный ящик. Сразу начала набрасывать рисунок кистью легким нейтральным тоном, не прибегая к карандашу. Начала работать с большим увлечением, но сразу увидела безрассудство затевать такую большую акварель. Размер настолько был велик, что доску положить в нормальное для акварели положение – с легким наклоном – нельзя. И рука при этом не достает до верха, и рисунок получается в сильном ракурсе. Пришлось доску с бумагой поставить почти вертикально, другого выхода не было, и здесь получилась непредвиденная беда: нельзя работать большими мазками, большими планами. Мазки сразу превращаются в струи окрашенной воды, которые стремительно стекают вниз. Это настоящее бедствие. Приходилось работать мелкими мазками (как я говорю, “тяпать”) и полусухой кистью, чтобы вода не скоплялась внизу каждого мазка. По моим понятиям, такая трактовка натуры была мало художественна и выразительна, но, несмотря на все, я работала с большим увлечением и подъемом. К моему сожалению, условия этой работы предопределяли заранее прием и технику, которые были не в моем характере. Чтобы несколько освежить живопись портрета, я в некоторых местах, особенно в складках одежды, тронула пастелью. В конце концов портрет вышел похож и неплохо сделан…»[213]

Что же может увидеть зритель на этом позднем автопортрете уже состоявшейся и известной художницы Анны Остроумовой-Лебедевой? Колорит работы построен на тонкой нюансировке теплых песочно-бежевых и голубовато-серых тонов. Художница изображена за работой, сидящей в три четверти перед станком, в ее руках коробка с акварелью и кисть, на заднем плане видна небольшая часть стены с голубоватым по тону венецианским пейзажем. Белая блузка, строгая темно-синяя юбка, серый рабочий халат поверх костюма передает повседневный, рабоче-домашний ракурс жизни художницы. Седые волосы модели подстрижены по моде конца 1930-х, и тон прически гармонирует с тоном рабочего халата и прохладной гаммой акварели на фоне.

Лицо модели при этом сохраняет немного юношеское выражение. На нем почти незаметны морщины, оно обладает мягким абрисом и в ракурсе полностью повторяет тот самый первый автопортрет 1894 года. Более того, отсылкой к этой юношеской поре служит и старомодное пенсне художницы: в точно таком же пенсне она, будучи еще студенткой, была изображена на портрете сокурсника Филиппа Малявина (1896, Государственный Русский музей). Поздний автопортрет помогает понять, как художница воспринимает себя и свою работу. В нем нет намека на торжественность, хотя автопортрет создавался по случаю большой ретроспективной выставки. Художество подается нашей героиней не как способ удовлетворения амбиций и достижения целей, а как ежедневный сосредоточенный тихий творческий труд.

На протяжении всей Великой Отечественной войны и блокады Ленинграда Остроумова-Лебедева оставалась в городе, не уезжала в эвакуацию. Ее записки времен блокады полны ужаса и горечи. Скончалась Анна Остроумова-Лебедева в 1955 году.

Елизавета Званцева и ее школа

На рубеже веков на развитие художественного образования, альтернативного Академии, наиболее существенно повлияла Елизавета Николаевна Званцева (1864–1921), основавшая одну из первых частных открытых художественных школ в Петербурге. Это была школа современного искусства с гендерно-паритетным доступом к образованию, которая ориентировалась на примеры европейских частных студий. Званцева как художница и организатор осознавала кризис существующей образовательной системы и понимала необходимость и своевременность своей инициативы. Из ее школы впоследствии вышли крупные фигуры отечественного искусства, в ней начал свою педагогическую деятельность Кузьма Петров-Водкин, а ученики и ученицы продолжали поддерживать связи и после окончания обучения.

К сожалению, рассказ о Званцевой невозможно построить, опираясь на ее собственные воспоминания: дневники и письма практически не сохранились[214]. Исследования ее жизни и деятельности выстроены на основе многочисленных упоминаний у современников – ее друзей и знакомых, деятелей и деятельниц культуры: в письмах Константина Сомова, Ильи Репина, ее брата Николая Званцева к ней, воспоминаниях Остроумовой-Лебедевой[215], Юлии Оболенской, Ольги Розановой, Николая Ульянова и др.

Художница и организатор частных художественных школ Елизавета Николаевна Званцева родилась в 1864 году в родовом поместье ее отца Николая Ивановича Званцева – в селе Тарталеи Нижегородской области. Родственники Елизаветы Николаевны принадлежали к знатным родам. Дед по материнской линии Николай Алексеевич Полевой – писатель, драматург, литературный критик, а род отца Николая Ивановича восходил к Петру Павловичу Званцеву – крестнику Павла I. По инициативе дяди Елизаветы Николаевны Константина Ивановича в поместье Званцевых был создан народный театр, куда пускали зрителей всех сословий бесплатно, ставили там трагедии Пушкина и комедии Островского. Сама Елизавета Николаевна позже организовала сельскую школу и любительский театр. К участию в спектаклях привлекала известных артистов: оперную певицу Веру Петрову-Званцеву, знаменитую актрису Марию Савину, племянника русского поэта – Анатолия Пушкина[216].

Художественное образование Званцева получала, как многие художницы того поколения, в разных местах. Сначала Елизавета Николаевна поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где проучилась с 1885 по 1888 год, затем посещала занятия в Петербургской Академии художеств[217]. Ни в Москве, ни в Петербурге полного курса она не окончила.

Свидетельство о вольном посещении Званцевой Е. Н. МУЖВЗ. РГАЛИ, ф. 680, оп. 2, ед. хр. 568

Знакомство с Репиным произошло в 1888 году благодаря Василию Матэ. Известно, что довольно скоро Репин увлекся своей молодой ученицей[218]. То ли по рекомендации Репина, то ли по собственной инициативе Елизавета Николаевна в определенный момент решила поменять учителя и начала посещать мастерскую Павла Петровича Чистякова. Репин писал по этому поводу: «Что же, Вы правы, работайте у Чистякова (он был у меня недавно, хвалил Ваш этюд), он лучший учитель»[219].

Рисунок из письма Званцева Николая (брата) Званцевой Елизавете от 22 сентября 1888 года. РГАЛИ, ф. 763, оп. 1, ед. хр. 24

Не так часто, но встречаются письма, где Репин пишет Елизавете Николаевне как внимательный педагог, уверяет ее, что необходимо заниматься, дает практические советы:

«…Работайте! Отлично. Нарисуйте, повторите, не торопитесь: ведь у Вас большие способности; мне и та фигурка Ваша очень нравилась, которую Вы разорвали когда-то из-за Кони – взорвало Везувий, сверкнули молнии и затрещало колоритное произведение в могучих пальцах, не быв даже рассмотренным. Напишите поверней отношение фона, т. е. все предметы, какие будут, к фигуре. Это всегда хорошо»[220].

Благодаря этим отношениям появилось два портрета Званцевой кисти Репина, которые он писал в 1889 году. Современники признавали их одними из самых успешных женских портретов мастера[221].

После занятий у Репина и Чистякова Званцева продолжила образование в Европе. В 1897 году она уехала в Париж вместе со своим другом детства, а в то время уже известным художником-мирискусником Константином Сомовым и стала посещать частные парижские учебные заведения – Академию Коларосси[222] и Академию Жюлиана[223].

Судя по всему, в Париже Елизавета Николаевна проводит не больше года. Но именно европейский опыт вдохновляет Елизавету Званцеву на создание частной художественной студии в России. В любом случае школа, просуществовавшая больше десяти лет и сменившая несколько главных преподавателей, стала одним из важных центров художественной жизни сначала Москвы, а затем Петербурга.

Первую свою школу Елизавета Николаевна открывает в 1899 в Москве, в качестве преподавателей она приглашает своих знакомых Константина Коровина, Валентина Серова и его ученика Николая Ульянова. Хотелось бы отметить горизонтальный характер организации школы: Званцева создает не просто курсы, но пространство, открытое для учеников разного происхождения, пола и образования. На наш взгляд, для художественной жизни начала ХХ века, особенно вне Академии, было характерно не только создание альтернативных школ, но и интенсификация процессов внутри среды и наращивание новых связей.

В школе Званцевой и преподаватели, и сама руководительница стремились к тому, чтобы обучать новым веяниям в искусстве. Задача, которую ставила перед собой Елизавета Николаевна, была связана с профессиональной помощью начинающим художникам. Хотя и зрелым художникам в школе были рады. Гендерных и возрастных ограничений на прием учащихся не существовало: в ней учились как дети, так и взрослые (в разные часы), мужчины и женщины.

Московская школа Званцевой работала вплоть до 1906 года, когда постепенно стали реже бывать именитые учителя, а вслед за ними и студенты. Однако идея создать современную студию не покидала Елизавету Николаевну. Ее петербургская школа открылась в 1906 году в известном «доме с башней» – доме за Таврическим садом, на углу Тверской улицы, где располагалась квартира поэта и философа Вячеслава Ивановича Иванова[224].

Тамбовцев В. Башня В. Иванова из цикла «Город Александра Блока». 1981. Государственный музей городской скульптуры

Первыми руководителями школы Званцевой стали художники Лев Бакст и Мстислав Добужинский. Сама Званцева тоже преподавала, активно участвовала в организации работы и лично общалась с учениками школы. Художница Юлия Оболенская, ученица школы с 1907 по 1913 год, чей доклад[225] служит одним из основных источников информации об обучении в петербургской студии Званцевой, так описывает встречу:

«…сама Елизавета Николаевна произвела на нас чрезвычайно привлекательное впечатление: она вся искрилась жизнью, суетилась, спорила, сердилась, улыбалась в одно и то же время»[226].

В Петербургской школе появляется более стройная система обучения, которая связана с руководством Льва Бакста. Искусствовед А. Д. Сарабьянов так описывает ее: «Преподаватели <…> стремились выработать новую художественную традицию, создав, следуя тенденциям модерна, “мастерскую-храм”, где коллективный поиск “органичного” искусства ставился выше личного успеха и где главным был сам процесс художественного эксперимента»[227].

В статье Лины Бернштейн, Лены Неклюдовой «Л. С. Бакст и его ученики: история одного эксперимента»[228] описан его метод обучения, который формировался, в частности, благодаря обсуждениям на вечерах у В. И. Иванова и включал идею «органичности» искусства, представление о художнике как о миссионере, которому в процессе творчества открываются некие «универсальные эстетические истины». Эти постепенно проявляющиеся новые каноны Бакст предполагал эффективно развивать в коллективной работе. Он верил, что именно молодое поколение художников способно интуитивно нащупать эти новые правила, а для получения значимого результата нужно не «учить», но скорее предупреждать ошибки и показывать общее направление развития.

Модернистская идея «мастерской-храма», которую упоминает Сарабьянов, действительно была близка Баксту, и формулировка эта встречается в его собственных суждениях[229], хотя при этом представляется довольно абстрактной. В школе не было системы конкретных строгих правил, кроме общих, уже названных: необходимости много работать (по 6 часов в день), экспериментировать, коллективно и опираясь на интуицию искать универсальные принципы искусства. Кроме того, Юлия Оболенская упоминает запрет на подражание, неприятие эстетства и высокие требования относительно техники.

Художница Анна Остроумова-Лебедева в своих мемуарах также вспоминает о педагогическом методе Бакста, который ей довелось наблюдать в короткий период – когда она посещала школу Званцевой, не имея возможности оплачивать живую модель:

«Бакст стремился своих учеников приучить к упрощению форм и к наибольшему отходу от фотографирования природы. Он постоянно твердил о лапидарности и о необходимости вырабатывать каждому художнику свой характерный стиль» [230].

Кто-то оставался надолго, кто-то задерживался лишь на несколько месяцев, но так или иначе через школу, организованную Елизаветой Николаевной Званцевой, прошло огромное количество художников, многие из которых построили в дальнейшем успешную карьеру. Среди известных художников, посещавших студию, были А. С. Глаголева-Ульянова[231], Н. П. Грекова[232], Е. Г. Гуро[233], В. И. Денисов[234], С. И. Дымшиц-Толстая[235], И. С. Ефимов[236], В. И. Жукова[237], А. И. Иванов[238], Н. В. Лермонтова[239], Н. И. Любавина[240], М. В. Матюшин, М. М. Нахман[241], Ю. Л. Оболенская[242], О. В. Розанова[243], В. В. Сафонова[244], Н. А. Тырса[245], М. П. Чехова[246], М. З. Шагал, Ф. Н. Шихманова[247].

В 1910 году Лев Бакст организовал итоговую выставку работ учеников школы Званцевой в редакции журнала «Аполлон». Об этой выставке сохранилось воспоминание Ильи Репина, который был возмущен новым «формалистским» искусством. В статье в газете «Биржевые ведомости» Репин писал:

«…когда со стен лезли в глаза … отвратительные малевания циклопов – учеников г. Бакста, я не знал, куда укрыться, и схватился за плечи моего спутника, чтобы не упасть от головокружения»[248].

В статье он описывает диалог с Елизаветой Званцевой, которая, по его словам, «говорила обиженно» и отвечала, что Академия выставку хвалила. Тогда как Репин продолжал негодовать: «Да будет проклята Академия, которая может одобрять такой вандализм форм… И эта дикая размалевка разнузданных невежд! Красят организмы, как заборы!»[249]

После выставки Бакст уехал в Париж работать вместе с Сергеем Дягилевым. Стать руководителем школы Елизавета Николаевна позвала Кузьму Сергеевича Петрова-Водкина, который пробыл им вплоть до 1916 года.

Петров-Водкин как руководитель также ориентировался на учеников школы и их видение, с некоторыми даже сотрудничал. Известно также, что «Красного коня» он писал летом 1912 в имении семьи Грековых (Наталья Грекова – его ученица, подруга Оболенской) в Саратовской губернии[250].

Фотография К. С. Петров-Водкин с учениками (школа Званцевой). Петербург. 1913. Художественно-мемориальный музей К. С. Петрова-Водкина

Со временем в школу пришли новые ученики, а некоторые, ушедшие вместе с Бакстом, вернулись и продолжили обучаться у Петрова-Водкина. Юлия Оболенская, хотя была последовательницей Бакста, осталась в школе и так писала об этом:

«Нас привлек сам Петров-Водкин монументальным периодом, в котором тогда находилось его творчество. Монументальные задачи были нашей целью…[251]»

Кузьма Сергеевич и до приглашения Званцевой, еще живя в Москве, давал частные уроки, но масштабно не преподавал. В петербургской же студии появились первые ученики – «водкинцы» – и началась преподавательская карьера, которая продолжала развиваться и после закрытия школы, когда художник возглавлял мастерскую в Академии художеств. Именно во время преподавания в Академии в 1918–1932 годы водкинская система преподавания стала широко известна, но есть основания полагать, что главные педагогические принципы сформировались уже на раннем этапе – в школе Званцевой. Например, в статье «Живопись будущего» 1912 года Петров-Водкин писал о живописном образе как единстве цвета и формы и о том, что главной задачей художника эту «органичность» передать. Тогда же начинает формироваться знаменитая водкинская «сферическая перспектива»[252].

Школа Званцевой в Петербурге просуществовала до 1916 года[253], после ее закрытия многие ученики и преподаватели уехали в другие города. И сама Елизавета Николаевна уехала жить в Нижний Новгород, а затем в Москву.

Об обстоятельствах закрытия школы известно немного. Но, судя по косвенным упоминаниям в письмах Константина Сомова, в 1917 году продолжение работы школы было практически невозможно:

«Со школой, конечно, в этом году ничего бы не вышло. На субсидию, о которой я Вам писал, надеяться нечего: школа Гагариной получила отказ в ней <…> Не унывайте обе, я думаю, что мы все же доживем до лучшего времени»[254].

Что касается собственного искусства – многие свои работы Званцева уничтожила, потому как была чрезвычайно требовательна к себе. При этом в письмах у Сомова и у Репина постоянно встречаются свидетельства того, что рисовать она так или иначе продолжала. В частности, К. Сомов писал: «А пишете ли Вы сами, должно быть, нет; лежите в траве, слушаете шум дубов? Не стану Вас уговаривать теперь писать “Самсона и Далилу” – пожалуй, летом в траве приятнее»[255].

О стиле ее работ также можно судить только по косвенным упоминаниям. Сомов в письмах называл ее «передвижницей», немного поддразнивая и уличая в приверженности натурализму, которому она училась, в частности, у Ильи Репина. В 1900 году Сомов пишет Званцевой из Петербурга: «Неужели Вы до сих пор сидите на здоровом (Репинском) натурализме и далее ни шагу?»[256]

Но вкусы Елизаветы Николаевны менялись, дружба с Сомовым приблизила ее к объединению «Мир искусства», парижский опыт расширил представления о системе образования. Очевидно, эпизод на выставке в редакции журнала «Аполлон», когда Репин эмоционально критиковал работы учеников Бакста, а Елизавета Николаевна, напротив, отстаивала их, говорит о том, что к 1910 году Званцева решительно разошлась в представлениях о передовом искусстве с прежним учителем.

После закрытия Школы Елизавета Николаевна Званцева уехала в Нижний Новгород, позже вернулась в Москву, где работала в детском доме. Умерла художница в 1921 году от сердечной болезни.

Для нашего повествования имя Елизаветы Званцевой, создательницы одной из первых школ новейшего искусства в России, особо значимо. Она смело взяла на себя такую сложную педагогическую и организационную задачу, ориентировалась на европейский опыт и реализовала то, что было нужно молодым российским художникам в начале ХХ века. Несмотря на то что художественных работ Званцевой почти не сохранилось и мало известно о ее личной жизни, она оставила значимый след в истории художественного образования в России.

Глава III

Варвара Бубнова

Фигура художницы Варвары Дмитриевны Бубновой важна для нашей истории именно тем, что она была одной из первых художниц, получивших полное высшее художественное образование в реформированной русской академии, и значительно дополнила его уже не парижскими частными студиями, как поступали художницы ранее, но непосредственной практикой русских авангардных течений. В этом нам видится важное свойство эпохи: на рубеже веков происходят процессы символического встраивания русского искусства в общеевропейские тенденции на уровне техник, общей риторики, процессов культурного взаимообмена. К концу первой декады ХХ века в зарождающемся русском авангарде начинают органично воплощаться уже все самые передовые тенденции европейского искусства, однако значительно переработанные с учетом национального художественно-исторического контекста.

Еще в период обучения в академии художница Бубнова не только отошла от академической парадигмы, но и в дальнейшем развивалась не только в профессии художника. Тесно соприкоснувшись с самой первой волной русского авангарда, Бубнова-художница на протяжении всей жизни не утратила тяготения к фигуративу, однако в духе эпохи много экспериментировала не только со стилями, материалами и техниками, но и с профессиями вообще.

После получения художественного образования Бубнова увлекается теорией и историей искусства и серьезно занимается академическим изучением истории искусства и преподаванием в ведущих авангардистских институциях, после, уже в эмиграции, преподает русскую литературу, не бросая при этом художественное поприще. Расширение профессии художницы в авангардной парадигме на примере Варвары Бубновой происходит именно за счет углубления в преподавание, теорию и историю искусства и органичный синтез всех этих новых отраслей в собственном творчестве.

Варвара Дмитриевна Бубнова родилась в 1886 г. в дворянской семье в Петербурге. Ее мать Анна Николаевна предпочла семью артистической карьере и была глубоко погружена в воспитание трех дочерей по собственным педагогическим принципам:

«Пока они были совсем маленькими, она старалась сделать их детство беззаботным, но стоило им немного подрасти, как она взялась за их воспитание с разумной строгостью. В доме был твердый распорядок дня, дети вставали рано, обтирались холодной водой. Хотя в то время “физкультура” была еще не в моде, мать пригласила студентку с курсов Лесгафта заниматься с дочерьми физическими упражнениями»[257].

Мать Варвары Бубновой растила дочь исключительно как художницу:

«Анна Николаевна по распространенному в то время представлению считала, что женщина может проявить свои способности только в области искусства, и старалась как можно раньше выявить у каждой из дочерей призвание»[258].

Отец же, будучи банковским служащим, беспокоился за будущее дочери и считал профессию художника «пятым сословием», подразумевая за ним грядущую необеспеченность и неустроенность жизни.

Творческое взросление Бубновой пришлось на период расцвета русского модерна. Юная художница вместе с матерью регулярно посещала выставки в Академии художеств и оставила живые воспоминания об увиденных в детстве картинах Левитана, Врубеля, Борисова-Мусатова, Мясоедова (в студии которого позже стала учиться).

В 1907 Бубнова поступила в Академию художеств. Вместе с ней учились такие художники, как Павел Филонов, Людмила Бурлюк[259] и Вольдемар Матвейс (или Вольдемар Матвей, известный также под псевдонимом Владимир Марков). Несмотря на то что в это время с Академией конкурировало множество новых частных школ (школа Званцевой, студии Ционглинского, Бернштейна в Петербурге, студия Юона в Москве), главным конкурентом петербургской Академии оставалось скорее Московское училище живописи, ваяния и зодчества, считавшееся среди учеников «либеральной академией». Ключевыми новаторскими мастерскими училища были мастерские Серова и Коровина.

В 1910 году однокурсник Бубновой Вольдемар Матвей уговорил художницу поехать с ним в Москву посмотреть частную коллекцию современной французской живописи, принадлежащую С. И. Щукину. Эта поездка перевернула ее сознание и полностью обновила визуальный язык ее творчества (как случалось тогда со многими). Вернувшись в Петербург, она приступила к работе совершенно по-новому:

«Натурщик стоял на фоне ярко-красной, туго натянутой материи, поэтому его обнаженное тело казалось лимонно-желтым, а железный шлем на голове – иссиня-черным. Я уже сделала на холсте красочный набросок, когда услышала за спиной веселый и будто насмешливый возглас: “Ага! Видели Матисса!” Это Ционглинский пробирался среди мольбертов в соседний класс и заметил мою ярь»[260].

Летом 1911 года, как и многие начинающие художники той эпохи, Бубнова с Матвеем совершили путешествие по центральной Италии, чтобы своими глазами увидеть шедевры из истории мирового искусства. Бубнова впоследствии часто говорила, что изучение истории искусства – главный ключ к пониманию живописи. Тогда же они с сестрами Ухановыми[261] и Матвеем зарисовывали все, что довелось увидеть, в небольшие походные этюдники: «Мы копировали краски фресок: их гармонию, их цветовые гаммы или же их контрастные сочетания»[262].

В 1912 году Бубнова приняла участие в выездной выставке первого объединения русского авангарда «Союз молодежи»[263]. В «Союз» она попадает благодаря Матвею – он наравне с организаторами выставок помогал собирать для них работы, ведя переписку с Михаилом Ларионовым, Владимиром Татлиным, Ильей Машковым. Свои же работы и Бубнова, и Матвей могли выставлять только под псевдонимами (Бубнова – Д. Варварова, Матвей – В. Марков), поскольку являлись студентами Академии. Публикации Матвея, написанные по материалам, собранным в европейских музеях, также выходили под псевдонимом «Владимир Марков», однако уже посмертно (Матвей скончался от болезни брюшной полости в 1914 году). Их издателем выступил Левкий Жевержеев, а редактором – Варвара Бубнова.

Драматическая история отношений Бубновой и Матвея коротко может быть описана ее же словами: «Осталась вдовой, не будучи женой»[264]. Совместные путешествия сблизили их, и с осени 1912 года они начали ежедневно работать в одной общей мастерской. Они разделяли взгляды друг друга на новое и новейшее искусство, поддерживая каждое начинание. Например, в 1913 году они оба записались вольнослушателями в Археологический институт в Москве, чтобы изучить древнерусскую иконопись, а весной того же года посетили коллекцию икон Остроухова[265]. Летом отправились в большое путешествие по европейским столицам, чтобы пристальнее ознакомиться с искусством народов Африки. Художники всюду носили с собой фотоаппарат и целыми днями работали в музеях, занимаясь съемкой, описанием и классификацией экспонатов. Именно эта коллекция снимков и ляжет в основу исследования Матвея под названием «Искусство негров»[266].

Накануне выпуска из Академии Бубнова получила второе образование, окончив в 1915 году курс археологии при Императорском Археологическом институте, прослушав курсы по первобытной и христианской археологии, юридическим древностям, славяно-русской палеографии, исторической географии и этнографии, нумизматике, дипломатике, архивоведению и археографии.

По окончании Академии (Бубнова получила звание художника «с правом преподавания рисования в учебных заведениях») художница некоторое время занималась в мастерской Василия Матэ, преподавателя гравюры Анны Остроумовой-Лебедевой и Елизаветы Званцевой. Эти занятия оказались невероятно полезны для ее творчества. Несмотря на недолгий срок пребывания в студии Матэ, она навсегда сохранила интерес к различным печатным техникам и на протяжении всей жизни виртуозно работала с ними.

Еще несколько лет после академии Бубнова преподавала рисование в новой школе рабочего района Петроградской стороны на Обводном канале.

За свою долгую жизнь Бубнова множество раз обращалась к жанру автопортрета. Например, карандашный автопортрет Бубновой 1917 года изображает молодую девушку – крупный план (на портрете мы видим только голову), вьющиеся волосы немного выбиваются из прически, голова дана в повороте в три четверти, будто она случайно обернулась на бегу. От портрета веет свежестью, он легкий, почти игривый, хотя и не подразумевает какого-либо кокетства. В нем отражено самоощущение художницы того периода. Как известно, к автопортретному жанру многие художники обращаются в знаковые моменты своей жизни. В 1917 году Варваре Дмитриевне 31 год, позади у нее большая трагедия – смерть любимого человека и почти следом за ним смерть отца (оба они умерли в 1914-м от одной и той же болезни). Однако, судя по легкости и воздушности этого автопортрета, художница пережила это горе. Вероятно, работа над ним и была начата как самотерапия и способ зафиксировать начало нового жизненного этапа, готовность к переменам, открытость новому.

В 1918 году, после революции, Бубнова решила переехать в Москву. Ее увлекало изучение древних миниатюр в Археологическом музее. События, последовавшие за октябрьским переворотом, художница встретила в должности сотрудницы отдела древних рукописей Исторического музея Москвы. Вскоре она перевезла из Петрограда в Москву свою мать, оставшуюся в одиночестве после замужества сестры (младшая сестра Варвары Бубновой Анна вышла замуж за японского студента Петербургского университета Сюнъити Оно[267] и уехала вместе с ним в Японию).

Быт революционной Москвы с престарелой матерью на иждивении был чрезвычайно сложен:

«Варваре пришлось поступить на вторую работу – в библиотеку “Мобле” Комиссариата Народного просвещения, которая помещалась на Крымской площади в здании бывшего лицея. Возвращаясь поздно вечером домой, она часто обнаруживала, что мать целый день ничего не ела, оставляя для нее скудную пищу и крохотный паек хлеба <…> “Были две службы, – писала она, – были громадные концы города, которые приходилось брать пешком, зимой – по снежным сугробам, весной – через ручьи таявшего снега в плохой обуви, часто самодельной. Болела и я, правда в легкой форме, модной в то время в городе болезнью – тифом”»[268].

Но Бубнова с головой погрузилась в исследовательскую работу в музее, увлекшись древнерусской книжной миниатюрой, переатрибутировала несколько работ из коллекции, по почерку определив руку одного из мастеров. Об одном из них она сделала большой научный доклад. Все это помогло ей понять и основы собственного стиля. Ее излюбленный цветовой прием – сочетание крупных, разных по цветовой интенсивности красных и зеленых плоскостей[269] – навеян именно древнерусской миниатюрой из коллекции музея[270]. Важно, что подобная теоретико-исследовательская деятельность художницы – это не единичный случай, а весьма типичное профессиональное поведение для представителей модернистского художественного поколения.

В 1920 году Бубнова по совету своей соратницы, художницы Варвары Степановой, стала членом московского Института художественной культуры (ИНХУК)[271], основанного по инициативе Кандинского в 1919 г. и «ставшего в начале 20 годов своеобразным теоретическим центром и дискуссионным клубом, объединившим творческих единомышленников, сторонников новаторских течений изобразительного искусства, архитектуры и рождавшегося тогда дизайна»[272].

«Помню, меня увлекли тогда цели института: открыть или выявить и установить, т. е. выразить словесно, объективные законы искусства живописи. Для меня это означало начало борьбы с неправильным подходом к искусству, его субъективной оценкой с точки зрения личного вкуса и привычки»,[273] – писала Варвара Бубнова в воспоминаниях. ИНХУК состоял из секций и рабочих групп, посвященных разным видам искусства. Секция монументального искусства была основана первой, и руководство ею взял на себя лично Кандинский. Позже при секции были выделены рабочие группы по музыке, танцу, живописи, архитектуре, а также была создана Рабочая группа объективного анализа[274]. Бубнова состояла в живописной секции и занималась аналитической и исследовательской работой. Например, составляла библиографический указатель литературы о живописи.

Общение с художниками-беспредметниками не могло не сказаться на творчестве самой Бубновой: очень скоро она обратилась к новому для себя направлению – абстракции. Однако, сделав несколько абстрактных вещей, она оказалась не удовлетворена результатом и, вернувшись к фигуративу, по ее собственным словам, «металась по стилям и техникам». Бубнова в те годы работала над портретами близкого круга друзей – Лизы Щепкиной, своей кузины Татьяны Гончаровой и коллеги по Историческому музею Ольги Поповой. Обращая внимание на ее фигуративную живопись, товарищи по ИНХУКу не воспринимали всерьез ее творчество. Художник Александр Древин напрямую заявил ей: «Если бы я не знал, что вы были женой Матвея, я бы и знакомиться с вами не стал»[275].

Тем не менее в ИНХУКе Бубнова подготовила два публичных доклада: один из них был посвящен композиции в русском лубке XVIII века, второй – африканскому искусству «О тяжести в Африканской скульптуре» (по исследованию Матвея)[276]. Однако на протяжении двух лет работы, как сообщает сама художница, ее все больше «запрягали то в казначейскую, то в секретарскую работу»[277].

Принципиально важно отметить эту социальную трансформацию нового века: художница, в том числе получившая академическое образование, активно встраивается в новейшие авангардные институции и участвует в художественной жизни эпохи. Отныне практически в каждой новой художественной группе, объединении, институции мы встречаем художниц в качестве полноправных участниц. На примере Бубновой мы видим, что художница была приглашена фактически на административно-хозяйственную должность, ее коллеги по цеху – художницы Вера Ермолаева и Надежда Удальцова – работали в качестве личных секретарей Малевича. Ермолаева была секретарем авангардного общества «Утвердители нового искусства» (УНОВИС), редактировала и готовила тезисы к публичным выступлениям Малевича в Витебске и позже в ГИНХУКе, Удальцова была секретарем Малевича в московский период его жизни и выступлений. Сама же Бубнова во время работы в ИНХУКе редактировала работы Матвея и готовила научные доклады.

В 1922 году Бубнова вместе с матерью решают навестить младшую сестру в Японии, куда можно было добраться только по морю. Поэтому семья пересекает всю Европу и из Лондона отплывает через Индийский океан в Токио. Путешествие заняло больше месяца.

В итоге в Токио Бубнова прожила 36 лет. Она не только рисовала и осваивала новые печатные техники, но и как профессиональный исследователь изучала искусство Японии разных эпох, погрузилась в художественную жизнь предвоенного Токио и была знакома с выдающимися представителями японского модернизма. Кроме того, больше десяти лет Бубнова преподавала русский язык и литературу токийским русистам в университетах и при посольстве Японии.

В Японии Бубнова продолжает писать автопортреты, характерной особенностью которых оставалось собственное изображение крупным планом. Так, в одном из японских автопортретов 1941 года художница как будто рассматривает себя в зеркале, расположенном со стороны зрителя. Черно-белая, выполненная в технике сухой иглы работа отражает трансформации не только в облике, но и в восприятии художницей себя. Волосы Бубновой убраны в высокую прическу, брови соединены в широкую изогнутую линию, скулы выбелены, а лицо имеет выражение словно у самураев-воинов из японского театра кабуки. В этом выражении лица читается жесткость, решительность и мужественность. От легкой женственности карандашного автопортрета 1917 года не осталось и следа, однако в нем присутствует элемент игры, видение себя в образе японской художницы, который Бубнова словно примеряет на себя в этой гравюре.

Бубнова В. Автопортрет. 1962. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

В 1958 году Бубнова возвращается в СССР, чтобы ухаживать за старшей сестрой Марией – пианисткой, живущей в Сухуми. В том же году она создает очередной автопортрет, в котором наметился разворот в сторону модерна. Автопортрет выполнен крупным планом и нарисован тушью. Бубнова при помощи волнистой, характерной для стиля модерн линии обрисовывает прическу и как бы вытягивает овал лица, создавая подобие скульптурного маскарона, глядящего на нас с фасадов московских доходных домов и особняков. Поседевшие волосы изображаются сплошным белым незакрашенным полем листа, волнующим, уходящим за его границу, их направление передано парой плавных линий, высокая и пышная прическа выполнена по моде 1910 годов. На лице художница изображает возрастные изменения – графичные, тонкие линии пролегли на лбу, под глазами, в уголках губ. Даже морщины в этом портрете изогнуты настолько поэтично, что визуальные акценты эпохи юности художницы считываются безошибочно.

Автопортрет 1962 года – один из немногих цветных автопортретов художницы. Он выполнен пастелью на темно-фиолетовом, почти черном фоне. Прическа из буйной волны модернового маскарона с работы 1958 года превращается в «удобную» и не требующую особого ухода стрижку. Густой штрих сумеречно-фиолетового оттенка переходит из фона на лицо. Шея закрыта такого же темного цвета шарфом, похожим на платки городских старушек. Кажется, будто она нарочно типизирует, упрощает собственный образ, чтобы выглядеть одной из тысяч безымянных советских женщин. Так откровенно Бубнова изобразила собственные сумерки жизни.

Вернувшись в Советский Союз, Бубнова продолжала переписываться с японскими друзьями и учениками, работать как художница и выставляться. В Тбилиси (начало 1961), Москве (март – апрель 1961) и Харькове (июнь – ноябрь 1961) прошли ее персональные прижизненные выставки[278]. Умерла Варвара Бубнова 28 марта 1983 года.

Надежда Удальцова

Фигура Надежды Андреевны Удальцовой иллюстрирует в нашем повествовании новый тип художницы – авангардистки, или левой художницы (как они сами себя называли в эту эпоху). Родившаяся на рубеже веков, Удальцова уже не пытается стать студенткой русской государственной академии художеств и строить внутри этой системы свою художественную карьеру. Она выбирает подчеркнуто негосударственные институции в качестве образовательных – предпочитая занятия в частных художественных студиях, распространившихся в первую декаду века и ориентированных на самое современное и передовое искусство.

Для молодой Удальцовой все самые современные на тот момент стили: кубизм, кубофутуризм, супрематизм – стали органичными вехами становления собственного искусства, и только в поздних двадцатых она вернется к фигуративной живописи. На протяжении всех 1910-х годов Удальцова работает как независимая художница в различных частных институциях, активно выставляясь на выставках подчеркнуто неакадемического толка, при этом она с энтузиазмом принимает революцию и с готовностью сотрудничает с государством через агитмассовую и позже преподавательскую деятельность.

Однако – этот момент хочется подчеркнуть – несмотря на активную выставочную деятельность, в отсутствие развитого художественного рынка, именно рынка сбыта, художница нуждается в дополнительных источниках заработка, таких как декоративная вышивка предметов обихода по собственным эскизам или сотрудничество в газете «Анархия».

Кроме того, как передовая художница и активный участник авангардного сообщества Удальцова получает приглашение преподавать собственную дисциплину в самых экспериментальных советских институциях современного искусства – I ГСХМ, затем во ВХУТЕМАСЕ и ИНХУКе. Так, подчеркнуто независимое положение авангардистов к концу декады меняется, художники постепенно институцианализируются и присоединяются к обновленному государственному строю.

Таким образом, Удальцова – одна из первых профессиональных художниц, интегрированных в авангард и построивших собственную карьеру уже в новой советской экспериментальной художественной институции.

Надежда Андреевна Удальцова (1886–1961) принадлежала к так называемым «амазонкам авангарда»[279] и, помимо обширного художественного наследия, оставила множество эго-документов[280], ценных для нашего исследования.

Собственное жизнеописание в своих мемуарах наша героиня начинает по законам жанра – с раннего детства. Краеугольным камнем в понимании себя как художницы для Надежды Удальцовой стали слова художника Николая Ульянова[281]:

«увидя мои детские рисунки, сказал, что школа мне не нужна, что я – готовый художник, долженствующий лишь найти себя. Это “найти себя” определило весь мой путь»[282].

В 1905–1909 годах Удальцова посещала студию Константина Юона, свободную студию «Башня», а в 1912–1913 – парижскую Академию Паллет[283], активно искала свой стиль, сменила множество учителей. Любопытно, что набиравший в то время популярность кубизм она поначалу отвергает как метод:

«А на кубизм я смотрю так же, как на импрессионизм. И то, и другое явление довольно уродливы. Надо идти к композиции и к старым мастерам, без них нет пути. …Для зрителя должно быть прекрасное – живопись, а не шарада»[284].

Кубизм открывается художнице с новой стороны с переходом к новому учителю – кубисту:

«Во всяком случае, возьму я многое, но дойду ли до кубизма как цели – не знаю. Как средство – это великая вещь, все открывается ясное и строгое. Пейзаж в особенности, я вижу такие возможности»[285].

Живя в Париже, Удальцова пишет в дневник о постоянных визитах в парижские соборы, Лувр и музеи старых мастеров, где она могла непосредственно постигать многие живописные приемы. Кроме того, важным элементом в ее программе творческого самосовершенствования становится посещение салонов, галерей и частных коллекций современного искусства. Художница строит свое профессиональное видение, не только изучая смену стилей в исторической перспективе, но и обращая внимание на непосредственную художественную жизнь вокруг и среду, по поводу отсутствия которой так сокрушалась в свое время Мария Башкирцева.

Возвратившись из Парижа в 1913 году, Удальцова работала уже преимущественно как кубистка. В 1914 она выставила свою кубистическую «Композицию» на выставке бубновалетовцев[286], а в феврале 1915 года ее программная работа «Ресторан» (Государственный Русский музей) и семь других ее полотен появились на «Первой футуристической выставке “Трамвай В”»[287]. К этому же году относится и прекрасный кубистический автопортрет (Государственная Третьяковская галерея), выставленный уже на «Последней футуристической выставке картин “0,10”»[288].

В автопортрете Удальцова сохраняет свой характерный профиль с волнистыми волосами, убранными в низкую прическу (он позже будет встречаться на фотографиях и поздних портретах). На картине также изображен абрис подъезда дома в модернистском стиле на Смоленском бульваре, в котором находилась мастерская художницы: в правом нижнем углу изображены его окна и лестницы как образ микрокосма художницы. Интересно, что на одном из подготовительных эскизов к автопортрету (1914 г.) Удальцова изобразила себя также с палитрой и элементами микрокосма, но анфас, однако в итоге остановилась на усеченном профиле как наиболее выразительном, характерном и узнаваемом. На наш взгляд, это изменение фокуса по сравнению с этюдом говорит о том, что даже в кубизме художницу увлекали именно живописные задачи.

Удальцова Н. Автопортрет с палитрой. 1913. Государственная Третьяковская галерея

Не менее интересно, что в автопортрете 1923 года (собрание Государственной Третьяковской галереи), реалистичном и живописном, художница снова обращается к эскизу 1914 года и располагает собственную фигуру на холсте лишь немного сдвинув к центру и исключая все атрибуты. Абрис и композиция остаются при этом узнаваемыми.

В 1916–1917 годах Удальцова сотрудничает с киевской артелью вышивальщиц «Вербовка»[289], выполняя рисунки, которые послужат основой для знаменитых вербовских декоративных вышивок: «В творчестве Надежды Удальцовой все беспредметные супрематические композиции восходят к проектам для “Вербовки”»[290]. Однако сама она пишет об этом как об удобном способе заработка, временном занятии, не предполагающем особенного творческого развития. Живопись в ее собственной иерархии жанров превыше всего, оттого заменить ее чем-то, забросить можно только на некоторое время:

«Приглашена <…> в общество вышивок. Рисунок стоит 20 рублей. Я могу дать 5 рисунков в месяц, если принимать будут все, то можно и по 10 давать, и больше. Можно месяца на три бросить живопись и только зарабатывать»[291].

В дневниках 1916–1918 годов Удальцова часто пишет о собственном бедственном материальном положении, однако в дневниках не разъясняет его причин. Сегодня известно, что, будучи начинающей художницей, она еще не продавала свои работы и до осени 1916 года жила на обеспечении первого мужа – историка-медиевиста Александра Удальцова. Осенью 1916 он был мобилизован на фронт, и художница осталась абсолютно без средств к существованию. Это важная деталь для нашего исследования, которая характеризует эпоху – часто художницы, даже будучи уже профессионалами (например, выпускницами академий и участницами выставок), продолжали жить в родительской семье и находиться на содержании родителей. Если же они были замужем, то в большинстве своем основное материальное обеспечение семьи ложилось на мужские плечи. Традиционные патриархальные взгляды на зарабатывание собственных денег женщиной были более распространены в среде высшего дворянства и придворной аристократии.

Удальцова Н. Автопортрет. 1923. Государственная Третьяковская галерея

Однако мы можем сказать, что в 1910 годы экономическая зависимость художницы от родителей или мужа[292] сохранялась скорее по инерции, так как женщины были уже значительно более подготовленными к существованию внутри рынка искусства, продаже работ и иной связанной с искусством деятельности. Казалось бы, именно за это десятилетие художницы авангарда смогли прочнее встроиться в систему современного искусства, но, на наш взгляд, многие из них так и не научились адекватно оценивать свой труд. Сама Удальцова пишет о заработке как о важной части, почти вершине собственной профессионализации:

«Я перечла свои дневники. <…> Мою жизнь можно разделить на несколько периодов: I. Гимназия, II. Первая любовь, дальше III. Период до замужества, какой-то безликий, хотя утвердилось мое место в жизни. IV. Далее замужество до Парижа, V. Париж – утвердилось мое место в беспредметной живописи. VI. Стремление к самостоятельности во всем: и заработок (курсив мой – О. А.), и новое в искусстве»[293].

Очевидно, что стереотип о великом творце, художнике-гении (непременно мужчине), преодолевающем все преграды на пути к признанию, в эту эпоху был силен как никогда. Соревновательность, желание занять свое место в искусстве и прославиться владеют умами. Это порождало множество ссор и скандалов, агрессию и подозрительность по отношению к коллегам. Таковы были реалии авангардной сцены[294].

Как и мужчинам, женщинам-художницам, чтобы чувствовать себя на равных в этом высококонкурентном сообществе, мало было просто создавать хорошее искусство – нужно было активно участвовать в жизни сообщества, успевать делать новые работы и зачастую участвовать в организации выставок. Кроме того, заниматься устной и письменной рефлексией собственной работы, уметь выразить собственную мысль, обосновать концепцию, теорию. В этом художницы авангарда были абсолютными пионерами. Оттого, как отмечает в своем дневнике Удальцова, они стремились ценить и развивать в себе мужские качества: принципиальность, дисциплину, резкость и категоричность суждений, серьезное отношение к собственному искусству, постоянное преодоление в широком смысле – и себя, и окружающих обстоятельств[295].

Похожее мироощущение во многом описано и в дневниках Башкирцевой, и в записках Остроумовой-Лебедевой. Художницы авангарда часто осуждали себя и своих подруг-коллег за проявления женского начала, которое для них самих часто было синонимом «мещанского» – домашнее, теплое, уютное, мягкое, тихое, удобное.

Не без сожаления отметим, что в начале века внутренняя мизогиния в женском сообществе была распространена не менее, чем в мужском. Патриархальный взгляд на женщину – взгляд сверху вниз – был привычной оптикой и для самих женщин, вот почему в дневниках того времени мы часто встречаемся с самооправданием героинь за проявления «женского»[296]. Удальцова, например, пишет о своей близкой подруге юности – художнице Любови Поповой, с которой они вместе жили и учились в Париже, но позже разошлись в понимании искусства: «Л. С. [Попова] выходит замуж, и ее работы сразу стали слабее»[297].

Причин для споров, прений, взаимных упреков, публичного и непубличного отстаивания собственного мнения и своего видения искусства в творческом сообществе было более чем достаточно. Одним из таких водоразделов 1917 года стала Октябрьская революция. Далеко не все приняли ее воодушевленно. Надежда Удальцова после октябрьского переворота участвовала в оформлении улиц Москвы к первым революционным агитмассовым[298] праздникам: «За то, что я вошла в Коллегию [по делам искусств][299], за то, что я работаю в Пролеткульте[300], за то, что я участвовала в украшении 1 мая, за то, что я писала в “Анархию”[301], мои “друзья” отшатнулись от меня. Воистину я начинаю уважать себя. Знаю – права я, а не они»[302].

В 1918-м Удальцова работала ассистентом Малевича в СВОМАС[303], позже стала преподавать во ВХУТЕМАСе[304]: «Если я выздоровлю, то пойду вновь по своей линии. Малевич приглашает в ассистенты, брошу все и буду работать только в искусстве, давно пора»[305]. Сами художницы, похоже, не рассматривали административно-ассистентские должности «при Малевиче» как отрыв от искусства.

Что же касается личной жизни Надежды Удальцовой, отметим, что ее отношения с коллегой по ВХУТЕМАСу – художником Александром Древиным[306] – так и не были оформлены в законный брак. Интересно, что уже в 1919 году, когда были сделаны некоторые из дневниковых записей художницы[307], брак рассматривался ей как нечто «порабощающее»[308], ухудшающее отношения и даже противоречащее, как видно из текста, взаимному уважению. Очевидно, что дореволюционный институт брака в ее глазах был существенно дискредитирован, в частности, личным опытом. В новом общественном строе с самого начала была предпринята огромная работа (читать: пропаганда) по легализации гражданских союзов, и оттого эти союзы очень скоро перестали быть постыдными, порицаемыми и осуждаемыми, как было на рубеже веков, буквально десятилетие назад. При этом, однако, основания их гражданского брака с Древиным, как и в предыдущих эпохах, остаются вполне традиционными – их выражения мы видим во фразе «любить, ценить, заботиться».

В новейших постреволюционных институциях современного искусства преподавание, особенно пассионарное, увлеченное, сопряженное с активной общественной жизнью (участия в заседаниях, обсуждениях, выступлениях на митингах и в прессе), ценилось очень высоко. Однако на исходе 1919 года Удальцова отмечает, что сложная конкуренция сил и коалиций внутри ИНХУКа стала практически невыносимой:

«Как будет дальше, попаду ли я в отдел, не знаю, вовсю орудуют Ваньки и Брик, да и я кое-что сделала, но мне лично теперь довольно безразлично, если бы Родченко и Кандинский так глупо и грубо не стремились к единоцарствованию, никогда бы не пошла бы я в этот ад».[309]

Кроме того, памятуя о разрухе и голоде в стране вплоть до конца 1921 года, должность в государственном учреждении сулила продуктовый паек, скромную, но все-таки оплату труда (иногда с предоставлением минимальной жилплощади), что, вероятно, давало ощущение банальной бытовой защищенности. Царил хаос, и даже такое незначительное событие, как украденные в начале весны калоши, могло надолго лишить художника возможности заработка, возможности выхода из дома: «И потом событие тоже важное: у меня украли кофту и калоши»[310].

Эпидемии тифа (1917–1921) и испанки (1918–1919), прокатившиеся по стране, унесли великое множество жизней. Тогда совокупно погибло 4,1 миллиона человек. Низкое качество медицинского обслуживания, последствия войны, переустройство всех общественных институтов и, соответственно, административный хаос в медицинской отрасли приводили к высочайшей летальности. Человек заранее готовился к худшему:

«Утро. У него [Древина] 38,9. Бедный, лежит так спокойно, дремлет, а мне так страшно <…>. Вечер – 40,3. Помилуй меня, Боже. Я голову только терять не должна, если пойдет дальше. Доктор сказал, что опасности нет, но что все еще неизвестно – испанка или тиф <…>, а я почему-то успокоилась, доктор все грозит мне [опасностью] заразиться, что я неосторожна, а я, до такой степени трусливая раньше, совершенно спокойна. Надо только зря не расстраиваться»[311].

В 1920-х Удальцова сосредоточилась на станковой живописи и снова обратилась к пейзажу, но уже фигуративному. Вместе с Александром Древиным они совершили несколько художественных экспедиций – на Урал (1926–1928), Алтай и в Казахстан (1929–1932), в Армению (1933), где оба много работали над пейзажем с натуры. В их творчестве в это время проявляются тенденции возвращения к искусству как современному ремеслу вместо отнимающих время и силы бесконечных идеологических дебатов о его теоретической и практической значимости.

В 1930 году Удальцова и Древин сближаются с кругом группы «Тринадцать»[312] и выставляются совместно на их третьей (и последней) выставке.

В 1933 году оба художника были обвинены в формализме в брошюре критика О. Бескина «Формализм в живописи»[313]. В 1938 году Александр Древин был арестован и расстрелян, о чем его семья узнала только в 1956 году. В поздний период творчества Надежда Удальцова сосредоточилась на авангардном по форме, но вполне реалистически-живописном фигуративном натюрморте. До конца 1950 годов художница мало и редко выставлялась, работая практически «в стол». Н. Удальцова умерла в январе 1961 года.

Вера Ермолаева

Вера Ермолаева для нашего повествования – фигура особенная. Она застала оба активных десятилетия русского авангарда: образование и борьбу коалиций, и институционализацию, и работу на государственную институцию, и потерю (лишение) работы по идеологическим причинам, и поиск новых путей для творчества – уход в иллюстрацию.

Ермолаева, кроме того, фигура безусловно трагическая. Инвалидизированная женщина, с невероятной энергией работавшая в полную силу, сформировавшая особый стиль вследствие своего недуга и погибшая в страшном советском большом терроре. Судьба Ермолаевой – это во многом судьба поколения авангардистов: множество вынуждены были уйти в иллюстрацию, чтобы зарабатывать на жизнь если не собственным искусством, то хотя бы своей профессией, выражать себя в более простом и понятном языке детской иллюстрации.

Вера Михайловна Ермолаева родилась в дворянской семье в родовом имении Ключи, в 1983 году. В раннем детстве упала с лошади. Это падение повлекло за собой «детский паралич ног. Ермолаевы колесили по Европе в поисках лучших профессоров-медиков. Бесполезно. Усилия врачей и целебный климат почти сделали свое дело. Но… Необходимы были терпение и покой, а это совершенно не соответствовало живой, ищущей новых впечатлений, темпераментной натуре девочки»[314].

Она довольно рано определила себя как творческую личность и уже по окончании общей гимназии начала интересоваться кубизмом и футуризмом. В 19 лет поступила в Петербургскую студию Бернштейна[315], крайне популярного в среде левых художников. Проучилась там до 1913 года. Студия была нацелена на современное искусство, шедшее вразрез с академической традицией:

«Как большинство представителей “левого” лагеря, Ермолаева во второй половине 1910 гг. прошла все основные стадии от импрессионизма до футуризма. Их нельзя назвать сформировавшимися этапами творческой биографии. Это была скорее смена увлечений и впечатлений, свойственная молодому живописцу. Импрессионистические работы Ермолаевой неизвестны, но можно предположить, что они были»[316].

В 1914 году Ермолаева становится одной из соосновательниц, наряду с Михаилом Ле-Дантю[317] и Ольгой Лешковой, группы художников «Бескровное убийство». Данное объединение сформировалось именно в студии Бернштейна, где Ермолаева познакомилась с Ле-Дантю и О. И. Лешковой[318]. Члены кружка[319] собирались на квартирах или в студии и издавали шуточный одноименный журнал. За два года существования объединения было выпущено около десяти номеров. Журнал был намеренно небрежным, неаккуратным, рукописно-экспериментальным и сознательно непрофессиональным – в пику любителям роскошной графики мастеров «Мира искусства». Он был призван дразнить, эпатировать и пародировать. Однако, как пишет А. Н. Заинчковская в своей работе о Ермолаевой, «задача художника сводилась не к украшению издания, а к созданию его новой формы»[320]. Распространялся журнал исключительно среди друзей и широкого резонанса у публики не имел.

После революции 1917 года многие художники были охвачены пылом борьбы, создавая вокруг себя не только круги единомышленников, но и революционно-художественные организации. Одной из таких организаций было общество «Искусство. Революция», в которое вместе с товарищами по «Бескровному убийству» вступила и Вера Ермолаева, выполнив для общества «дизайн» – марку, флаг, печать. Члены общества собирались «содействовать революционным партиям и организациям в проведении путем искусства революционных идей и политических программ»[321]. В поддержку социалистической революции члены общества соглашались бесплатно изготавливать плакаты, афиши, бутафорию и флаги для украшения манифестаций и других агитационно-массовых мероприятий. Однако объединение вскоре влилось в более обширное сообщество левого искусства – Союз деятелей искусств.

Активная и деятельная натура Ермолаевой привела к тому, что в 1918 году она создала новое объединение – издательскую артель художников и писателей «Сегодня». В состав вошли прежние «бескровные убийцы» и представители левого блока – Ольга Лешкова, Николай Лапшин[322], Екатерина Турова[323], Надежда Любавина[324], Юрий Анненков[325], Натан Венгров[326]. Артель выпускала лубки, а также книги-картинки со стихами современных поэтов и иллюстрациями современных художников. Книги выходили небольшими (не более 125 экз.) тиражами, печатались линогравюрным способом на ручном станке и раскрашивались после вручную. По мнению искусствоведа Д. Герасимовой, это был «первый опыт конструирования детской книги, понятой как целостный художественный организм»[327].

Артель впечатлила петербургскую публику, и многие художники, вышедшие из нее впоследствии, стали главными мастерами ведущего детского издательства «Детгиз» и ярчайшими представителями ленинградской школы книжной графики. Существование артели было прекращено самым прозаическим способом – бумага для нового подготовленного тиража с произведениями Венгрова и Эренбурга была конфискована.

В 1918 году художница недолгое время работала в Музее города Петербурга в отделе «Искусство в жизни города», для которого совместно с Н. О. Коган и Н. И. Любавиной собрала уникальную коллекцию живописных вывесок[328].

В 1918 году Давид Штеренберг – комиссар отдела Изобразительных искусств Наркомпросса – планировал закупить ранние работы Веры Ермолаевой для Музея художественной культуры наравне с произведениями Шагала, Петрова-Водкина, Кандинского, Малевича и Ларионова. То есть уже к 1919 году Ермолаеву можно было считать известной, состоявшейся и востребованной художницей. По мнению А. Н. Заинчковской, десятые годы были для художницы не столько временем работы над созданием своего стиля, сколько временем «сбора материала, накопления знаний и впечатлений», а также «интерпретации творческих принципов, разрабатываемых в кругу близких по духу художников»[329]. Своего пика творчество художницы достигло именно в 1920-е.

По приглашению М. Шагала в апреле 1919 года Ермолаева уехала из Петрограда в Витебск, чтобы занять пост преподавателя мастерской живописи и рисунка Витебского народного художественного училища. Также она стала заместителем директора ВНХУ – Марка Шагала, который часто отлучался по комиссарским делам в командировки в Москву. Возможно, именно Ермолаева пригласила в Витебск Малевича, который вскоре занял место Шагала и ввел в ВНХУ собственную систему преподавания. Сама Ермолаева и множество ее студентов стали участниками организованной Малевичем группы УНОВИС[330].

Ермолаева занималась постижением супрематизма по программе своих учеников, совместно и параллельно с ними. Заложенные Малевичем в Витебске программные педагогические задания (например, «вечера опытного рисования») использовались Ермолаевой и в собственном дальнейшем творчестве. Можно сказать, что именно витебская школа сформировала Ермолаеву как опытного, уважаемого и очень авторитетного среди учеников педагога.

В 1920 году Ермолаева приняла непосредственное участие в оформлении сцены и проектировании костюмов второй редакции оперы «Победа над Солнцем»[331]. Сценография и, в частности, приемы движения актера в плоскости были предложены Ермолаевой еще в 1915 году[332] в эскизах и сценографии трагедии Ильи Зданевича «Янко I, король албанский, трагедия на албанском языке 28 000 метров с участием австрийского премьер-министра, 10 000 блох, Брешко-Брешковского и прочей дряни».

К 1921 году ВНХУ испытывало серьезные финансовые трудности, периодически возникавшие на протяжении его существования. Финансирование было нерегулярным, жалованье профессорам почти не выплачивали, многим из них приходилось продавать личные вещи, чтобы питаться и работать[333]. После отъезда Шагала Вера Ермолаева на посту директора изыскивала все возможные средства для продолжения деятельности училища. Например, продавала мебель, принадлежавшую бывшему хозяину особняка, в котором находилось училище, чтобы на эти деньги купить дрова (за это на художницу чуть было не завели уголовное дело).

На посту секретаря УНОВИСа Ермолаева составляла конспекты докладов и лекций Малевича, организовывала в витебских клубах его выступления, заботилась о бытовой жизни профессора, «выбивала» для него повышенную профессорскую ставку. В Витебском архиве сохранились ходатайства директора Ермолаевой[334]:

«Являясь единственным теоретиком и исследователем по вопросам нового искусства, т. Малевич своим присутствием создает учебную жизнь целого ряда учебных коллективов Мастерских, а потому присутствие т. Малевича в витебских мастерских безусловно необходимо. Между тем, ставки, выработанные для руководителей, ниже прожиточной нормы, академический паек больше не выдается, и посему Мастерские ходатайствуют об утверждении т. Малевичу персональной ставки в размере 120 000 рублей в месяц, дабы он мог остаться на работе в Витебске»[335].

Именно усилиями и невероятной энергией Веры Ермолаевой училищу удалось функционировать до лета 1922 года и осуществить первый выпуск. Среди выпускников числились Илья Чашник, Николай Суетин, Лев Юдин, Лазарь Хидекель, Нина Коган.

Ермолаева В. Фигура с нотами. 1927. Частное собрание

Сразу после выпуска Малевич с учениками переехал в Петроград, вслед за ними, передав дела будущему директору И. Т. Гаврису, в 1922 году уехала и Ермолаева. По возвращении она сняла четырехкомнатную квартиру на Васильевском острове и вместе с собой поселила там привезенных из Витебска бывших студентов, поскольку им не полагалось общежития.

В Петрограде Ермолаева получила преподавательский пост в Декоративном институте[336], но уже через месяц после вступления в должность перешла на работу в Музей художественной культуры, в 1925 году переименованный в ГИНХУК[337] – первый институт изучения современного искусства, возглавляемый Малевичем. Как и многие другие научные сотрудники института, художница не получала жалованья вплоть до 1925 года, когда дирекции было разрешено платить жалованье из фонда оплаты входных билетов в музей.

В институте Ермолаева занималась исследованием кубизма, которое начала еще в Витебске[338]. В программу изучения входил не только поиск теоретических обоснований и история развития стиля: важной частью понимания стиля стали работы по копированию. Сегодня известно, что в период работы в ГИНХУКе Ермолаева выполнила копии фрагментов работ Сезанна («Гора Сен-Виктуар» и «Акведук»).

Просветительская программа, ставшая в 1920 годы неотъемлемой частью институционализации авангардного проекта, порой приводила к неожиданным результатам. Дневники Ермолаевой сохранились очень обрывочно и сегодня доступны только в архиве, однако один факт из них заслуживает особого внимания. Художнице было поручено проведение авторской экскурсии для кочегаров по музейной коллекции ГИНХУКа что произвело на нее неверятно сильное впечатление:

«Положение было пиковое, так как разница очень велика между интересами их и новейшего искусства. Сморкались в угол, зевали, страдали, но выслушали терпеливо весь груз популярного подхода к новому искусству»[339].

Период работы в ГИНХУКе был для Ермолаевой крайне сложным – во многом из-за обострившейся (как и в Москве) борьбы существующих художественных объединений за госзаказ, на который претендовали и художники из объединения АХРР[340]. В диссертации А. Н. Заинчковской приводится письмо Веры Ермолаевой Михаилу Ларионову, в котором она подробно описывает характерные для АХРР методы политической борьбы:

«Нам пришлось выдержать жестокую атаку все тех же АХРРовцев (может быть Вы знаете, что это за пугала? Это современное передвижничество, их задача – выразить через “здоровый реализм”» революционную сущность пролетариата; между тем они вычеркивают себя из революционного хода искусства того же самого творческого пролетариата, парализуя какие-либо новые творческие методы. Их выставка – это море бездарных холстов, лишенных какой-либо натуралистической грамотности на самые нарочито революционные темы), так вот они-то и хотели сорвать нашу работу. Обвинить нас в мистичности и идеалистичности, проведя газетную травлю под заголовком “Монастырь на госснабжении”[341]. Но я надеюсь, что энергия, заложенная в нашей группе, не только останется победительницей в этих временных перипетиях каждодневной войны, но сможет стать опорой развеянных группировок беспредметников, непримиримых с жизнью, чей лозунг может быть только подчинить себе жизнь, но никак не войти в какие-либо сделки с ней»[342].

Битва левых беспредметников с «современным передвижничеством» была проиграна, и к началу 1930 годов ГИНХУК был закрыт и расформирован. Однако в некотором смысле именно насильственное снятие с государственной службы послужило для Веры Ермолаевой тем самым нужным толчком к движению, к развитию собственного искусства. Только после слияния ГИНХУКа с ГИИИ в 1927 году Ермолаева, освободившись от постоянного влияния Малевича, почувствовала себя самостоятельным художником. Об этом она даже написала в письме другу, ученику Михаила Матюшина, художнику Борису Эндеру: «Не смейтесь, только сейчас у меня родилось ощущение – я художник»[343].

В этом же году вокруг художницы складывается круг, который сегодня называют «группой живописно-пластического реализма», состоящий из бывших коллег по ГИНХУКу и УНОВИСу: Лев Юдин, Константин Рождественский, Владимир Стерлигов, Нина Коган, Мария Казанская[344], Ксения[345] и Мария Эндер[346] и другие.

«Содружество больше напоминало артистический кружок со своим замкнутым миром, который сознательно не имел выхода во внешнюю художественную среду. Подобное явление характерно для заката авангарда, когда школы или группировки левого искусства, некогда многочисленные и активные, становились больше похожи на своеобразные художественные секты. В них входили немногие посвященные, ревностно чтившие идеи учителя. Таковыми были и школа Филонова, и ученики Матюшина, и последователи Малевича. Многие художники остро чувствовали одиночество и разобщенность авангардного лагеря»[347].

Большинство авангардных творческих объединений конца 1920 – начала 1930-х перестали выпускать собственные журналы, организовывать выставки и перешли к формату тихих закрытых творческих вечеров. Так и квартира Ермолаевой стала своеобразным салоном встреч друзей из группы живописно-пластического реализма. Основной особенностью группы являлась работа с живописью в фигуративном ключе, но через методическую призму всех модернистских фильтров – от сезаннизма до кубизма и супрематизма.

Помимо научной и художественной деятельности, с 1931 года Вера Михайловна преподавала живопись своей талантливой ученице – художнице Марии Борисовне Казанской. Кроме непосредственных уроков живописного мастерства по собственной программе, разработанной еще в ВНХУ и ГИНХУКе, Ермолаева составила для Казанской список литературы, куда включила «Дневник Марии Башкирцевой»[348]. Но несмотря на совместный женский труд и педагогическую систему, опирающуюся на женские творческие дневники, сама Ермолаева, по свидетельствам очевидцев, несколько недоверчиво относилась к роли женщины в искусстве, и когда смотрели ее работы, с милой улыбкой говорила: «Женщина в искусстве призвана не столько творить искусство, сколько создавать атмосферу искусства вокруг талантливых художников»[349].

Начало 1930 годов для Ермолаевой прошло в работе над детской иллюстрацией – это еще одна характерная черта времени, отмеченная многими исследователями и московского и ленинградского искусства. Многие бывшие левые художники, уходя в иллюстрацию, с одной стороны, продолжали жизнестроительную и просвещенческую парадигму модернизма, ведь кому как не художникам детской книги выпадала уникальная задача воспитать в будущих поколениях коммунистов подлинное эстетическое чувство. Тем более что детская иллюстрация формально оставалась значительно более свободной в выборе тем, сюжетов и их оформления. С другой стороны, детская книжная иллюстрация стала одним из немногих способов видимости (в отсутствие выставок) и возможности оплачиваемой работы (госзаказа) для художников авангарда.

Ермолаева В. Собачки. Иллюстрация. 1929.

25 декабря 1934 года Вера Ермолаева была арестована НКВД. В марте следующего года – осуждена как социально опасный элемент и приговорена к каторге. 26 сентября 1937 года – расстреляна в Карагандинском лагере.

Марианна Верёвкина

Следующую нашу героиню Марианну Владимировну Верёвкину (1860–1938) часто упоминают в списке «амазонок авангарда» наряду с Надеждой Удальцовой и другими авангардистками. Художественное становление ее начиналось еще в эпоху до равного доступа мужчин и женщин к поступлению в академию. При этом очевидно, что выбор художественной стези был совершен в довольно раннем возрасте. Начало ее карьеры пришлось на последнюю треть ХIХ века, когда она училась у И. Репина, позднее активно общалась со многими участниками объединения «Мир искусства», интересовалась символизмом.

В ракурсе нашего исследования представляет особый интерес деятельность Марианны Верёвкиной как художницы и теоретика искусства, но не менее ценны ее размышления о положении женщины в обществе, о браке, материнстве, любви, сексуальности и т. д. Надо признать, что это было скорее редкостью в художественном сообществе этого времени. Она во многом инициировала развитие европейского экспрессионизма, имела непосредственное отношение к формированию, артикуляции нового художественного языка наравне с такими фигурами, как Василий Кандинский, Франц Марк. Где бы она ни находилась – а художница значительную часть жизни прожила в эмиграции, – она собирала вокруг себя единомышленников, творческую интеллигенцию, буквально организовывала локальную культурную жизнь. Марианну Верёвкину смело можно назвать интернациональной художницей, которой гордятся и россияне, и швейцарцы, и немцы, а ее вклад в общемировое развитие авангарда трудно переоценить.

Марианна Верёвкина стала для нашего повествования той фигурой старшего поколения авангардистов, которая, однако, в силу жизни в эмиграции, оказалась за рамками последующей советской государственной институционализации. Долгое время творчество Верёвкиной оставалось плохо изученным, хотя за последние десятилетия на этом пути были предприняты важные шаги и появились знаковые публикации[350].

Марианна Верёвкина родилась в Туле в семье военного начальника Владимира Николаевича Верёвкина и художницы-живописца Елизаветы Петровны Дараган[351]. Позже их семья жила в Витебске, затем в Вильно и Люблине, куда они переезжали из-за назначения отца на службу. В Вильно Марианна получила образование в Мариинском высшем женском училище. Позже, когда в 1883 году вся семья переехала в Москву, Марианна начала посещать МУЖВЗ, где брала уроки у мастера жанровой живописи и сооснователя передвижничества Иллариона Прянишникова (1840−1894).

В 1886 году семья переехала в Санкт-Петербург, художница продолжила образование, посещая мастерскую Ильи Репина. Репин был впечатлен не только художественным дарованием Верёвкиной, но и ее образованностью, эрудированностью, остротой ума.

Упоминания того, как Репин восхищался Верёвкиной, сохранились и в письмах других художников. Например, в письме И. Грабаря брату художник пишет о том, как Репин отзывается о таланте Верёвкиной и ее самокритичности:

«Она – необыкновенный знаток искусства, на ее вечерах бывает постоянно Репин, который ценит ее понимание – в понимании она гораздо выше его, художница талантливая, много выставляла, но считает себя величайшей бездарностью, так как слишком много и хорошо понимает»[352].

Именно у Репина в 1891 году Марианна познакомилась с Дмитрием Кардовским, Игорем Грабарём, а также с Алексеем Явленским, молодым военным, увлекшимся живописью. Этой же компанией несколько лет спустя художники решатся уехать, чтобы продолжить образование в Европе: в 1896 году художники Грабарь, Кардовский, Явленский, Верёвкина и Кандинский вместе уезжают в Германию.

Марианна Верёвкина, Дмитрий Кардовский, Игорь Грабарь и Алексей Явленский. Мюнхен. 1897–1899. Государственная Третьяковская галерея

Верёвкина и Явленский приезжают в Германию уже в качестве пары, хотя союз их и был платонический – они заключили «договор» о жизни ради искусства. Позже в 1901−1902 гг. Марианна напишет в своем дневнике:

«Вот уже четыре года, как мы спим бок о бок. Я осталась целомудренной, он обрел целомудрие вновь. Между нами спит наше дитя – искусство. Это оно дает нам спокойный сон. Никогда желание не осквернит наше ложе. Нас двое, желающих остаться чистыми. Чтобы ни одна скверная мысль не потревожила наши ночи, когда мы и так близки. И все же мы любим друг друга. Уже много лет назад мы признались в этом друг другу, мы не обменялись ни единым равнодушным поцелуем. Он все для меня, я люблю его по-матерински, прежде всего, как мать, как друг, как сестра, как супруга, я люблю его как художника, товарища»[353].

В этом же 1896 году Марианна отказалась от рисования и живописи на десять лет и посвятила все свои силы, время и средства содействию творческому развитию Алексея Явленского. Есть разные версии того, почему это произошло. Одна из них связана с предположением, что художница осознавала положение женщины и невозможность полноценно состояться в профессии и приняла решение быть «серым кардиналом» в деле художественной революции. При всей привилегированности положения, возможности учиться в России и в Европе у лучших учителей Марианна Вёревкина четко понимала «место» и спектр возможностей художницы на рубеже веков. В обществе, где нет равенства полов, «только мужчина сможет дать новое направление истории»[354]. По этой версии, именно поэтому Марианна избирает такую тактику продвижения новаторских идей их художественного круга.

Верёвкина М. Портрет А. Явленского. 1912. Аскона, Фонд им. Марианны Верёвкиной. инв. Ф.М.В. 0-0-28

Другая причина, которую называют в качестве основания длительного перерыва в художественной практике Верёвкиной, – пренебрежительное отношение к ней и ее искусству Явленского. Исследовательница Елена Теркель[355] пишет о том, что Явленский был замкнут на своем творчестве и считал себя недооцененным гением. Кроме того, исследовательница отмечает, что Явленский не всегда лестно отзывался о работах товарищей и работах Марианны, а в личном плане был не раз уличен в нечестности по отношению к ней[356]. Такое отношение, вероятно, могло сильно повлиять на душевное состояние Верёвкиной, о чувствительности которой не раз упоминали современники.

Третья возможная причина – сознательное «принесение себя в жертву» любимому человеку, отдача творческих сил в развитие возлюбленного художника. Об этом, например, пишет исследователь А. К. Якимович:

«…(Верёвкина) проявляла чудеса самопожертвования ради любимых людей и дорогих идей и сознательно уходила на задний план именно тогда, когда ее друг Кандинский и возлюбленный Явленский превращались в кумиров (становясь невольными причинами скандала) в глазах интересовавшейся искусством публики»[357].

Сама же она писала в дневнике:

«Я люблю искусство со страстью настолько бескорыстной, что когда мне показалось, будто служить этому искусству лучше всего я смогу, отказавшись от себя, чтобы другой добился успеха, я это сделала»[358].

Истинная причина отказа художницы от творчества, вероятнее всего, останется неизвестной. Однако спорить с тем, что положение молодых художниц было не самым лучшим, сложно. Те редкие девушки, которые имели возможность получить художественное образование благодаря высокому происхождению, все равно подвергались дискриминации внутри сообщества. Причем такая ситуация была характерна не только для России, но и для Европы в целом, о чем свидетельствует суждение Василия Кандинского, приехавшего вслед за Кардовским, Грабарём, Верёвкиной и Явленским в Мюнхен учиться:

«Даже в частных школах всегда бывал женоненавистнический элемент. Так и у нас после “собачьей революции” (раньше ученики приходили в мастерскую с собаками, что по постановлению самих же учеников было позже запрещено) было много охотников произвести бабью “революцию” – “выкинуть баб вон”. Но сторонников этой революции оказалось недостаточно, и милая эта мечта осталась в области несбывшихся желаний»[359].

Здесь же в качестве примера можно привести цитату из письма Репина к Верёвкиной, подтверждающую, что прилагательное «женское» применительно к искусству и любой профессиональной деятельности использовалось если не в ругательном смысле, то, по крайней мере, в значении «несерьезное»: «Искренне уважающий в Вас художника со стилем и не женской энергией. Репин»[360].

Многие русские художники-эмигранты учились в школе у австро-венгерского художника Антона Ажбе (1862–1905), примерно тот же круг людей составляли «салон» Марианны Верёвкиной. Дом Верёвкиной и Явленского в Мюнхене на улице Гизельштрассе посещали русские художники, музыканты, писатели, танцоры. В разное время в «салоне» бывали В. Борисов-Мусатов, А. Сахаров, М. Добужинский, И. Грабарь, Д. Кардовский, В. Кандинский, Г. Мюнтер, А. Зальцман, А. Ажбе, В. Серов, С. Дягилев, А. Павлова, Т. Манн, А. Кубин, Ф. Марк, А. Макке, Д. Бурлюк, П. Клее и многие другие.

В Мюнхене, несмотря на то, что сама Марианна не рисовала, она была довольно влиятельной фигурой в художественном сообществе. Она активно помогала русским художникам – финансово и организационно. Многие художники, оказавшись в другой стране, сталкивались с разного рода трудностями, и Марианна Владимировна часто выручала товарищей. Исследовательница Лайма Лаучкайте пишет о том, что Верёвкина пользовалась своими связями с аристократией и посольством, чтобы добывать заказы для художников, устраивала благотворительные акции и лотереи. Кроме того, она даже думала о том, чтобы основать общество помощи русским художникам, и приступила к осуществлению задуманного, пока в 1914 году не была вынуждена уехать из Германии в связи с началом Первой мировой войны[361].

Пребывая в Мюнхене, художники часто ездили в Россию, в Петербург и в имение Благодать в Литве, принадлежащее семье Верёвкиной. Интересно заметить, что в 1899 году, когда художница в очередной раз приехала в Санкт-Петербург, она идейно расходится в представлениях об искусстве с одним из своих учителей – Ильёй Репиным.

Как и другая наша героиня, Елизавета Званцева, Марианна Владимировна спорила с Ильей Репиным о новом искусстве и передвижничестве. В письме Явленскому она описала встречу с учителем:

«…Ах, какое это искусство, как ненавижу я всех этих Дягилевых и К., да и всех Ваших мюнхенцев. Все это только гримасы, обезьяничье, какая-то болезнь. Этот жалкий пигмей Пюви, тянет какой-то голый человек дерево, как это скучно, гадко, глупо. <…>

Я смеюсь.

– Ну а у вас что же лучшего?

– И у нас хорошего мало.

– Вот видите, И.Е., зато по крайней мере у нас наслаждения больше.

– Наслаждаться можно вам, да у вас вкус испорчен. Все Вы жалкие обезьяны и ничего из Вас не выйдет!

– Позвольте нам думать, И.Е., что у Вас вкус не развит <…>»[362].

К этому же Мюнхенскому периоду, когда Верёвкина не рисовала, но активно размышляла об искусстве и помогала другим художникам, относятся «Письма к неизвестному»[363]. Это название носит дневник (1901–1905), в котором художница размышляет на темы искусства, любви, философии и положении женщины в обществе. «Неизвестный», к которому обращается Верёвкина, это ее гений, идеальная фигура, олицетворяющая веру в искусство.

Отказавшись на долгое время от рисования, Марианна тем не менее разрабатывает теоретические принципы нового стиля, уделяя внимание эмоциям как движущей силе творчества. Здесь хотелось бы подробнее остановиться на трех темах, волновавших художницу и описанных ею в дневниках: новое искусство, отношения с Алексеем Явленским, положение женщины в обществе.

Нужно отметить, что Марианна с раннего возраста была самостоятельна и отличалась от сверстниц. Например, она с юности весьма критично относилась к светской моде:

«Барышни и дамы, оголяются, чтобы показать себя всего лишь как вещь, как тело. И это происходит под общее одобрение, и это спрашивается!»[364]

С этой точки зрения интересно взглянуть на ранний автопортрет Верёвкиной (ок. 1893 года, Музей современного искусства Асконы, Швейцария), на котором художница запечатлела себя в матросской форме. Исследовательница искусства Верёвкиной Шаронкина-Витек пишет об истории создания этого портрета: Марианна перешила форму юнги с большим матросским воротником в женский костюм, что было довольно дерзкой выходкой со стороны художницы[365]. На темном ненагруженном деталями фоне зритель видит поясное изображение художницы, ее фигура хорошо освещена, словно она находится напротив открытого окна. Молодая уверенная девушка смотрит на зрителя, точнее, взгляд ее как будто направлен немного выше головы зрителя. Верёвкина держит в руке кисти, кажется, именно в этот же момент она готова приступить к работе.

Веревкина М. Автопортрет. 1893. Аскона, Муниципалитет Асконы

История с перешитой мужской формой забавно перекликается с восприятием Марианны гендерной самоидентификации. Опираясь на письма художницы, можно заметить ее двоякое отношение к теме «женского». С одной стороны, сама она выказывает довольно пренебрежительное отношение к тому, что маркируется «женским», называя это «слабым» или «жалким». В то же время Верёвкина выступает критиком современного положения женщин в обществе, осознавая проблему на более масштабном уровне.

Например, в дневнике за 1902 год она пишет, словно осуждая в себе «женское»:

«…увы, я еще и женщина с жалким детским сердцем, оно жаждет глотка человеческой любви. Никогда ни один человек не обхватил моей бедной головы и не убаюкал ее на своем плече. Я сильная дева, та, какую любят в бою, из тех, кого воспевают <…> Любовь без нежности, усилия без отдыха. Жизнь очень красива, но она бесчеловечна, а ведь что ни говори, я всего лишь женщина, более того, дитя. Капельку нежности!»[366].

На страницах этих же дневников можно встретить рассуждения Марианны Владимировны о положении женщины в семье и осуждение брака как устаревшей конструкции:

«В супружестве речь идет о том, что необходимо супругу: ему нужна служанка, подруга, любовница. Какой атавизм! Женщина, столь сложное существо, в наши дни, похоже, вообще не принимается во внимание браком. Тут мы держимся за традиции. И отсюда все несчастья. У современной женщины, сознаёт она свои права или нет, тоже есть свои потребности, и она не сознаёт, сколько таит в себе сюрпризов»[367].

По записям Верёвкиной можно судить о том, что мизогинное отношение было типичным даже в художественной среде, представители которой, казалось бы, были людьми хорошо образованными, интеллигентными и разделяющими самые прогрессивные взгляды:

«Я видела художников, обращавшихся с обнаженными женщинами, которые должны были помогать им в работе, с презрением, с каким белые в свое время вознаграждали негров»[368].

По мысли Верёвкиной, замужество лишает женщину всяких прав, заставляя подчиняться мужской воле. Особенно бедственно и уязвимо было положение рожениц:

«Я много видела в деревне этих рожениц, распухших и бледных, уже истекших кровью и остававшихся прикованными к своему убогому ложу; новорожденные чада, приникнув к их груди, еще больше лишали их сил, в то время как муж перечислял мне убытки: ведь женщина так долго будет непригодна для работы. Он бранился на ребенка и на слабость жены»[369].

Действительно, если говорить о правах и возможностях женщин даже высокого происхождения, у них не было возможности предохраняться, делать аборт, а беременность и роды часто сопровождались огромным риском для здоровья и даже жизни женщины. Неудивительно, что, воспринимая реалии именно так, Марианна не всегда ассоциировала себя с этим угнетаемым полом. В личных записях художница часто использует по отношению к себе местоимение мужского рода, и в этих же тетрадях можно встретить рассуждения художницы насчет гендерной идентификации. В 1905 году Верёвкина пишет:

«Я мужчина куда больше, чем женщина. Только желание нравиться и потребность в жалости делают меня женщиной. <…> Я не мужчина и не женщина, я – это я»[370].

Это двоякое отношение к «женскому» в себе и к «женскому» в принципе появляется в ее высказываниях постоянно. Это вполне можно понять, ведь сложно найти человека, которому бы хотелось быть отнесенным помимо его воли в выделенную группу и, соответственно, быть наделенным качествами и, главное, недостатками, приписываемыми этой группе.

Вероятно, Марианне Верёвкиной, как и всем художницам, хотелось быть художником-профессионалом без оглядки на пол и гендер. Но в силу социокультурных ограничений, маскулинного нарратива это не представлялось возможным. Существование в заданной системе рождает необходимость подстраиваться под нее, что предполагает отрицание в себе женского, стремление к якобы нейтральному «человеческому», дабы быть признанной серьезным профессионалом. С другой стороны, как образованный человек, интеллектуалка, Верёвкина понимала, что для того, чтобы изменить существующее положение, его нужно критиковать и деконструировать, чем она и занималась на страницах «Писем к неизвестному».

Вторая выделенная нами в дневниках и публичных докладах Верёвкиной тема – размышления об искусстве.

Интерес к символизму был обусловлен популярностью немецкого романтизма в России, увлечением теософией, психологическими теориями и тем, что в кругу Верёвкиной называлось «новым религиозным сознанием» символистов.

Веревкина М. Аве Мария. 1927 Муниципальный музей современного искусства Асконы.

Художница развивает свою символистскую теорию – в «Письмах к неизвестному» и позже в «Докладе 1914 года»[371]. Основные тезисы Верёвкиной связаны с представлением о необходимости создания нового, гармоничного и единого языка и об отношении к искусству как к жизнетворчеству[372]. На страницах дневников Верёвкина постоянно пишет о своем служении искусству как Богу, о том, что жизнь – это вечный источник творчества, а человеческая личность единственно возможный способ художественного выражения.

«Постоянно я все служу и служу чему-то, что есть единственная истина моего я: искусство как сущность, как цель, как смысл жизни. Ему на службу я должна отдать все искусство, что окружает меня, все, что меня трогает. Я никогда не считала себя вправе вкладывать в это какие бы то ни было личные притязания. Я работаю, чтобы всё и вся служили искусству, которое для меня Бог»[373].

Она пишет об искусстве как о том, что невозможно выразить вербальным языком, о том, что не может быть осуществлено и обрести конечную форму. По сути, Верёвкина формулирует теорию экспрессионизма, определяя основной функцией искусства функцию выразительную:

«Искусство есть выражение чувства. Чувство связано с изначальной природой человека – его животной природой»[374].

Исследователи[375] творчества Верёвкиной отмечают близость ее идей к тому, что формулировал ее друг и коллега Василий Кандинский в знаменитой работе «О духовном в искусстве» (1911). Им обоим была близка идея о назначении художника как пророка, а искусство они понимали как путь к возвышенному. Оба считали, что подлинное произведение искусства существует для того, чтобы воздействовать на душу и приближать человека к Богу. Несмотря на долгую дружбу, близость взглядов и работу бок о бок[376], в какой-то момент Верёвкина и Кандинский разошлись в представлениях, в частности, об абстракции. В «Докладе 1914 года», Марианна Верёвкина пишет:

«Многим из моих товарищей не нужно ни барана, ни лошади. Они говорят прямо языком первичных символов, например, Кандинский в живописи, Schonberg в музыке, и они, может быть, более правы, чем я. Но мои ближайшие друзья и я – мы верим, что по примеру всех мастеров прошлого, чтобы двигать жизнь, надо твердо стоять в ней. Поэтому мы не отрицаем ее, не уходим из нее, а любим ее и ее формы и только заставляем их служить нашей вере»[377].

Что касается художественной практики, то в 1906 году, спустя десять лет, Верёвкина наконец возвращается к ней. Причем начинает она с графики и только потом приходит вновь к живописи. Она начинает работать в экспрессионистическом стиле, сознательно не работает в реалистической манере, характерной для русского периода.

В 1906 году Верёвкина и Явленский все еще жили в Мюнхене и активно работали и выставлялись как в России, так и в Европе. Марианна участвовала в создании разных художественных обществ, часть из них существовали недолго и не получили широкой известности, другие, напротив, вошли в мировую историю искусства[378]. Как художница Верёвкина участвовала в выставках русских художников: выставке «Салон» Сергея Маковского[379], «салонах» Владимира Издебского[380], в «Бубновом валете» (1910–1911).

Трудно обойти вниманием тему отношений Марианны с Алексеем Явленским, о чем она также активно упоминает в дневниках и письмах.

Хотелось бы избежать повествовательного клише – рассказывать о судьбе женщины через ее отношения с мужчиной. Но в данном случае нам кажется важным разговор об этих отношениях, без него невозможно полноценно анализировать гендерный аспект жизни художниц. Опираясь на доступную нам информацию, отметим, что эти отношения можно охарактеризовать как сложные и неоднозначные. Верёвкина писала про кризис, разочарование, пренебрежительное отношение Явленского к ней, но в то же время писала и про свою бесконечную веру в него как в художника. В июне 1905 года она фиксирует в дневнике:

«Этот мужчина, который мне <даже> не любовник, загорается где-то еще и приходит погасить огонь подле меня!!! Я хотела быть свободной, <…> а обречена оплачивать образ жизни, который превосходит мои средства, который лишает меня возможности путешествовать, получать впечатления. Я художник, я хотела заниматься искусством, которое люблю больше чего бы то ни было, и с тех пор, как великая жертва израсходована, как я уже не работаю, я хотела жить искусством того, кто есть моя жизнь»[381].

Еще более странная и драматичная ситуация сложилась в тот период, когда Марианна приняла решение жить вместе с любовницей Явленского и их ребенком. Она не просто позволила им жить вместе с ней, но сделала все, чтобы ребенка признали племянником Явленского, устроила быт и продолжала заботиться обо всех членах семьи. Вероятно, все это делалось не только из большой любви, но и из-за желания не запятнать репутацию респектабельной женщины-аристократки.

Говоря об отношениях с Явленским, нельзя не упомянуть о властности и идеалистичности Верёвкиной, которые, в частности, распространялись и на личные отношения. Об этом писал Василий Кандинский. Сохранилась запись диалога, в участниках которого несложно узнать Верёвкину под именем баронессы и Явленского под именем Lulu[382]. Кандинский отмечает внутреннюю несвободу обоих, властную любовь одного и нерешительность другого. Сюжет диалога такой: Lulu пытается выпить из графина воды, но не может, потому что в этот момент баронесса не считает для него полезным пить воду… после многократных попыток Lulu уходит, не испив воды. В своих записях Кандинский с сожалением отмечает реальную сторону конфликта – не идейные, а именно семейные сложности. Он сочувствует Явленскому и хотел бы для него свободы от властной баронессы.

При всех этих странных обстоятельствах на протяжении долгих лет Верёвкина продолжала любить Явленского, о чем свидетельствуют многочисленные письма к нему. Например, в 1899 Марианна пишет из семейного имения Благодать:

«…здесь все, все говорит мне о тебе, закрываю ли я окна в моей спальне, вспоминаю, как ты все там приделывал, чтобы щелей не было, иду ли по саду, вспоминаю наши ссоры и миры, все молодое нашего молодого счастья, темное уходит вдаль, остается одно бесконечно благодарное сознание, что жизнь не обманула, что стоило бороться и страдать»[383].

В 1914 году с началом Первой мировой войны вся семья была вынуждена переехать в Швейцарию, это произошло в срочном порядке. Кроме того, с приходом большевиков к власти в России Марианна перестала получать отцовскую пенсию в размере 2000 рублей[384]. Впервые она и вся семья, которую она обеспечивала (Алексей Явленский, его любовница Елена Незнакомова, которая жила и работала в их доме служанкой, и сын Явленского и Незнакомовой Андрей) столкнулись с нуждой. В Швейцарии они жили в разных городах, но всегда очень скромно; известно, что на какое-то время Марианна устраивалась на работу в фармацевтическую компанию и что какие-то работы удавалось продавать, но этого не хватало на ту жизнь, к которой они привыкли. В Швейцарии им пришлось восстанавливать и заново выстраивать художественные связи. Как и многие творческие личности, находящиеся в то время в Цюрихе, они общались с кругом дадаистских художников. В 1918 году они переехали в небольшой провинциальный город Аскону – там жили их друзья-художники, жизнь была дешевле, а климат мягче.

Веревкина М. Аве Мария. 1927 Муниципальный музей современного искусства Асконы.

Тридцатилетние отношения художников завершились в 1921 году, когда Явленский решился официально оформить брак с Еленой Незнакомовой и переехал вместе с ней и уже взрослым сыном Андреем в немецкий Висбаден.

А Марианна Верёвкина продолжала жить и работать в Асконе до конца жизни. Она жила в довольно стесненных обстоятельствах, снимала комнату у семьи в рыбацкой деревне, нечасто продавала свои картины, рисовала открытки, получала небольшое пособие от Красного Креста. Но в то же время это был активный творческий период художницы, она заинтересовалась жизнью людей города, в ее искусстве это отразилось в более описательном изобразительном языке и появлении гуманистической тематики. Именно тогда она начала принимать активное участие в жизни города. Так, в 1922 году при ее активном участии начала складываться коллекция будущего Муниципального музея современного искусства Асконы[385].

Верёвкина М. Записная книжка для набросков Аскона, Фонд им. Марианны Верёвкиной. инв. Ф.М.В. 49-4-666-В 14/16–17

Марианну Верёвкину любили и уважали: когда она умерла в 1938 году, ее провожал весь город. Все работы Верёвкина завещала Санто (Альфреду Эрнсту Айе) – музыканту из Берлина, который стал ее близким другом на этом этапе жизни. Но он был вынужден отказаться от наследства: высока была вероятность конфискации, поскольку нацисты внесли работы Верёвкиной в список «дегенеративного искусства». Наследство перешло к другому знакомому и благодетелю художницы, который впоследствии создал Швейцарский Фонд Марианны Верёвкиной. До сих пор художницу высоко почитают как в Асконе, так и во всей Швейцарии. Так закончился путь художницы, ставшей не только практиком, но и одним из идеологов экспрессионизма, в этом смысле она ничем не уступала своим коллегам авангардистам, совмещающим творчество и теоретизирование о нем.

Юлия Оболенская

Следующие наши героини – ученицы школы Елизаветы Званцевой Юлия Оболенская и Магда Нахман. Нам показалось интересным рассказать, как художницы жили и профессионально развивались уже в новый исторический период: расцвет их художественной карьеры приходится на время политических перемен – Революции 1917 года, Первой мировой и гражданской войн, а позже начала Советской России.

Юлия Оболенская – авангардистка, которая еще в начале творческой карьеры осознала ограниченность академической школы и потому продолжила обучение в частной школе у мастеров современного искусства. В то же время для нашего исследования интересным представляется трансформация Оболенской из художницы-модернистки в 1910 годы в художницу, лояльную советской власти, вынужденную развиваться в довольно узких профессиональных рамках, заданных существующей культурной политикой. Так, Юлия Оболенская сотрудничала с Детгизом, работала преподавателем во Всесоюзном доме народного творчества им. Н. Крупской, где учила самодеятельных художников.

Кроме того, нам кажется важным отметить, что Юлия Оболенская и ее партнер в личном и творческом плане Константин Кандауров выступают редким примером творческой пары начала ХХ века, в которой женщина занимала равную позицию, а не привычную для того времени (помощницы, подмастерья, секретаря).

Взаимоотношения в принципе становятся как будто более значимым фактором жизни художественного сообщества – об этом можно судить на примере дружбы Юлии Оболенской и следующей нашей героини Магды Нахман.

Итак, Юлия Оболенская (1889–1945) была одной из тех учениц школы Е. Званцевой, чье имя долгое время числилось в категории забытых. Поэтому настоящим культурным событием и открытием стала первая персональная выставка «Возвращая забытые имена: Графика Юлии Оболенской» в 2016 году[386]. Собрана она была из графических листов, которые в 1959 году были списаны из литературного музея и попали в отдел реставрации графики ВХНРЦ им. акад. И. Э. Грабаря, их предполагали использовать для экспериментирования с техниками реставрации. Обнаружив высокое качество графических листов, сотрудники отдела не стали использовать их для задуманных целей и поставили на учет научно-вспомогательного фонда, но заняться разбором коллекции реставраторы смогли только в 2015 году. Эти работы принадлежали Юлии Оболенской.

Отрадно, что сегодня исследований о жизни и творчестве художницы Юлии Леонидовны Оболенской значительно больше[387]. В архивах (РГАЛИ, ГТГ, ГЛМ) сохранились дневники художницы и переписка с Н. Тырсой, К. Кандауровым, М. Нахман, Н. Грековой, Н. Лермонтовой, М. Волошиным, А. Блоком, В. Ф. Ходасевичем, К. Ф. Богаевскими и др., а также знаменитый доклад о школе Званцевой[388] – главный источник информации о школе.

Известно, что Юлия Леонидовна хотела издать книгу о совместной с Константином Кандауровым[389] жизни и работе. Масштаб одаренности обоих художников был велик, и художница дала обещание: «Материалы для истории нашей жизни с К. В. Кандауровым, которую я обещала ему написать, и мы хотели писать ее вместе»[390]. Но, к сожалению, плану не суждено было сбыться.

В 1928 году Юлия Оболенская приняла участие в 16-й Венецианской Биеннале в павильоне СССР[391], ее работы, представленные там, в настоящий момент хранятся в Русском музее, Третьяковской галерее, Доме-музее Волошина, Государственном литературном музее и многих других российских музейных фондах.

Оболенская Ю. Автопортрет. 1918. Астраханская государственная картинная галерея им. П. М. Догадина.

Юлия Оболенская родилась в 1889 году в Санкт-Петербурге в семье писателя и литератора Леонида Егоровича Оболенского и Екатерины Ивановны Оболенской. Семья Оболенских принадлежала к поместным дворянам.

Брат Юлии Леонид Леонидович Оболенский был банковским служащим и дипломатом, жил с семьей в Перми и Нижнем Новгороде. С сестрой у него были теплые отношения, несмотря на разницу в возрасте в шестнадцать лет. Позже он занялся общественной и политической деятельностью, в 1915 году стал меньшевиком, а после революции примкнул к большевикам. В 1920 годы занимался дипломатической деятельностью: был советским полномочным представителем в Польше, в конце 1920-х работал в Народном комиссариате просвещения, а в последний год своей жизни – 1930-й – успел поработать директором Эрмитажа.

Оболенская училась сначала на курсах живописи в Обществе взаимного вспомоществования русских художников[392], а потом продолжила обучение в школе Званцевой в Петербурге.

В школе Званцевой Юлия училась сначала у Бакста (с 1907-го по 1910-й) а с 1910-го до 1913-го – у Петрова-Водкина. Оболенская много и тесно общалась с однокурсницами, в переписке очень интересно описан 1917 год – время больших перемен в стране, которые отразились на жизнях каждой из них[393].

Оболенская Ю. Коктебель. Крым. 1917. Вологодская областная картинная галерея

Исследовательницы Ольга Темерина и Евгения Савинкина отмечают заметное влияние на творческую манеру Оболенской К. С. Петрова-Водкина. Например, это прослеживается в ее знаменитом автопортрете 1918 года (Астраханская Государственная картинная галерея), сделанном на основе фотографии художницы в Коктебеле (1913). Колористическое и композиционное решение портрета в духе учителя К. С. Петрова-Водкина – высокая точка обзора и исполнение по принципу «трехцветки»[394]. В более поздних работах влияние учителя тоже заметно – например, в работах «Слепцы» 1924 года и «К. Кандауров в Бухаре» 1925 года рисунок строится по осям геометрических форм.

Сильное воздействие на профессиональное формирование художницы Юлии Оболенской окажет организатор выставок и художник Константин Кандауров, с которым она познакомилась в 1913 году и не разлучалась вплоть до его смерти в 1930 году[395].

Кроме того, Темерина и Савинкина отмечают[396] «мирискуснические» мотивы в работах Оболенской: известно, что Юлия Леонидовна принимала участие в выставках и поддерживала дружеские связи с художниками объединения. Однако, по ее собственным словам, она не считала себя их последовательницей.

Важно также отметить, что многие художницы, о которых мы говорим, не попадали в современный художественный «мейнстрим» 1910 годов, который был представлен с одного фланга мирискусниками, с другого – отрицающими прошлое левыми (авангардистами), а с третьего – социально ориентированными передвижниками, которые к тому времени практически влились в академическую традицию. Лина Бернштейн в статье «Забытые художники школы Званцевой»[397] пишет о том, в каком странном положении оказались художники и художницы после революции – те, кто не вписался в левый авангард, те, кто не был в «Мире искусства», не могли найти себе место в новой системе советских ценностей.

«В 1917–1921 годах, в годы бурной деятельности левого искусства (которое мы называем авангардом), другие художники, хотя и выросшие в тени Мира Искусства, а затем Аполлона, но никогда не принимавшие эстетического кредо этих двух группировок за основу своего творчества, оказались невостребованными своим временем, а впоследствии и вовсе забытыми»[398].

Отношение Юлии Оболенской к социалистическим идеям можно описать как нейтральное и даже лояльное. Это могло быть связано с тем, что рядом с ней была ее семья, ее партнер, то есть внутренние связи оказались настолько крепкими и поддерживающими, что внешние факторы как будто не так сильно влияли на ее жизнь. Хотя нельзя сказать, что революция, голод, Гражданская война, а также советская репрессивная система обошли ее стороной и не коснулись ее жизни. Так, ее кузен Валериан Валерианович Оболенский (экономист, партийный деятель) был расстрелян по делу Бухарина – Рыкова в 1938 году[399]. Людмила Алексеева пишет, что нет свидетельств, общались они или нет, но вряд ли смерть родственника могла оставить ее равнодушной[400]. Кроме того, сохранились собственные записи Оболенской об обысках у нее дома.

Из дневника 1920 года:

«С горечью думаю о начинающихся обысках. У меня ничего нет – ни продовольствия (какое там!), ни денег, ни оружия – тем более грустно, что снова перетряхнут все мои тщательно подобранные письма и бумажонки. Никому кроме меня они не нужны, но хочется их сберечь, дорожу ими, как жизнью…»[401].

Что позволило нам сделать вывод о ее лояльности по отношению к власти? В первую очередь, тот факт, что художница выполняла государственные заказы – например, взялась за украшение советского политического праздника, что впоследствии стало причиной ее ссоры с «обормотами». В это переходное время многие были без работы и денег, голодали, поэтому неудивительно, что художники брались за любую возможность заработать. Но внутри их круга общения сотрудничество с большевиками не всеми воспринималось с одинаковым воодушевлением. Некоторые считали работу на власть приспособленчеством, другие, напротив, считали, что нужно выступать более радикально.

Оболенская пишет в письме Волошину (август, 1918):

«С обормотами вышел у нас невольный разрыв из-за нашего участия в украшении 1-го мая. Только на днях зашел ко мне Михаил Соломонович Фельдштейн, и я радовалась его приходу как окончанию нелепой истории. Но вышло еще хуже, т. к. я не представляла себе степени их отчуждения и нарастания сплетен, какие выяснились из разговора. Он как будто даже и не хотел быть ко мне справедливым, извращал мои слова и ушел, приглашая меня в Быково, но заключая, что таких, как я (то есть признающих “ответственность всякого перед всеми”), в России тысячи, и все это вздор»[402].

Л. Бернштейн[403] упоминает этот конфликт «обормотов» не только с Юлией Оболенской, но и с Магдой Нахман. Обе художницы, пишет Бернштейн, зимой 1917–1918 годов брались за любые заказы, в том числе театральные, оформительские. В это время Нахман жила в одной квартире с Верой Эфрон и другими знакомыми в Мерзляковском переулке (сам Сергей Эфрон участвовал в сопротивлении большевикам, бежал из Москвы и присоединился к Добровольческой армии). Жители квартиры отреагировали весьма негативно на тот факт, что Магда и Юлия взялись за заказ на украшение Москвы к первомайским событиям. Соседей настолько разгневала эта ситуация, что они на какое-то время даже устроили бойкот Нахман.

В этой работе по оформлению агитплакатов и материалов для города участвовал и Кандауров. Исследователь агитационного искусства революционных лет А. Райхенштейн описывает, как молодые художники включились в работу по оформлению центра Москвы[404]:

«<…> наиболее близкое участие приняли художники Иванов, Моргунов, Удальцова, Нахман, Кандауров, Оболенская, Решетников. Кроме того, некоторые архитекторы. Все художественные задания по украшению выполнялись силами художественных мастерских Московского Пролеткульта»[405].

Оболенская и Кандауров часто работали вместе, другая их совместная работа, которая также была связана с агитацией, – кукольный спектакль «Война карточных королей» (1918). Кукольный спектакль был вполне в духе агитмассового искусства первых послереволюционных лет. Со стороны государства был сформулирован четкий запрос на новую революционную драматургию, и такой «народный» формат, как балаган, отлично подходил для этих целей.

Оболенская Ю. Книга. Война королей. Из серии «Петрушка». Кукольный театр 1918. Государственный центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина

Главная задача состояла в том, чтобы разными способами вовлекать людей, пропагандировать таким образом социалистические ценности как можно большему количеству людей. Специфика кукольных агитпьес заключалась в том, что в карнавальное уличное представление в качестве персонажей включались политические фигуры революционной России.

Пьеса Оболенской и Кандаурова «Война карточных королей» – одна из первых в этом ряду – была создана для Московской театральной студии «Петрушка» при Театральном отделе Народного комиссариата просвещения. Пьеса была приурочена к первому юбилею Октября. Позже студия стала выпускать наборы кукол к этой пьесе, чтобы можно было направить их в кукольные театры других городов страны.

Текст был написан самой Юлией, книга сделана в стилистике кукольного театра и одновременно близка к эстетике игральной карточной колоды. Рассказ ведется от лица Петрушки, который, выходя на сцену в прологе, называет себя «товарищем». Спектакль повествует о войне, которую затеяли «короли всех мастей» друг против друга, потому что каждый из них хотел власти над остальным миром.

Вероятно, лояльное отношение Ю. Оболенской к власти было отчасти связано с тем, что ее партнер К. Кандауров был настроен нейтрально к происходящему революционному перевороту, это отмечают исследовательницы и Л. Алексеева и Л. Бернштейн. Константин Васильевич считал, что революция 1917 года и приход к власти большевиков не сильно повлияет на их частную жизнь. Что кажется несколько странным, учитывая тот факт, что многие коллеги, друзья и знакомые уезжали из страны. Так произошло с Ходасевичами, Цветаевой, Добужинским. Мы помним, что это было время массового исхода из России творческой интеллигенции.

Оболенская не собиралась уезжать из страны, однако в 1926 году она часто пишет о том, как обесцветилась ее жизнь. В переписках с Кандауровым и другими она с грустью пишет о тех, кто погиб, о тех, кто переехал, о своих чувствах и переживаниях по этому поводу. Умерла одна из ближайших подруг и коллег по школе Званцевой Надежда Лермонтова, сама Елизавета Званцева, умер Леон Бакст, затем мать Волошина – Елена Глезер, которая играла большую роль в жизни их сообщества обормотов.

Переписка с друзьями и подругами играла большую роль в жизни художницы, это поддерживало ее в непростые времена[406]. Интересно, как постепенно и как будто естественно складывались условия взаимной поддержки, горизонтальных связей, того, что сейчас мы могли бы именовать терминами «сестринство» и «самоорганизация». Друзья круга Оболенской и Нахман постоянно переписывались, хлопотали друг о друге, помогали с едой, материалами, работой и т. д. Известно, что Оболенская продолжала общаться с Елизаветой Званцевой и ее опекать, когда та переехала в Москву и жила в довольно стесненных обстоятельствах. Оболенская переписывалась с Нахман, Грековой, Лермонтовой, в письмах художниц запечатлены значимые исторические события, но даны они через очень личные переживания страха, беспокойства, тоски и др.

Например, отвечая на письмо Оболенской про большевистский переворот в Москве, Надежда Лермонтова пишет:

«Получила Ваше письмо после разгрома Москвы. <…> Больше всего меня мучает мысль: буду ли еще когда-нибудь работать? Я уступила болезни и не работала с сентября, а теперь трудно начать и не только из-за нее, но и от общего плачевно-хаотического состояния страны. Поэтому советую Вам не бросать ни на минуту кистей и карандаша, а то захлестнет море нашей теперешней без-образной, бесформенной, безгосударственной <так> – без-нравственной и бес-смысленной российской жизни – и пропадет последняя надежда выплыть когда-нибудь на берег. <…> Маня Пец все в Райволе и в Питер и приезжать не хочет, да теперь, когда всех громят, все же более лестно видеть погром своего жилища собственными глазами, чтобы было о чем вспоминать»[407].

Голод и материальные лишения не обошли жизнь Юлии Оболенской, в письме Магде она упоминала о так называемой «московской диете»:

«…мороженая картошка на рыбьем жиру прошлогодней покупки, мороженая горькая капуста и глинистый горький хлеб/190 р. фунт! Хочешь – выздоравливай, хочешь – помирай и становись в очередь за гробом. <…> еще для праздника пила кофе с черным сухарем и сахарным песком (немного выдали). Сухарь пахнет мылом, сахарный песок керосином, кофе ничем не пахнет, потому что его там и нет. Все время чувствуешь голод – но не думай, чтобы я жаловалась»[408].

Сложно было сохранять приверженность предыдущим увлечениям и поддерживать привычный образ жизни, многие вещи потеряли прежний смысл перед лицом грядущих политических изменений. Юлия Оболенская пишет о том, как ходила слушать доклад Андрея Белого о путях культуры, как встретила знакомую, которую «не узнать» и у которой голодают родители. Потом она упоминает о том, как непохожа их нынешняя жизнь на прежнюю и как странно в такое время воспринимаются романы:

«Как странно читать теперь книги, прежние романы. Я иногда на ночь читаю, чтоб это почувствовать: всю их нереальность, детскость. Все это игрушечное в сравнении с той жизнью, которая сейчас и неужели все это было веками?»[409]

Вероятно, главное чувство, которое вызывает эта история о молодых художницах на пороге крупных исторических перемен – ощущение надвигающейся трагедии. Новая эпоха непрекращающимся потоком событий взывала к осуществлению выбора жизненных и политических позиций и формировала способность быстро ориентироваться в пространстве.

Новая мораль рубежа веков противопоставляла себя «буржуазной морали», требовала пересмотра ролей мужчин и женщин, особенно в художественных кругах, а также новых взглядов в отношении замужества, развода, гомосексуальности[410], любовных треугольников, гражданского брака, материнства, абортов и пр. Лина Бернштейн пишет о том, что в среде учеников школы Званцевой активно обсуждались эти вопросы, а новые подходы к пониманию гендерных ролей исследовались на практике:

«Некоторые из них [учеников школы] открыто вступали в гомосексуальные связи, и все они читали и ценили гомоэротическую поэзию Кузьмина. Традиции дачи Волошина – нудистский пляж в тени Карадага; Пра в своем диковинном костюме с трубкой, а также другие женщины, одетые в брюки и ездящие верхом на ослах; сам хозяин дачи Волошин в древнегреческом хитоне – вызывали негодование соседей, которые выражали свое возмущение в местных газетах»[411].

Сама Юлия Оболенская и ее подруги (Лермонтова и Нахман) практиковали отношения вне брака, ни у кого из них не было детей, для каждой было характерно ставить вопрос профессиональной реализации на первый план. Все эти пункты сейчас не кажутся нам диковинными, но для женщин начала ХХ века такая поведенческая стратегия была редкостью. Главным предназначением женщины по-прежнему считалось замужество и материнство, отношения вне брака часто осуждались и потому скрывались, а профессиональная реализация воспринималась не просто как необязательная, но часто как мешающая реализации более важной роли.

В связи с гендерной проблематикой, помимо вопроса о межполовых отношениях, интересно упомянуть также о самом характере Юлии. Исследовательница Л. Алексеева, описывая его, оперирует такими словосочетаниями, как «бойкий нрав, мальчишеские повадки», «не совсем женское обаяние»[412]. Кроме того, Л. Алексеева пишет о том, что Оболенская больше общалась с мужчинами, а также писала шуточные письма от мужского лица. Из переписки с Кандауровым следует, что он иногда называл Юлию Леонидом, а в шуточной переписке С. Эфрон упоминает про «раздвоение личности» Оболенской, в которой, помимо тихой Юлии, живет дерзкий брат Юлиан.

Эти свидетельства в очередной раз говорят нам не только о нравах конкретных художниц, но и о приемлемости в дворянских кругах неконвенциональных поведенческих стратегий и более либерального образа женщины, чем, например, в конце XIX века.

Кажется важным отметить характер личного и творческого партнерства Оболенской и Кандаурова. Знакомство произошло на даче у Максимилиана Волошина, о чем Юлия Леонидовна рассказывает в дневнике[413], именно Константин Васильевич сблизил Юлию и Магду с этой компанией, которая сначала была довольно холодна к молодым художницам.

Позже Оболенская и Кандауров общались по переписке, так как находились в разных городах – Юлия в Петербурге, Константин с женой в Москве. Оболенская, как и коллеги по школе Званцевой, участвовала в выставках, организованных Кандауровым. Говоря о выставке и о новом языке, о «времени перемен» (а это 1914 год), он очень надеялся именно на художниц, в том числе и на Юлию Оболенскую:

«Выставка будет сильная и если все будет так, как я хочу, то произойдет взрыв среди художественных обществ. Середины не будет, будут или ругать, или хвалить. Лучше всех будут женщины-художники»[414].

Этот факт интересен тем, что в художественном пространстве появилось много художниц, однако мало кто осмыслял этот социальный и культурный феномен. На наш взгляд, Кандауров здесь выступает как человек, организующий художественный процесс, то есть не находящийся наверху академической или институциональной иерархии. Возможно, поэтому он отмечал явные изменения, именно так он формулирует свою мысль: «лучше всех будут женщины-художники».

Оболенская Ю. Художник Кандауров К. В. В Бухаре. 1925. Государственный музей истории российской литературы имени В. И. Даля

Обратим внимание на то, что Кандауров в письмах все время упоминает, как хвалили Оболенскую критики, знатоки, художники знакомые и незнакомые. Это очевидный знак поддержки, что говорит о его профессиональном уважении к художнице и о партнерском, равном его отношении к ней. Например:

«Сегодня чуть не продал твой большой Виноград. Был у меня один из пишущих в газетах и сказал, что ты восходящий талант и будущий крепкий художник. Он сознался, что первый момент подумал о подражании Водкину, потом увидел, что этого нет и что вещи прекрасные. Я рад был все это слышать. Но ты опять мне не поверишь, но я клянусь, пишу всю правду»[415].

В другом письме Оболенской от 24 февраля 1915 года Кандауров пишет:

«<…> Сегодня был у меня один из членов совета Третьяковской галереи и очень хвалил твои два портрета, твой и мой, упорно называл тебя он очень талантливой <…>»[416].

У многих возникал вопрос об их личных отношениях: они находились в партнерстве, хотя и жили в разных городах. Кандауров все еще был женат на Анне Владимировне Кандауровой, Оболенская знала об этом, и Кандауров неоднократно писал, что не может сложить с себя обязательства за жену.

Их отношения можно считать наглядным примером либерализации гендерных представлений, о которых писала в 1913 году «Новой женщине» Александра Коллонтай[417]. Как молодая профессионалка, женщина с хорошим образованием, живущая в большом городе, Оболенская могла позволить себе быть незамужней, свободной и официально не оформлять романтические отношения и встречаться с женатым мужчиной.

Волошин пишет Оболенской: «Вы оба женаты на Анне Владимировне»[418].

В 1916 году Юлия, ее мама и отчим Фёдор Константинович Радецкий перебрались в Москву в большую квартиру на 1-й Тверской-Ямской, которая походила на коммунальную – кроме семьи Юлии, в ней проживала семья Сергея Радецкого и иногда приезжал старший брат Юлии Леонид. Остальные комнаты занимали друзья, сюда же в 1920 году на несколько лет поселится подруга Магда Нахман[419].

Константин Кандауров умер в 1930 году, Оболенская была рядом до последнего. После его смерти она не уехала и до конца жизни жила в Москве. Здесь с ней случилась «еще одна душевная привязанность»[420], тоже непростая, но чрезвычайно важная для художницы.

В 1930 годы Оболенская работала преподавательницей во Всесоюзном доме народного творчества им. Н. Крупской, где учила самодеятельных художников, в 1940-е сотрудничала с Детгизом, который стал в некотором смысле убежищем и оазисом для многих модернистских художников этого время[421].

Умерла Юлия Оболенская в декабре 1945 года в Москве.

Магда Нахман

Будучи подругой и коллегой Оболенской, Магда Нахман избрала почти диаметрально противоположную стратегию существования в послереволюционной России. Примечательно, что именно через переписку художниц[422] мы можем наблюдать, как разворачивались их диалог и дружба на фоне событий большой истории[423].

Эмигрировав вместе с мужем, Нахман продолжала профессиональную деятельность, хоть это не всегда было просто; так, в Германии семья жила довольно бедно. Позже, переехав в Индию, она продолжила работать как художница и начала преподавать. Кроме того, она стала активно участвовать в индийской художественной жизни, в том числе вступив в местный союз художников. Несмотря на сложности в связи с постоянными переездами, можно констатировать, что Магда Нахман всю жизнь работала в профессии и принимала участие в выставках, была частью институциональной системы в тех странах, в которых она оказывалась.

Глядя на жизненные пути подруг художниц – Магды и Юлии, кажется, что они хорошо иллюстрируют это противоречивое, полное разнонаправленных движений и политических событий десятилетие. Несмотря на дружбу и совместное начало профессиональной карьеры, художницы оказались в разных условиях по итогам смены политического режима, как и многие коллеги и друзья, с которыми наши героини жили, общались и вели переписки. Но кажется важным, что обе они продолжали всю жизнь оставаться в профессии, пусть им не всегда удавалось заниматься станковой живописью и следовать только за своей творческой интуицией, но удавалось и преподавать, создавать иллюстрации и сценографию.

«Квартет»: сидят на скамейке справа налево Магда Нахман, Варя Климович-Топер. За ними справа – Юлия Оболенская, слева – Наталия Грекова (фотография) (около 1908 г.) Российский государственный архив литературы и искусства

Магда Нахман (1889–1951) родилась в Петербурге в весьма обеспеченной семье. Отец Максимилиан Нахман имел еврейское происхождение, переехал из родной Риги, чтобы поступить на юридический факультет Петербургского университета. После окончания обучения был успешным юристом, работал юрисконсультом в немецком посольстве, представлял интересы частных лиц. Позже он женился на немке Кларе Эмилии Марии фон Рёдер, в их семье родилось семь детей, Магда была предпоследним ребенком. Все дети были крещены в лютеранской церкви, хотя отец исповедовал иудаизм.

Как и все немецкие дети Петербурга, Магда училась в Училище Святой Анны[424]. Она окончила гимназию в 1906 году, успешно сдала экзамены, получила диплом и серебряную медаль, дававшую право преподавать в гимназиях и служить гувернанткой. Причина, по которой она решила не останавливаться на полученном образовании, а продолжить его в сфере искусства и стать профессиональной художницей, неизвестна: было ли это решение принято вопреки родительской воле или семья, напротив, содействовала ей.

Нахман М. Выставка учеников школы Званцевой в журнале «Аполлон». 1910. Российский государственный архив литературы и искусства

Еще до окончания гимназии она начала ходить в Общество взаимного вспомоществования русских художников и в целом давно увлекалась искусством. Здесь она училась вместе с Юлией Оболенской и отсюда же они позже ушли в поисках нового метода преподавания, нового подхода к искусству, потому как чувствовали, что методы академии устарели. Так была найдена школа Елизаветы Званцевой, куда в 1907 году поступили наши героини. Магда и Юлия ездили летом на дачу к Волошину в Коктебель, участвовали в выставках[425], работали и какое-то время даже жили в одной квартире.

В 1916 после закрытия школы Званцевой Нахман переезжает из Петербурга в Москву. Л. Бернштейн пишет о том, что Нахман переехала, вероятно, из-за отношений с Борисом Грифцовым – литературоведом и переводчиком, одним из «обормотов»[426].

В 1917–20 годах Магда много работала в разных городах страны – оформляла театральные постановки и даже трудилась на лесопереработке. В 1922 она вышла замуж за индийского деятеля освободительного движения – М. П. Т. Ачарию, в конце 1922 года Магда уезжает с ним в Берлин, а после прихода к власти нацистов в 1933-м они уезжают в Бомбей. Там она активно работала как художница и преподавала вплоть до самой смерти в 1951 году.

Нахман М. Крестьянка. 1916. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

В ранних работах Нахман ощутим водкинский стиль. Одна из немногих сохранившихся работ того времени – живописное полотно «Крестьянка» (1916, Государственный музей изобразительных искусств республики Татарстан, Казань), в которой чувствуется водкинский подход к композиции, перспективе и цвету. Исследовательница Наталья Герасимова сравнивала эту картину художницы со знаменитой работой Петрова-Водкина «Мать» (1913, Государственный Русский музей), которая действительно имеет сходное композиционное решение[427].

Отметим, что в работах до 1910 года чувствуется совсем другой стиль. Например, ее крымские пейзажи или знаменитый прижизненный портрет Марины Цветаевой (1913, Дом-музей Марины Цветаевой, Москва). Интересно, что сама художница считала себя ученицей скорее Бакста, чем Петрова-Водкина.

Нахман не стала абстракционисткой, но, безусловно, была модернисткой, искавшей новые художественные языки, противостоящие академизму. Примечательно, что в 1930–40 годы, уже в Индии, она проходила процесс, сходный с тем, что проходила в начале века в России – в том смысле, что нужно было лавировать между авангардным подходом к искусству и необходимостью соответствовать ожиданиям, которые предъявлялись к индийским художникам. Их так же обвиняли в желании подражать западным авангардистам.

Нахман М. Портрет М. И. Цветаевой. 1913. Дом-музей Марины Цветаевой

Важно отметить и весьма печальный факт – работы Нахман начального периода считаются утраченными, а позднего периода, то есть индийского, находятся в основном в частных коллекциях, поэтому недоступны для широкой аудитории.

Период с 1917 по 1922 год – переломный момент одновременно и для судьбы страны, и для судеб художниц. Именно тогда переписка Нахман и Оболенской была особенно активной. Остановимся на этом подробнее.

Эти годы Магда Нахман проживала очень тяжело – у нее не было столько же поддержки, как, например, у ее подруги Юлии Оболенской, живущей в собственном доме с родителями. Часть семьи Нахман постоянно жила в Петрограде, одна из сестер переехала с мужем в Швейцарию, другая же жила в Ликино (деревня в Московской области). Именно сюда отправилась Магда в 1918 году, когда в Москве практически не было работы, а атмосфера в их коммунальной квартире была максимально напряженной. Там Нахман устроилась на службу в контору Ликинского лесхоза, где ей пришлось надолго задержаться и по причине отсутствия денег, и по причине перекрытия коммуникаций (она пишет о том, что поезд перестал ходить туда). То есть фактически художница оказалась отрезана от мира. Только дружеская переписка с Оболенской поддерживала Нахман.

Письмо Нахман Оболенской от 23 мая 1919, Ликино:

«Хочу, чтобы ты меня помнила, потому что мне ужасно тоскливо здесь жить. Пришлось поступить на службу, и я теперь 6 часов провожу в конторе и считаю все время на счётах. Хуже занятия придумать трудно. Страшно утомительно и непродуктивно. Конторщики все безграмотная сволочь, хотя и считают лучше меня. А придешь домой, нет своей комнаты, нет даже своего стола, никогда нельзя быть одной, и мама по-старому мучается и меня терзает, и жалко мне ее <…>»[428].

Примечательны размышления Магды по поводу неумения художников зарабатывать на хлеб; видимо, та самая профессионализация так и не произошла, и обеспечить себя только работой художницы не получалось. Она писала Оболенской о своей и их общей тяжелой ситуации:

«Досадно за Раю[429], за себя. Везде Эфросы[430] сидят и ходу нет нам совсем. Отчасти это наказание за прошлую слишком эстетическую и обеспеченную жизнь, нет навыка к заработку, самоутверждения мало и зубов нет, чтобы кусаться и огрызаться, не отточены они у нас. Вот и без места она, а я в конторе на счётах щелкаю, и обе мы не у дела, а ведь есть у нас и вкус и умение и образование, а выходит так, что мы не нужны, а нужны Эфросы да Гогели[431] да проходимцы искусства да безграмотные, вроде Татлина и Софьи и Пестель»[432].

Позже Нахман какое-то время работала в народном театре в Усть-Долыссах (близ Невеля Псковской области) – по приглашению актрисы Елизаветы Эфрон[433]. Благодаря этому осенью 1919 года Магда наконец смогла оставить работу на лесопереработке в Ликино. В театре Магда работала как декоратор, хотя условия были не лучшие – не было помощников и электричества. В письмах тех лет она обращалась к Оболенской с просьбой, чтобы та купила краски и бумагу. Она присылала деньги в Москву, не зная о том, что в Москве также невозможно раздобыть материалы и у Оболенской постоянная забота – добывание бумаги и красок, а купить их уже негде[434].

Выражение Магды «рисовать за продукты» много говорит о ее желании не терять профессиональных навыков. Насколько эта работа воспринималась более достойной, чем работа в Ликинской конторе? Трудно сказать, ведь, по сути, она была почти неоплачиваемая.

«Писать хочется до исступления! <…> Дрожу, что скоро наступит момент, когда в театре не будет материалов – холста совсем мало, красок тоже»[435].

Осенью 1920 года, когда финансирование театра совсем прекратилось, Магда вернулась в Москву. Спустя два года художница вышла замуж за М. П. Т. Ачарию, который жил в Москве с тех пор, как прибыл сюда за поддержкой в борьбе с английскими колонизаторами. Ко времени знакомства с Магдой он уже разочаровался в революции, был свидетелем Ташкентских событий[436] и считал, что большевистская колонизация обернется катастрофой для Средней Азии.

Нахман и Ачария, наблюдавшие эти события воочию, решились на эмиграцию. Юлия Оболенская, будучи убежденной в правильности всего происходящего, отзывалась о тех же событиях следующим образом:

«…меня вызвали в издательство “История гражданской войны”. Там я довольно неохотно приняла на себя иллюстрирование сборника, посвященного гражданской войне в Средней Азии[437]. Сборник состоял из воспоминаний участников, <…> – все вместе совершенно потрясло меня…, когда я читала растрепанные рукописи. У меня росли крылья. Особенно поражали воспоминания Колесова – первого председателя Совнаркома Узбекистана – ряд отчаянных по смелости подвигов, в общем, в моем понимании – целая поэма о том, как двадцатилетние мальчики завоевывали огромную территорию, равную по площади нескольким Европейским странам, отвоевывали ее у старого, хитрого и злобного мира и пытались строить на ней и строили начало новой, юношеской, еще в мире небывалой социалистической страны»[438].

О том, как Юлия и Магда по-разному переживали это время (околореволюционные годы, время Гражданской войны), пишет Л. Бернштейн[439] – она предполагает, что разница в отношении к происходящему может корениться в том, что Юлия считала репрессии некоторой платой за обретенную всеобщую свободу. Тогда как Магда гораздо яснее видела обратную сторону резкой смены политического режима: разграбление и разрушение деревень, аресты и убийства. И поэтому неудивительно, что Магда, в отличие от более оптимистичной подруги, не видела своего будущего в этой стране.

Несмотря на то, что обе происходили из дворянских обеспеченных семей, к 1917 году художницы оказались в разном положении: Юлия жила со всей семьей в большой квартире, жилищный вопрос для нее не стоял, близкие люди были рядом, и они сохраняли нейтральные политические взгляды на происходящее.

Что касается положения Магды, мы уже упоминали, что после переезда в Москву в 1915 году она была одна в городе, жила в коммуналке с товарищами, которые не всегда были дружны между собой. Более того, реальность, с которой Магда столкнулась, работая в провинции, не позволяла ей больше оставаться нейтральной.

В итоге Магда с супругом покинули Россию в 1922 году навсегда. Сначала они переехали в Берлин, где жили в среде эмигрантов, которые уехали во время (или после) Гражданской войны и красного террора. Они тесно общались с Владимиром и Верой Набоковыми, с которыми их познакомила общая подруга, кроме того, у Ачарии, который уже жил до этого в Берлине, остались приятельские контакты.

Известно, что семья жила очень бедно, но Магда не бросала занятия живописью. В 1928 в одной из берлинских галерей у нее прошла персональная выставка, о которой сохранился положительный отзыв Владимира Набокова[440]. Благодаря этой дружбе с писателем на свет появились портреты Набокова, его жены Веры и матери Елены Ивановны[441].

Как мы упоминали, отец Магды был евреем. В России она не слишком акцентировала внимание на своем происхождении. В Германии же Магду окружало большое число евреев из числа русских эмигрантов, поэтому не удивительно, что Нахман в свой берлинский период много работала над иллюстрациями для еврейских рассказов и календарей[442].

Ачария долго искал возможность эмигрировать в Индию, но это было затруднительно, потому что там ему грозил арест за его революционную деятельность в прошлом. Однако к 1935 году все же получилось организовать переезд: сначала уехал Ачария, годом позже уехала и Магда. Это было очень своевременно, ведь находиться в Германии в это время становилось все опаснее. После отъезда семьи в Индию, в 1937 году, работы Магды фигурировали на печально известной выставке «Дегенеративное искусство»[443].

Во время своей жизни в Индии Магда рисовала в основном портреты, пейзажи, натюрморты – они по большей части находятся в частных коллекциях. Кроме того, Нахман создавала декорации и эскизы костюмов для школы танца ее подруги Хильды Холгер, эскизы сохранились. Сразу же по прибытии в Индию художница вступила в Бомбейское художественное общество и регулярно участвовала в выставках, которые оно устраивало почти каждый год. Работы Нахман можно встретить в периодических изданиях и каталогах общества. Художественные критики отмечали консерватизм ее стиля и в то же время удивительный талант как портретистки.

Умерла Магда Нахман в 1951 году в Бомбее, в день открытия очередной персональной выставки.

Герта Неменова

Еще одна художница, чье имя должно быть заслуженно упомянуто в нашей работе, – это Герта Михайловна Неменова (1905–1986). Про нее, как и про многих героинь этой книги, известно не так много[444]. Известны ее экспрессивные литографии и запоминающаяся живопись, но поразительно и другое. Ее молодость пришлась на 1920–30 годы, то есть она успела поучиться практически у всех основных мастеров этого времени.

Искусствовед и друг Неменовой Ю. А. Русаков[445] писал о том, что она в высшем смысле считала своими учителями Кузьму Петрова-Водкина и Натана Альтмана[446], особо чтила Владимира Васильевича Лебедева, Николая Тырсу, Павла Филонова, была дружна с Михаилом Ларионовым и Натальей Гончаровой, от которых многое почерпнула в профессиональном смысле. Кроме того, ей удалось получить дополнительное образование в Париже в школе Фернана Леже. В 1920–30 годы и в Советской России и в Париже Герта принимала активное участие в групповых выставках, получала хвалебные отзывы учителей, коллег и критиков.

К сожалению, позже, в 1940–50-х, Неменова не так часто выставлялась, что было обусловлено многими факторами: помимо политических ограничений, имело место ее собственное нежелание быть включенной в официальную советскую художественную жизнь. Тем не менее она продолжала работать и развиваться профессионально – о чем свидетельствует огромное количество графики, созданной в этот период, и высокая оценка со стороны мирового художественного сообщества.

фотография Герта Неменова, 1920 гг. архив В. А. Курдова

Герта Неменова родилась в Берлине в 1905 году, где ее отец Михаил Исаевич Неменов оканчивал обучение на врача, позже он стал видным организатором науки и в 1918 году в Петрограде основал Институт рентгенологии и радиологии. Школу будущая художница окончила в Петрограде, а в 1922–1926-м училась во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе у Петрова-Водкина и Альтмана[447], в то же время она посещала мастерскую Павла Николаевича Филонова (Коллектив мастеров аналитического искусства).

Во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе Неменова училась вместе со своим будущим мужем Валентином Курдовым. Начиная с 18 лет художница участвовала в значимых для своего времени выставках[448], но, как пишет Ю. А. Русаков, непонятно по какой причине впоследствии «она всячески избегала даже упоминаний об этом»[449].

Одним из самых важных периодов ее жизни стал 1929 год – год, когда она отправилась в Париж, чтобы продолжить свое образование. В организации этой поездки отцу Герты Неменовой посодействовал знакомый ему А. В. Луначарский, а поехала она туда в обществе М. П. Кристи – в то время директора Третьяковской галереи.

Неменова Г. Творог. 1930. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства

Неменова сблизилась с Михаилом Ларионовым и Натальей Гончаровой (им в ее воспоминаниях уделено много внимания), Михаил Фёдорович познакомил ее с Пабло Пикассо, он же посоветовал ей поступить учиться к Фернану Леже в Современную Академию на Монпарнасе[450].

В Париже она познакомилась с Александром Бенуа, Сергеем Чехониным и другими, в 1930 году участвовала в 3-й выставке Салона независимых и в Осеннем салоне в Париже с полотном «Балерина». Эта работа особенно понравилась Ларионову[451].

Судя по собственным воспоминаниям Неменовой, Ларионов и Гончарова опекали ее, в то же время уважали ее как молодую коллегу – наставляли, советовали, критиковали. Художница описывает историю о том, как Гончарова рекомендовала ей выставиться и какие лучше взять работы, как их оформить и даже оплатила без ее ведома оформление, что наша героиня обнаружила, придя в салон.

За год с небольшим жизни в Париже она приобщилась к немного другой традиции – общаясь с русской эмиграцией, с европейскими художниками, а главное, с авангардистами первого поколения, она получила альтернативное дополнительное образование. Юрий Русаков пишет, что этот год наложил отпечаток на ее художественный стиль, а сама она сильнее всего хотела выставиться именно в Париже, но, к сожалению, при жизни больше не попала туда[452].

Позже, во второй половине 1930-х, Неменова работала в экспериментальной литографской мастерской Ленинградского Союза художников. Это была производственная художественная мастерская, которая стала оазисом эстетики модерна, потому как именно здесь оставалась возможность для эксперимента. Здесь работали многие художники, которым все сложнее было существовать в условиях постоянного идеологического давления и отсутствия материалов. Однако отметим, что открывать для себя литографию многие художники и художницы стали благодаря созданию этой мастерской. Интересно, что и здесь муж Неменовой Валентин Курдов[453] тоже числится среди участников.

Курдов занимался книжной графикой, в 1930 годы работал под руководством Владимира Лебедева[454]. Известно, что с Гертой Неменовой Лебедев был знаком и она высоко его почитала, но учителем он был скорее для Курдова, который в книге своих воспоминаний неоднократно вспоминает наставника[455].

В. В. Лебедев работал художественным редактором в Детском отделе Госиздата (отдел существовал с 1924 года), а в 1933 году на базе этого отдела было учреждено Детское государственное издательство, более известное как Детгиз.

Интересно что именно в таком неочевидном, на первый взгляд, месте происходило становление и профессиональное развитие многих известных нам художников и художниц. Среди подопечных Лебедева были Юрий Васнецов, Алексей Пахомов, Николай Тырса, Евгений Чарушин, Владимир Конашевич, Нина Носкович, Валентин Курдов, Евгения Эвенбах, Татьяна Шишмарёва, Мария Бутрова и другие.

В 1937 году некоторые сотрудники редакции ленинградского отделения издательства были репрессированы[456]. Самого Лебедева в 1936 году жестко раскритиковали в связи с его сериями рисунков о советской действительности, точнее о ее обывателях: «Девушки с букетами» и «Турецкие борцы»[457]. После этого в издательстве «Детгиз» собрали совещание и настоятельно рекомендовали художникам, в числе которых был Лебедев, впредь придерживаться принципов соцреализма.

Неменова Г. Автолитография. Сцена из спектакля «На дне» М. Горького, 1971. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства

И сам В. В. Лебедев, и его подопечные художники-графики были важны для Неменовой и как друзья, и как коллеги. Если в 1920 годы, на заре творчества, Герта в большей степени занималась живописью, то в 1930 годы стала все больше увлекаться графикой, чему, в частности, способствовала работа в литографской мастерской ЛОСХа. Ее литографии можно назвать экспрессивными, часто гротескными и предельно выразительными.

Несмотря на то, что Герта Неменова прошла главные школы того времени, что о ней хорошо отзывались и учителя, и коллеги-художники, ее имя не так широко известно. Это может быть связано с ее скромностью, а возможно, с нежеланием участвовать в унизительных отборах, связанных с жесткой цензурой (в 1940–50 гг.).

Интересно привести в качестве примера случай с публикацией графического альбома Неменовой, который был собран ей в конце 1950 годов. О нем мы узнали из тех немногих документов, которые находятся в открытом доступе: это прежде всего письма Ильи Эренбурга к Герте Неменовой конца 1960 – начала 1961 года. В них Эренбург отвечает на просьбу художницы выяснить причины, по которым ее графический альбом «Иностранные артисты в Ленинграде» так и не был издан в течение четырех лет. По просьбе художницы он обращается к главному редактору Ленинградского отделения Художественного фонда:

Москва, 1 декабря, 1960 года

«Уважаемый Всеволод Константинович, в Графическом цехе при Живописно-скульптурном комбинате Ленинградского отделения художественного фонда РСФСР четвертый год без движения находятся рисунки Г. Неменовой для книги “Иностранные артисты в Ленинграде”. Я очень ценю рисунки Г. Неменовой, поэтому позволяю себе обратиться к Вам с просьбой сообщить мне, будет ли выпущена эта книга и примерно в какие сроки»[458].

Спустя полтора месяца И. Эренбург, получив ответ от Художественного фонда, пишет следующее письмо художнице:

Москва, 15 января, 1961 года

«…В ответ на мое письмо т. Лаптев из Ленинградского отделения худ. фонда сообщает мне, что Живописно-скульптурный комбинат лишен прав на выпуск в свет издания, подобного Вашему альбому. Он полностью согласен с моей оценкой Ваших рисунков и согласен на самых выгодных условиях передать альбом любому издательству»[459].

Насколько нам известно, этот альбом Неменовой так и не был издан. Доступа к ответным письмам самой художницы у нас, к сожалению, нет, стиль официальной переписки («лишен прав на выпуск в свет издания, подобного Вашему альбому») – туманный, поэтому сложно дать однозначные выводы и интерпретировать факт невнимания к творчеству художницы. Возможно, это было обусловлено тематикой альбома (иностранные артисты), возможно, связано с нелояльностью самой Неменовой к официальным художественным институциям и с неактивным ее участием в официальной художественной жизни.

Неменова Г. Автолитография. Портрет Н. В. Гоголя, 1959. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства»

Но при всем этом, по словам Ю. А. Русакова, Неменова всегда дотошно требовала критики от художественного сообщества, хотя высшей оценкой для нее было признание европейское, французское. В зрелые годы она получила высокую профессиональную оценку. Произошло это благодаря английскому коллекционеру Эрику Эсторику[460], который, приехав в Петербург в 1960 году, заинтересовался литографией и скупил огромное количество работ ленинградских художников, в их числе были и работы Неменовой. В 1961 году Эсторик организовал в Grosvenor Gallery в Лондоне экспозицию «новых» ленинградцев. На афише выставки красовался портрет Ахматовой работы Неменовой, газета «Таймс» выпустила на выставку хвалебную рецензию, проиллюстрированную ее же работами[461].

Отдельно нужно сказать про финансовое положение Герты Неменовой: детство, юность и молодость в 1920 годы, когда она училась в Академии, она провела в довольно обеспеченной семье, где была домработница. А вот в поздние годы она жила в нужде и из гордости не просила и не принимала помощи.

Желая найти более подробную информацию о жизни и творчестве Герты Неменовой, мы обратились к воспоминаниям ее мужа Валентина Курдова, который писал, что Герта Неменова из тех художников, которые намеренно остаются в тени. На страницах своих мемуаров он упоминает ее всего несколько раз, например коротко, поверхностно в связи с его знакомством с Ларионовым[462] – при этом он не называет ее женой, но лишь «другом».

Это кажется несколько странным нам сейчас, ведь мы знаем, что Герта Неменова училась вместе с Валентином Курдовым: и в мастерской Петрова-Водкина, и в мастерской Филонова. Вместе с Курдовым участвовала в Литографской мастерской Союза художников. Ю. А. Русаков пишет о том, что женаты они были в 1930–40 годы (без точных дат), в этом союзе родился сын – Александр Валентинович Курдов (1932−1999). Исследователь отмечает, что Неменова и Курдов были очень разными:

«Люди совсем разные, если не противоположные, они в свое время поддерживали друг друга в искусстве и имели общий круг друзей – главным образом из среды учеников и последователей Лебедева»[463].

Но мы не можем сделать однозначный вывод о том, чем был обусловлен тот факт, что Курдов так мало написал о своей первой жене, не называя ее при этом женой. Для этого нет достаточной информации.

В воспоминаниях Ю. А. Русакова и его жены искусствоведа А. А. Русаковой Неменова представлена как довольно противоречивая личность. Помятуя ее нежелание участвовать в выставках или числиться в списке участниц уже прошедших мероприятий, вполне можно представить, что она сама не хотела быть упомянутой в воспоминаниях В. Курдова как жена.

В то же время, нужно отметить, что В. Курдов активно участвовал в организации посмертной выставки Неменовой и делал это с энтузиазмом, что позволяет предположить наличие его высокого профессионального уважения к ней[464].

Заключение

История искусства, фиксируя рождение и смену стилей, споры новаторов и академиков, процессы и закономерности развития различных форм, как дисциплинарная область знаний практически не ставила вопрос о профессиональном статусе женщины-творца. Если проще: почему в искусстве так мало женщин? Какие политические, экономические, социокультурные факторы могли мешать профессионализации женщины в искусстве? И при каких условиях тем не менее художница могла заявить о своей карьере в искусстве?

Мы описали четыре десятилетия развития российского искусства, в течение которых постепенно складывалось понимание профессиональной состоятельности женщины-творца, ее права на цеховое признание и возможность наравне с мужчинами получать профессиональное образование. Изменяя традиционный патриархальный уклад, представления о гендерных ролях и социальной активности, художницы требовали права на профессиональное признание и самостоятельную деятельность. Но можем ли мы говорить о полноценном завершении становления профессии художницы?

Ответ на этот вопрос надо начинать искать в последней трети XIX века, когда существовали явные институциональные препятствия, задерживающие, тормозящие профессионализацию художниц. Напомним, что до 1893 года женщина не имела возможности окончить высшие учебные заведения, например Императорскую Академию художеств, и получить профессию. Если подобные вещи происходили, как свидетельствует биография Софьи Васильевны Сухово-Кобылиной, то они были редким исключением из правил. Зачастую женщина, оказавшаяся в Академии, могла рассчитывать стать не более чем вольнослушательницей. Однако даже для посещения занятий в этом качестве женщине требовалась значительная начальная подготовка: она должна была обладать навыками рисования и живописи и сдать вступительный экзамен.

При этом как само собой разумеющееся предполагалось, что у будущей вольнослушательницы должны были иметься значительные средства (на краски, холсты, материалы и инструменты) и масса свободного времени для посещения классов, которые длились несколько лет.

Получить профессиональное художественное образование в Академии или частных студиях могли себе позволить только представительницы благородных сословий. Внешние препятствия (трудность поступления, дорогостоящее содержание обучения, гендерная дискриминация) осложнялись и препятствиями внутренними. В сфере искусства у художницы вплоть до последней трети XIX века практически не было ориентиров в творчестве и карьере, то есть мотивирующих примеров творческой деятельности других известных художниц (за исключением редких ярких имен рубежа веков). Таким образом, художественная профессия для женщины в российском искусстве второй половины XIX – начала ХХ века становилась синонимом первопроходчества.

Справедливости ради, стоит сказать, что на протяжении XIX века кроме Академии изящных искусств существовали другие образовательные институции, например рисовальная школа при Обществе поощрения художеств, которую окончили многие из героинь нашей книги. Рисовальная школа была менее престижной, однако по ее окончании многие женщины могли заниматься прикладным искусством, продавать свои работы на выставках, а также получать новые заказы благодаря деятельности Общества. Словом, глубоко поощрительная к женскому образованию программа Общества сделала возможной первичную профессионализацию художниц середины XIX века. По нашему мнению, именно школа при Обществе косвенно повлияла на будущие реформы в самой Академии, своим многолетним успешным примером доказав ценность и пользу женского художественного образования, а также компетентность собственных выпускниц.

Однако, как оказалось, получению образования художниц значительно больше препятствовали традиционные консервативные представления сословного общества (вплоть до последней трети XIX века) о роли женщины в семье и обществе. Согласно популярной теории раздельных сфер областью самореализации благородной женщины должна была оставаться только приватная сфера – семья и дом. Замужество и рождение детей считалось для девушки абсолютно обязательным. Таким образом, женщина высокого сословия в XIX веке встраивалась в общество, только обладая определенным матримониальным статусом: дочь, невеста, жена, мать, вдова и т. д. Но никак не статусом самостоятельной женщины, имеющей профессию. Парадоксально, но эти патриархальные ценности поддерживали и разделяли не только мужчины, но и сами женщины.

На наш взгляд, одной из главных помех в профессиональном становлении художницы XIX века был труднопреодолимый конфликт между консервативным общественным укладом, готовящим женщину благородного сословия к исключительно матримониальным обязанностям, и зарождающимися профессиональными амбициями, связанными с появившейся возможностью получения профобразования. Героини первых глав – художницы рубежа XIX–XX веков – по-разному преодолевали этот конфликт.

Что объединяет Софью Кувшинникову (1847–1907) и Елену Поленову (1850–1898), Марию Тенишеву (1858–1928), Елизавету Званцеву (1864–1921) и Анну Остроумову-Лебедеву (1871–1955) – общая художественная среда, одни ценности и социальные установки. Учителями многих художниц, о которых мы говорили, были Павел Чистяков, Илья Репин, Василий Матэ. В качестве коллег и товарищей в письмах, мемуарах, высказываниях художниц упоминаются Савва Мамонтов, Валентин Серов, Константин Коровин, Исаак Левитан, Михаил Врубель, Александр Бенуа, Сергей Дягилев, Константин Сомов, Лев Бакст, Александр Головин, Дмитрий Кардовский и др. То есть наиболее талантливые и влиятельные действующие лица эпохи.

Наше повествование о художницах мы не случайно начали с имени Елены Поленовой. Она существенно повлияла не только на собственный круг общения, но и в значительной мере – на фольклорные интересы художников Абрамцевского сообщества.

Искусство Поленовой было настолько разноплановым, что его смело можно назвать соединительной нитью двух важнейших для эпохи явлений: со своими лирическими живописными и акварельными пейзажами она участвовала в выставках передвижников, а с фольклорными детскими иллюстрациями[465] – в выставках «Мира искусства».

Многие героини этой книги обладали не только значительными художественными дарованиями. Они участвовали в формировании активной художественной жизни и расширили само понятие «художник», существовавшее на рубеже веков. Новая среда, наравне с живописью, органично включала творческую личность в публицистику и художественную критику, в организацию занятий и досуга, исследовательскую практику и преподавание, в дизайн предметно-пространственной среды и эксперименты в различных декоративно-прикладных областях. Отныне художник мог участвовать в организации выставок или в формировании коллекции.

Возникновение подобных горизонтальных связей между художниками также стало одной из ярчайших характеристик искусства эпохи модерна. Елена Поленова писала о том, как именно после переезда из Петербурга в Москву в сообществе молодых художников (учеников своего брата) она нашла новые пути к развитию собственного творчества. Елизавета Званцева основала собственными усилиями одну из первых в России частных школ современного искусства и в качестве преподавателей пригласила не своих учителей, а своих товарищей – молодых художников Константина Коровина, Валентина Серова, Николая Ульянова, позже Льва Бакста, Мстислава Добужинского, Кузьму Петрова-Водкина. Посещая занятия в петербургской школе Званцевой, Анна Остроумова-Лебедева, будучи уже состоявшейся профессиональной художницей, приходила туда именно за мастерством, видением и харизмой товарища по «Миру искусства» – Льва Бакста.

Альтернативные частные образовательные инициативы, объединения и институции создали ту благоприятную эмансипационную горизонтальную среду, в которой у художницы появилось значительно больше возможностей для профессиональной реализации. Более того, дальнейшее воспроизводство такой среды стало востребованной практикой и фактически личной задачей для многих художниц. Елена Поленова и Мария Тенишева создали в имениях Абрамцево и Талашкино ремесленно-кустарные мастерские, в которых наравне с мужчинами работали женщины и дети. В упомянутой школе Елизаветы Званцевой также не было ограничений ни по полу, ни по возрасту, ни по сословию.

Говоря об искусстве и художественной жизни начала ХХ века, очень сложно выбрать самое главное, потому что искусство этого периода было невероятно плодотворным, совершенно нелинейным и абсолютно разным. Для нашей книги одновременно важны и утрированно авангардная линия Надежды Удальцовой и Веры Ермолаевой, и развивающаяся параллельно ей линия фигуративного модернизма, воплощенная в творениях Варвары Бубновой, Юлии Оболенской, Магды Нахман и Герты Неменовой, и также зарубежный авангард Марианны Верёвкиной.

Объединяющим вектором для разных линий этого периода стало понимание искусства как предельно модернистского по своей сути. Несмотря на бурный рост многочисленных объединений художников, групп, блоков, ассоциаций или союзов (в том числе – творческие пары, то есть семьи художников[466]), в собственном творчестве многие художники оставались абсолютными индивидуальностями. Работа в соавторстве противоречила модернистской парадигме в принципе[467].

Первое поколение авангардистов рассматривало собственное искусство как реальный преобразовательный проект по изменению всеобщего миропорядка, отсюда углубленное изучение теории с целью не только создать собственную доказательную базу, но и найти новые пути интерпретации жизни, творчества, стиля. Поэтому преподавание становилось закономерным способом распространения влияния собственного дискурса в своей среде и передачи знаний о нем новым поколениям.

Именно в эту эпоху художники (и не только авангардные) начали теоретически осмыслять собственное искусство и современность с точки зрения техники, философии и формообразования и встраивать себя в исторический ряд предшественников. Кроме идеологических предпосылок, это было связано также с постоянно усложняющимися понятиями формы, на которые влияли как новые научные открытия в области физики, оптики или механики, так и увеличивающаяся скорость передачи информации (медиа)[468]. Эта рефлексивная, теоретическая деятельность, в частности, подводила к идее институционализации этих горизонтальных объединений.

После революции частично усилиями сверху, а частично силами самих же художников началось создание государственных учебных заведений и различных организаций художественной направленности, призывавших передовое искусство на службу новой республике. Институции эти изначально создавались как передовые и экспериментальные. В основе их программ было изучение и преподавание авангардного искусства.

Однако заметим, что даже в левом искусстве женщины-художницы часто приглашались коллегами-художниками на роль ассистенток, помощниц, распорядительниц различных административно-хозяйственных отделов. Например, художница Варвара Бубнова, окончив полный курс академии в 1914-м, выбрала карьеру в авангарде, при этом параллельно работая в ИНХУКе одновременно в качестве исследовательницы и на казначейско-секретарской должности. В случае Бубновой ее исследовательская и преподавательская деятельность не создавала внутреннего конфликта с художественной, а, напротив, дополняла и углубляла ее.

Обратной стороной вовлеченности художниц в преподавательскую деятельность стало отсутствие времени на работу в собственной мастерской: все силы уходили на учебно-методическую и общественную работу. На это в своих дневниковых записях 1920 годов, в частности, сетовала Надежда Удальцова.

Надежда Удальцова – пример нового типа художницы-авангардистки, охватившей все направления деятельности, характерные для этого времени: и преподавание, и теоретическо-исследовательскую практику, и собственно художество. В дневниковых записях Удальцовой мы впервые встречаем размышления, часто в радикальном ключе, о собственном заработке, продаже работ, заработках коллег по цеху, иногда во взаимоисключающих категориях. Эти размышления подсвечивают проблематику индивидуальной и институциональной оценки художественного труда.

После революции, во времена карточно-пайковой системы распределения провизии, именно гибкость в поиске источников дохода позволяла художницам прокормить себя и свою семью. Но, с другой стороны, это существенно занижало планку профессиональных ожиданий и зачастую лишало возможности выбора работы, вполне соответствующей компетенциям художниц. В этих обстоятельствах работа секретарями-помощницами, методистами и иллюстраторами в журналах и книгах могла считаться еще вполне приемлемой для творческой личности. Художнице Магде Нахман, например, пришлось работать конторской служащей на лесозаготовках, что, разумеется, означало одно – перерыв в творчестве.

Художница Вера Ермолаева своей биографией иллюстрирует трагическое завершение авангардного проекта. Будучи вовлеченной во все ведущие авангардные институции, создавая собственные независимые объединения и группы, работая в музейной, в образовательной и художественной сферах, Ермолаева собирала вокруг себя круг талантливых последователей, друзей, коллег и учеников, болезненно переживала возвращение неоконсервативных тенденций в искусстве (формирование соцреалистического канона). Детская иллюстрация стала для нее убежищем, одним из немногих легальных способов воплощения собственных пластическо-реалистических методов. Арест и расстрел Ермолаевой в 1937 году, к сожалению, продолжил истории репрессий против авангардистов. Уцелеть в этой время удалось немногим. Чаще всего тем, кто оказался в эмиграции, как Марианна Верёвкина или Магда Нахман. Или тем, кто добровольно отправился в эмиграцию внутреннюю – как Герта Неменова.

Марианна Верёвкина – художница старшего поколения, ее юность пришлась на 70–80 годы XIX столетия, она застала расцвет круга Поленовых, работу мастерской Репина в академии и выставки Товарищества передвижных художественных выставок и «Мира искусства». Мы можем сказать, что ее художественное становление начиналось еще в эпоху до равного доступа мужчин и женщин к художественному образованию, что не помешало ее становлению и профессиональной деятельности в авангардной парадигме: творчество Верёвкиной отличал авторский индивидуализм, она активно участвовала в объединениях, теоретизировала о методах, задачах и способах нового выражения в искусстве, а также о его философской концепции. Кроме этого, занималась антрепренерской, менторской деятельностью для продвижения творчества своего партнера, изобрела собственный художественный язык.

Марианна Верёвкина была включена в европейскую художественную жизнь, пользовалась огромным авторитетом в европейском сообществе, активно выставлялась и была довольно известной и уважаемой художницей. Ныне Музей современного искусства в Асконе существует именно благодаря ее стараниям.

Художница Юлия Оболенская начала творческую карьеру в первое десятилетие ХХ века в кругу учеников школы Званцевой, на ее стиль повлияли учителя: Лев Бакст, Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, – а выставочная практика была связана с объединением «Мир искусства» и групповыми экспозициями художников-авангардистов. Для Оболенской, однако, фигуративная живопись была в приоритете. После революции она, как и Удальцова, осталась в Советской России, делала иллюстрации для Детгиза и преподавала во Всесоюзном доме народного творчества им. Н. Крупской. Подруга Оболенской, Магда Нахман, пройдя сходный путь в художественном образовании, после революции и гражданской войны эмигрировала и продолжила строить художественную карьеру сначала в Германии, затем в Индии.

Другая наша героиня, Герта Неменова, родилась в Берлине, год училась в Париже. Пройдя школы главных отечественных мастеров, в 1920–30 годы Неменова активно участвовала в групповых выставках в Европе (Париж) и в России. Поздний период творчества художницы характеризует изоляция от участия в советской официальной художественной жизни и работа «в стол», что косвенно объясняет неизвестность творчества Неменовой среди широкого круга зрителей.

Несомненно, каждая из художниц прошла огромный путь, творчество и деятельность многих из них – это последовательный шаг в профессии, повлиявший на будущие поколения художниц. И если в самом начале творческих исканий художниц речь шла буквально о самом малом – получении равного доступа к высшему профессиональному образованию, то в конце 1920-х мы видим, как художница становится полноценной участницей художественного сообщества, художественной жизни и художественного рынка.

Главной проблемой российских художниц стало отсутствие исторической представленности. В силу того, что само искусствознание не было нейтральным, в нем точно так же, как и в остальных гуманитарных сферах, господствовали вначале теория раздельных сфер, а затем и марксизм, эту теорию также впитавший. Оттого вплоть до появления первых феминистских исследований существование художниц как отдельной социально-исторической группы со специфическим комплексом социальных проблем игнорировалось.

На наш взгляд, задача интеграции художниц в историю отечественного искусства через призму феминистской оптики остается по-прежнему значимой и актуальной. Надо признать, что не обо всех художницах мы знаем достаточно, а о многих до сих пор вовсе ничего не известно. Исследователям искусства стоит продолжить заполнять эти лакуны и формировать новую понятийную систему, которая бы позволила увидеть историю искусства, где женщины и их творчество рассматриваются вместе, а главное, наравне с мужчинами.

Такой взгляд позволит критически оценивать и современную нам институциональную художественную систему на предмет устройства внутренней иерархии и инклюзивности по отношению к группам, оказавшимся по разным причинам вне фокуса внимания так называемой «большой истории искусства».

Библиография

«О приеме учеников в Высшее художественное училище при Императорской Академии Художеств, на основании устава Высочайше утвержденного 15-го октября 1893 г.» – СПб.: Типо-Литография К. Биркенфельда, 1907

Clark T.J. Image of the people. Gustave Courbet and the 1848 revolution. University of California press, Berkley and Los-Angeles, California. 1982.

Laučkaitė L. Ekspresionizmo raitelė Mariana Veriovkina. – Vilnius: Kultūros, filosofijos ir meno institutas, cop. 2007. – P. 215–216 (письма Верёвкиной на русском языке опубликованы в приложении к книге).

Nochlin L. Why Have There Been No Great Women Artists? // ARTnews 69, no. 9 (January 1971). P. 22–39, 67–71. Русский перевод: Нохлин Л. Почему не было великих художниц? // Гендерная теория и искусство. Антология: 1970–2000 / Под ред. Л. М. Бредихиной, К. Дипуэлл. – М.: «Российская политическая энциклопедия» (РОССПЭН), 2005.

ŽEN d’АРТ. Гендерная история искусства на постсоветском пространстве: 1989–2009. – М.: Московский музей современного искусства, 2010.

Абаренкова Е. В. «Московские частные художественные студии как явление художественной жизни России конца ХIХ – начала ХХ веков» (1996).

Автобиографическая практика в России и во Франции. Сборник статей под ред. К. Вьолле и Е. Гречаной. – М.: ИМЛИ РАН. 2006.

Агитационно-массовое искусство первых лет Октября. Материалы и исследования. – М.: Искусство, 1971.

Александрова Е. Я. Художественное образование в России: историко-культурологический очерк. – М., 1998.

Алексеева Л. К. Цвет винограда. Юлия Оболенская, Константин Кандауров. – М.: АСТ, 2017.

Архив Оболенской в РГАЛИ (ф. 2080, ф. 700, ф. 769, ф. 990).

Базанкур О. Влияние женщин на искусство ХIХ века // Всероссийский съезд по образованию женщин (1; 1912–1913; Петербург). Труды 1-го Всероссийского съезда по образованию женщин, организов. Российск. лигой равнопр. женщин в С.-Петербурге. – СПб.: Российская лига равноправия женщин, 1914–1915. Том 2.

Балдина В. О чем рассказало старинное письмо http://wyksa.ru/2008/04/08/valentina-baldina-o-chem-rasskazalo-starinnoe-pismo.phtml, дата обращения 20.10.2022.

Башкирцева М. К. Если бы я была королевой…: дневник. – М.: Колибри, 2017.

Бернштейн Л. Забытые художники школы Званцевой // Toronto Slavic Quarterly. № 58. Fall 2016. http://sites.utoronto.ca/tsq/58/index_58.shtml.

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. – Бостон: Academic Studies Press; СПб.: БиблиоРоссика, 2020.

Бернштейн Л., Неклюдова Е. Курсивный шрифт эпохи. Почтовая проза из архива Ю. Л. Оболенской // Наше Наследие. № 121. 2017. http://www.nasledie-rus.ru/podshivka/12108.php.

Бернштейн, Неклюдова. Бакст и его ученики: история одного эксперимента. http://sites.utoronto.ca/tsq/37/tsq37_bernstein-yastrebi-netskaya_nekludova.pdf.

Бескин О. М. Формализм в живописи. – М.: Всекохудожник, 1933. – 88 с. – Прим. ред.

Боровская Е. А. Графические классы и мастерские Рисовальной школы Императорского Общества поощрения художеств. К истории русского искусства начала ХХ в. // Научные труды. – Институт им. И. Е. Репина, 2013. – Вып. 24.

Боровская Е. А. Искусство рисования «в приложении оного к ремеслам». Санкт-Петербургская рисовальная школа и развитие декоративно-прикладного искусства (1839–1917) // Искусствознание № 3–4, 2012.

Боулт Дж. Э. «Воскресный день»: Марианна Веревкина и русский Серебряный век // Амазонки авангарда. – М.: Наука, 2001.

Бражкина А. В. Октябрь 1911. Ольга Розанова в школе Званцевой в Петербурге. https://rozanova.net/second_page.pl?id=941&catid=10.

Бродский И. А. Мой творческий путь. – Ленинград: Искусство, 1940.

Васильева А. А. «Становление художественного образования в России в XVIII–XIX вв.» // UNIVERSUM: Вестник Герценовского университета, № 10, 2007.

Венгерова З. А. Русская женщина в искусстве. Ответ на женский вопрос. Речи, произнесенные 10 февраля 1914 г. в зале Тенишевского училища на публичном собрании, устроенном отделом избирательных прав при Русском женском Взаимно-благотворительном обществе. – СПб.: 1914.

Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011.

Война в песках: Гражданская война в Средней Азии. Материалы по истории гражданской войны, к XII тому. – М.: ОГИЗ, 1935.

Вострецова Л. «Больше Вы Не обманете Никого». Филонов vs Петров-Водкин // Кузьма Петров-Водкин и его школа. Живопись, графика, сценография, книжный дизайн: в 2 т. – М.: Галеев – Галерея, 2015.

Врангель Н. Н. Венок мертвым. Художественно-исторические статьи. Иностранцы в России. – СПб., 1913.

Галеев И. И. Гордая Герда // Герта Неменова (1905–1986). Автолитографии 1930–1970 гг. – М.: Скорпион, 2007.

Гендерная теория и искусство. Антология: 1970–2000 / Под ред. Л. М. Бредихиной, К. Дипуэлл. – М.: «Российская политическая энциклопедия» (РОССПЭН), 2005. С. 15–46.

Герасимова Д. Непокоренная стихия // Библиогид. https://bibliogid.ru/archive/khudozhniki/ocherki-o-khudozhnikakh-illyustra-torakh/764-ermolaeva-vera-mikhajlovna. – Прим. ред.

Гнедич П. П. Книга жизни: Воспоминания, 1855–1918. – М.: Аграф, 2000.

Государственная Третьяковская галерея: каталог собрания. Живопись XVIII–XX веков. Т. 3: Живопись первой половины XIX века. – М.: Красная площадь, 2005.

Государственная Третьяковская галерея: каталог собрания. Живопись XVIII–XX веков. Т. 3: Живопись первой половины XIX века. – М.: Красная площадь, 2005.

Грабарь И. Письма 1891–1917. Цит. по: Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010.

Грот Н. Из семейной хроники: воспоминания для детей и внуков. – СПб.: Изд. семьи, 1900.

Дзётаро Ота. «Являетесь Вы искусствоведом, или подходите к искусству с другой, менее опасной стороны?» Переписка В. Д. Бубновой с Н. И. Харджиевым (1973) // Искусствознание. № 2. 2022. http://artstudies.sias.ru/upload/isk/isk_2022_2_366–415_ota.pdf. – Прим. ред.

Долгомостева М. Институтки // Эпоха: журнал литературный и политический, Октябрь, 1964.

Ершова Т. Б. Мир Академии художеств. Доклад в рамках Ежегодной конференции по проблемам петербурговедения 18 февраля 1996 года. См.: http://institutspb.ru/pdf/hearings/03–05_Ershova.pdf.

Жан-Клод Маркаде – Искусство как преображение жизни // Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010.

Журавлева Л. С. Княгиня М. К. Тенишева – художница. – Смоленск, 2004.

Заинчковская А. Н. Ермолаева Вера Михайловна // Энциклопедия русского авангарда. https://rusavangard.ru/online/biographies/ermolaeva-vera-mikhaylovna.

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008.

Звездова В. Жестокая муза // Нижегородский региональный общественный фонд деятелей культуры «Дать Понять». 2009. http://www.gttp.ru/PC/pc_43.htm.

Зилоти В. П. В доме Третьякова. – М.: Искусство, 1998.

Иноземцева А. Н. Ранняя институциональная теория Д. Дики. Предпосылки и источники возникновения // Артикульт. 2003. № 10.

Искусство женского рода. Женщины-художницы в России XV–XX веков. – М.: Государственная Третьяковская галерея. 2002

К истории наград Императорской и Российской Академии художеств https://www.rah.ru/the_academy_today/nagrady/k_istorii_nagrad_imperatorskoy_i_rossiyskoy_akademii_khudozhestv_.php, дата обращения 20.10.2022.

Кандинский В. В. Избранные труды по теории искусства. – Москва, 2001. Т. 1.

Кирсанова Р. М. Платье госпожи Тюфякиной. Портрет неизвестной в синем платье. – М.: Кучково поле, 2017.

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984.

Константин Сомов. Письма Званцевой. http://konstantinsomov.ru/.

Королева Ю. А. Софья Петровна Кувшинникова. – М.: Гелиос АРВ, 2016.

Короткова Марина Владимировна «Эволюция повседневной культуры московского дворянства в ХVIII – первой половине ХIХ вв.»: диссертация… доктора исторических наук: 07.00.02 / Короткова Марина Владимировна – Москва, 2009.

Коснье К. Мария Башкирцева: портрет без ретуши. – М.: Терра-Кн. клуб, 2008.

Кувшинникова С. П. Автобиографический очерк // Сборник на помощь учащимся женщинам. – М.: Тип. Кушнерева, 1901.

Курдов В. И. Памятные дни и годы. Записки художника. – СПб.: «Арсис», 1994.

Лаврентьева С. И. С.-Петербургская рисовальная школа в воспоминаниях одной из ее учениц. 1862–1876 (рус.) // Русская старина. – 1889.

Лаучкайте Л. Связи Марианны Верёвкиной с русскими художниками // Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010.

Ле Фоль Клер. Витебская художественная школа (1897–1923). Зарождение и расцвет в эпоху Ю. Пэна, М. Шагала и К. Малевича. – Минск: Пропилеи, 2007.

Лебедева Е. Иностранные художницы в России XVIII–XIX вв. // Культурологический журнал № 4, 2014. http://www.intelros.ru/readroom/kulturologicheskiy-zhurnal/ku4-2014/25694-inostrannye-hudozhnicy-v-rossii-xviii-xix-vv.html, дата обращения 19.10.2022.

Луконина А. Л. Из детства и школьных лет // Северный вестник: журнал литературно-научный и политический. Февраль, 1886.

Маркина Л. А. Художницы в России: от барокко до модерна // Искусство женского рода. Женщины-художницы в России XV–XX веков. – М.: ГТГ, 2002.

Марков В. Искусство негров. – Петербург: Отдел изобразительных искусств Наркома по просвещению, 1919.

Мир искусств. – СПб.: Дмитрий Буланин, 2001. С. 665. Мир искусств: альманах. Вып 4. – СПб., 2001.

Неменова Герта Михайловна // Энциклопедия авангарда https://rusavangard.ru/online/biographies/nemenova-gerta-mikhaylovna.

Новицкий А. П., Никольский В. А. История русского искусства. – М.: Эксмо, 2007.

О медалях, полученных художницей, свидетельствует запись «Получ. отъ Ак. Худож. мед.: въ 1849 г. – 2 серебр.; въ 1851–1 серебр. за “Пейзажъ”; въ 1853 г. – 2 золот. за “Крымские виды”; въ 1854 г. – 1 золот. за два “Вида Крыма”». Юбилейный справочник Императорской Академии художеств, 1764–1914. Т. 2. – СПб.: Товарищество Р. Голике и А. Вильборг, 1915.

Обоймина Е. Н., Татькова О. В. Русские жены. Недостижимый идеал. – М.: АСТ-Пресс книга. 2006.

Оболенская Ю. Л. Из дневника 1913 года. http://maxvoloshin.ru/all_21. – Прим. ред.

Озер Дж. Мир эмалей княгини Марии Тенишевой. – М., 2004.

Олейник М. С. Марианна Верёвкина: Эволюция стиля от символизма к импрессионизму. – СПб.: Алетейя, 2019.

ОР ГТГ Ф. 153. Ед. хр. 2801. Л. 1. Ист. Ильина Н., Ковалева О. Жена художника Ольга Серова // Третьяковская галерея. #3 2015 (48) https://www.tg-m.ru/articles/3-2015-48/zhena-khudozhnika-olga-serova. Дата обращения 19.09.2022.

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Т. I–II – М.: Изобразительное искусство, 1974.

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – М.: Центрполиграф, 2003

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том III. – М.: Центрполиграф, 2003.

Перевалова Е. В. Вопросы женского высшего образования в отечественной прессе 1860–1880 гг. (На материале газеты «Московские ведомости») // Высшее образование в России. – 2015. – № 4.

Перельман И. В. Гендерно-сенситивный компонент как грань образа в произведениях русской портретной живописи конца XIX – начала XX веков//Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого. № 1 (33). 2020. https://cyberleninka.ru/article/n/genderno-sensi-tivnyy-komponent-kak-gran-obraza-v-russkoy-portretnoy-zhivopisi-kontsa-xix-nachala-hh-vekov/viewer.

Письма Ильи Григорьевича Эренбурга Неменовой Герте Михайловне, РГАЛИ, ф. 1204, опись № 2, отдел № 804, стр. 6.

Поллок Г. Созерцая историю искусства. Видение, позиция и власть. 1995. Перевод А. Усмановой. https://textarchive.ru/c-2994-554.html, дата обращения 13.07.2022.

Пономарева В. В., Хорошилова Л. Б. Мир русской женщины: семья, профессия, домашний уклад XVIII – начало ХХ века. – М.: Ломоносовъ, 2016.

Приказчикова Е. Тайны «Дневника» М. Башкирцевой // Уральский филологический вестник № 1, 2014.

Пророкова С. А. Илья Репин. – М.: ТЕРРА, 1997. С. 304–305; Теркель Е. А. Письма И. Е. Репина Е. Н. Званцевой. Историко-биографический очерк // Мир искусств: альманах. Вып. 4. 2000. – СПб.: Дмитрий Буланин, 2001.

Разуев А. В. Финансовое положение Императорской Санкт-Петербургской Академии художеств и некоторых категорий ее преподавательского состава в XIX – начале ХХ века // Вестник КГУ. 2017 № 1. Серия Гуманитарные науки. Выпуск 13.

РГАЛИ. Ф. 2080. Оп. 1. Ед. хр. 45. Л. 151.

Репин И. Избранные письма в двух томах. 1867–1930. – М.: Искусство, 1969.

Репин И. Е. В аду у Пифона. Цит. по Пророкова С. А. Илья Репин. – М.: ТЕРРА, 1997.

Репин И. Е. Далекое близкое / Под ред. К. Чуковского. – М.; Ленинград: Искусство, 1949.

Русаков Ю. А. Герта Неменова // Избранные искусствоведческие труды. – СПб.: Алетейя, 2000.

Русские художники на Венецианской биеннале, 1895–2013. – М.: Stella Art Foundation, 2013.

Сарабьянов А. Д. Художественная школа Елизаветы Званцевой // Энциклопедия русского авангарда. http://rusavangard.ru/online/history/shkola-e-n-zvantsevoy.

Сафонова М. Медали, барьеры, отцы и карьеры: институциональная инерция и изменения в российском художественном мире конца XIX – начала ХХ века // Социологическое обозрение. 2022. Т. 21. № 1.

Сахарова Е. В. Василий Дмитриевич Поленов и Елена Дмитриевна Поленова. Хроника семьи художников. – М.: Искусство, 1964.

Северюхин Д. Я., Лейкинд О. Л. Золотой век художественных объединений России и СССР. 1820–1932. – СПб.: Чернышев, 1992.

Наталья Пушкарева, Анна Белова, Наталья Мицюк. Сметая запреты. Очерки русской сексуальной культуры XI–XX веков. Коллективная монография – Москва: Новое литературное обозрение, 2021.

Соколов К. Б. Социология искусства как часть искусствознания: становление и развитие. // Художественная культура № 3 (12), 2014. http://artculturestudies.sias.ru/2014-3/sotsialnaya-filosofiya-i-sotsiologiya/3636.html, дата обращения 19.10.2022

Сомов А. И. Елена Дмитриевна Поленова. – М.: И-во тип. А. И. Мамонтова, 1902.

Сомов А. И. Женщины-художницы // Вестник изящных искусств, издаваемый при Императорской академии художеств. – СПб.: 1883–1890, в 8 томах. Том 1, выпуск 3, с. 356–383, выпуск 4, с. 489–524.

Софронова А. Записки независимой. Дневники, письма, воспоминания. Под ред. В. Ракитина и А. Сарабьянова. – М., 2001.

Стайтс Р. Женское освободительное движение в России: Феминизм, нигилизм и большевизм, 1860–1930. – М.: Российская политическая энциклопедия (РОССПЭН), 2004.

Темерина О., Савинкина Е. Статья в каталоге выставки Ю. Л. Оболенской в ВХНРЦ им. акад. И. Э. Грабаря // http://cultobzor.ru/2016/04/yuliya-obolenskaya-1889-1945.

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Л.: Искусство (Ленинградское отделение), 1991.

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Издание Русского Историко-Генеалогического Общества во Франции, 1933

Теркель Е. Марианна Верёвкина и Игорь Грабарь: пересечения и параллели // Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010

Толстой Л. Н. Письмо к Н. Н. Страхову от 19 марта 1879 // Собрание соч.: В 22 т. М., 1984. Т. 17

Туловская Ю. Текстиль авангарда. Рисунки для ткани. – Екатеринбург: TATLIN, 2016.

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994.

Фрассе Ж. История философии половых различий // История женщин на Западе. Том 4. Возникновение феминизма: от Великой французской революции до Мировой войны. – СПб.: Алетейя, 2015.

Хан-Магомедов С. О. Архитектура советского авангарда. Кн. 1. Проблемы формообразования. Мастера и течения. – М.: Стройиздат, 1996.

Хили Д. Другая история. Сексуально-гендерное диссидентство в революционной России. – М.: Музей современного искусства «Гараж», 2022.

Художники русского зарубежья: Марианна Верёвкина (1860–1938) и был издан каталог: Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010.

Чехов А. П. Попрыгунья // Полное собрание сочинений в 30 т. Т. 8. Рассказы. Повести. 1892–1894. – М.: Наука, 1977. https://traumlibrary.ru/book/chekhov-pss30-08/chekhov-pss30-08.html#s002001.

Шаронкина-Витек Е. В. Приношение русскому искусству // Веревкина М. В. Письма к неизвестному – Москва: Искусство – XXI век, 2011.

Шартье М. Э. Дневник Марии Башкирцевой как объект цензуры // Автобиографическая практика в России и во Франции. Сборник статей под ред. К. Вьолле и Е. Гречаной. – М.: ИМЛИ РАН, 2006.

Шилина Т. А. Эволюция женского образования в России: государственная политика и общественная инициатива (конец ХVIII – начало XX вв.). – Саратов: ИЦ «Амирит», 2015.

Юкина И. И. Русский феминизм как вызов современности. – СПб.: Алетейя, 2007.

Якимович А. К. Несколько слов о художнице, ее судьбе и творчестве // Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011.

Примечания

1

Сомов А.И. Женщины-художницы // Вестник изящных искусств, издаваемый при Императорской академии художеств. – СПб.: 1883–1890, в 8 томах. Том 1, выпуск 3, с. 356–383, выпуск 4, с. 489–524.

2

Сомов А.И. Женщины-художницы // Вестник изящных искусств, издаваемый при Императорской академии художеств. – СПб.: 1883–1890, в 8 томах, т. 8, выпуск 4, с. 517.

3

Сомов А.И. Женщины-художницы // Вестник изящных искусств, издаваемый при Императорской академии художеств. – СПб.: 1883–1890, в 8 томах, выпуск 4, с. 521.

4

А. К. Сомов был также автором первой монографии, посвященной русской художнице Елене Дмитриевне Поленовой. См.: Сомов А. К. Елена Дмитриевна Поленова. 1850 † 1898: Очерк жизни и творчества. – М.: т-во тип. А. И. Мамонтова, 1902. – 60 с. Не упоминая самого феномена женщины-художницы, он составляет ее биографию согласно привычному, мужскому канону.

5

Современное издание: Новицкий А. П., Никольский В. А. История русского искусства. – М.: Эксмо, 2007.

6

Макухина Наталья Егоровна (1823–1900) – художница, академик портретной живописи. Звание академика удостоилась за написанный с натуры портрет князя Г. П. Волконского, а также за работы, выполненные для императорской семьи в 1857 году.

7

Гаген-Шварц Юлия Вильгельмина Эмилия (1824–1902) – художница-портретистка, дочь немецкого пейзажиста романтической школы Августа Маттиаса Хагена. Звание академика получила в 1858 году после участия в экспедиции Русского Географического Общества в Сибирь.

8

Бём Елизавета Меркурьевна (1843–1914) – иллюстраторка, силуэтистка. Елизавета Бём иллюстрировала детские журналы («Игрушечка» и «Малютка»), басни И. А. Крылова, «Записки охотника» И. С. Тургенева, выпускала альбомы открыток («Силуэты из жизни детей», «Пирог», «Из деревенских воспоминаний» и др.), создавала эскизы для производства стеклянной посуды.

9

Лагода-Шишкина Ольга Антоновна (1850–1881) – художница-пейзажистка, занималась также офортом, ученица и жена И. И. Шишкина.

10

Юнге Екатерина Фёдоровна (1843–1913) – художница, мемуаристка, дочь вице-президента Академии художеств графа Фёдора Петровича Толстого. Екатерина Юнге, помимо художественной деятельности, известна как писательница, авторы «Истории русского искусства» цитируют, в частности, ее воспоминания, где она кратко описывала историю женского художественного образования в Российской Империи. См.: Юнге Е. Ф. Из моих воспоминаний // Вестник Европы, февраль, 1905 год, Петербург. С. 767–806.

11

Шанкс Эмилия Яковлевна (1857–1936) – живописец, родилась в Москве в семье британского предпринимателя, училась в МУЖВЗ, участвовала в выставках ТПХВ. Шанкс Мария Яковлевна (1866–?) – художница-живописец.

12

Самокиш-Судковская Елена Петровна (1862–1924) – художница-иллюстраторка, рисовала для журнала «Нива» и других изданий («Пробуждение»), иллюстрировала книги, оформляла афиши и плакаты. Кроме того, была одной из участниц упомянутого нами Первого дамского художественного кружка (1882–1918).

13

Диллон Мария Львовна (1858–1932) – одна из первых известных женщин-скульпторов. Училась в Академии художеств, в 1888 г. получила малую золотую медаль за выпускную работу «Андромеда, прикованная к скале».

14

Российская женская организация. Была основана в 1905-м и просуществовала до 1917 года. Задачей общества было предоставление женщинам социально-политических прав.

15

Доклады других делегаток назывались: «Русская женщина в литературе», «Женщина на сцене», «Русская женщина в науке», «Женщина-историк», «Русская женщина в народном образовании», «Женщина-агроном», «Женщина-юрист», «Женщина-техник» и даже «Женщина-кустарь».

16

Herstory – термин, используемый для обозначения истории (культурной, социальной и пр.), написанной или переосмысленной с феминистских позиций в противоположность мужскому взгляду на историю (англ. his-tory), традиционно понимаемому как нейтральный или универсальный (общечеловеческий).

17

Венгерова З. А. Русская женщина в искусстве. Ответ на женский вопрос. Речи, произнесенные 10 февраля 1914 г. в зале Тенишевского училища на публичном собрании, устроенном отделом избирательных прав при Русском женском Взаимно-благотворительном обществе. – СПб.: 1914. С. 15.

18

Речь о ней пойдет в первой главе.

19

Венгерова З. А. Русская женщина в искусстве. Ответ на женский вопрос. Речи, произнесенные 10 февраля 1914 г. в зале Тенишевского училища на публичном собрании, устроенном отделом избирательных прав при Русском женском Взаимно-благотворительном обществе. – СПб.: 1914. С. 20.

20

Корпусу текстов таких исследовательниц, как Гризельда Поллок, Линда Нохлин, Лора Малви, Люси Липпард

21

Хочется отметить также выставки, посвященные творчеству художниц начала ХХ века, прошедшие за последние годы: в 2021 году выставка работ Марии Васильевны Якунчиковой-Вебер (1870–1902), в 2010 году выставка работ Марианны Верёвкиной (1860–1938), в 2016 году выставка работ Юлии Оболенской (1889–1945). Важно подчеркнуть, что это первые персональные выставки. Такой интерес, на наш взгляд, свидетельствует о том, что художницы, долгое время остававшиеся вне поля внимания советских исследователей, в какой-то момент стали заметными фигурами в исследовании искусства. Благодаря этим ретроспективам, а также изданным к ним каталогам наследие художниц стало доступно профессиональному и широкому кругу зрителей.

22

21 января – 31 марта 2002, куратор Наталья Каменецкая. Подробнее о выставке и представленных на ней работах см.: https://russianartarchive.net/ru/catalogue/event/EFNR, дата обращения 19.10.2022. – Прим. ред.

23

Искусство женского рода. Женщины-художницы в России XV–XX веков. – М.: Государственная Третьяковская галерея. 2002.

24

Авторы каталога подробно документируют ее экспонаты, и он содержит пространный исторический очерк женской истории искусства начиная с Древней Руси и до феминистских художественных групп 1990 годов. В каталог вошли как узкоспециализированные тексты вроде статьи искусствоведа Наталии Андреевны Маясовой (Маясова Наталия Андреевна (1919–2005) – российский искусствовед, специалист в области древнерусского лицевого шитья, Заслуженный деятель искусств Российской Федерации, почетный член ИКОМ. Работала в Загорском музее, затем в музеях Московского Кремля. Автор многочисленных публикаций по истории русского художественного шитья. – Прим. ред.) о древнерусском золотном шитье, так и обзорные публикации вроде статьи Людмилы Маркиной (Маркина Людмила Алексеевна (р. 1951) – доктор искусствоведения, заведующая отделом живописи XVIII – первой половины XIX века Государственной Третьяковской галереи. Автор более 200 публикаций по истории российского и зарубежного искусства. – Прим. ред.) «Художницы России: от барокко до модерна», подробно освещающей хронологию женского творчества в русском искусстве нового времени, очерк Людмилы Бредихиной (Бредихина Людмила Михайловна (р. 1953) – российский искусствовед и куратор, в частности, таких знаковых проектов, как программа «Зоофрения» (совместно с Олегом Куликом – серия выставок на разных площадках Москвы 1993–2003 гг.); «Гендерные волнения» (Московский музей современного искусства, 2005); ретроспектива Ивана Чуйкова в Московском музее современного искусства (2010) и др. Автор-составитель антологии «Гендерная теория и искусство» (совместно с Кэти Дипуэлл, 2006). – Прим. ред.), «Креатуры женского (о специфике женской идентичности в России)». Заглавная статья каталога, написанная Натальей Каменецкой (Каменецкая Наталия Юрьевна (р. 1959) – российская художница и искусствовед, куратор ряда выставок женского искусства, одна из первых кураторов, начавших применять феминистскую оптику применительно к искусству в России на рубеже перестройки и после нее) и Надеждой Юрасовской (Юрасовская Надежда Михайловна (р. 1959) – кандидат искусствоведения, куратор выставок и автор многочисленных публикаций по проблемам женского искусства. – Прим. ред.), раскрывает гендерную проблематику, актуальную для России конца 1990-х – начала 2000-х годов, применяя к русскому художественному контексту категории гендера, выработанные западными феминистками третьей волны.

25

ŽEN d’АРТ. Гендерная история искусства на постсоветском пространстве: 1989–2009. Московский музей современного искусства на Петровке, 11 сентября – 7 ноября 2010. Кураторы Наталья Каменецкая и Оксана Саркисян. – Прим. ред.

26

Списки имен участниц обеих выставок, а также их устроителей, впрочем, во многом пересекаются. Одной из кураторок ŽEN d’АРТ выступила Наталья Каменецкая, и ее статья в соавторстве с Оксаной Саркисян (Саркисян Оксана Рубеновна (р. 1968) – российский искусствовед, преподавательница, кураторка, в частности, выставочных проектов феминистской направленности. – Прим. ред.) «История женского искусства: архивы, теории, актуальные художественные практики» открывает изданную к проекту книгу (ŽEN d’АРТ. Гендерная история искусства на постсоветском пространстве: 1989–2009. – М.: Московский музей современного искусства, 2010. Издание представляет собой не каталог конкретного проекта, но сборник материалов, посвященных выставкам женщин-художниц и гендерной проблематике в советском и российском искусстве с 1989 по 2009 г. – Прим. ред.). Состав авторов этого издания заметно расширился по сравнению с «Искусством женского рода». В ŽEN d’АРТ опубликованы тексты антропологов Марии Котовской и Натальи Шалыгиной, кураторов первых советских феминистских выставок Олеси Туркиной (Туркина Олеся Владимировна (р. 1961) – кандидат искусствоведения, ведущий научный сотрудник Государственного Русского музея, соосновательница и редактор вместе с философом Виктором Мазиным журнала «Кабинет». Среди первых феминистских кураторских проектов Туркиной – выставки «Женщина в искусстве» (Ленинград, 1989), «ZEN: женщина как субъект и объект в искусстве» (Москва, 1990) и др.), Виктора Мазина и Натальи Колодзей (Колодзей Наталья Александровна (р. 1974) – куратор, искусствовед, коллекционер, с 1991 года соучредительница Kolodzei Art Foundation (Хайленд-парк, Нью-Джерси), с 1998 года по настоящее время исполнительный директор и куратор. С 2008 года – почётный зарубежный член Российской академии художеств. Дочь коллекционера российского и советского искусства Татьяны Колодзей), искусствоведов Людмилы Бредихиной, Маргариты Мастерковой-Тупицыной и Виктора Агамова-Тупицына (Мастеркова-Тупицына Маргарита (р. 1955) – американский арт-критик и куратор российского происхождения. Организатор и куратор первых выставок советских неофициальных художников в США, куда эмигрировала в 1975 году из СССР вместе с мужем, Виктором Агамовым-Тупицыным из-за проблем, связанных с их участием в организации «Бульдозерной выставки» (1974). Автор книг и сборников «Критическое оптическое» (1997), Moscow Vanguard Art: 1922–1992 (2017), «Лидия Мастеркова: право на эксперимент» (2022) и др.

Агамов-Тупицын Виктор (р. 1945) – американский арт-критик, куратор и теоретик культуры и искусства российского происхождения. Соредактор вместе с женой Маргаритой-Мастерковой Тупицыной первого и единственного русского выпуска журнала Flash Art (1989). Автор книг и сборников «“Другое” искусство» (1997); «Коммунальный (пост)модернизм», (1998); Verbal Photography: Ilya Kabakov, Boris Mikhailov and the Moscow Archive of New Art (2004); «Глазное яблоко раздора. Беседы с Ильей Кабаковым» (2006); «Москва – Нью-Йорк», совместно с Маргаритой Тупицыной (2006); «Круг общения» (2013); Anti-Shows: APTART 1982–1984 (совместно с Маргаритой Тупицыной, 2017) и др.

Архив и библиотека Маргариты Мастерковой-Тупицыной и Виктора Агамова-Тупицына хранятся в фондах Музея современного искусства «Гараж». – Прим. ред.), феминистских философов и кураторок Аллы Митрофановой (Митрофанова Алла (р. 1959) – российский куратор и критик, преподавательница, теоретик искусства, представительница движения киберфеминизма и адепт феминистской эпистемологии применительно к анализу культуры. В 1998–99 годы была редактором электронного сетевого журнала Кибер-фемин-клуба. – Прим. ред.), Ирины Актугановой (Актуганова Ирина (р. 1963) – искусствовед, куратор, соорганизатор «Галереи 21» (1994–2001), «Кибер-фемин-клуба» (1994), Галереи экспериментального звука (ГЭЗ-21) (1999). В 2007–2015 годах – ведущий координатор грантового конкурса «Научный музей в XXI веке» фонда Дмитрия Зимина «Династия». Куратор и сокуратор выставок, в том числе «Наука как предчувствие» (2009, ЦСИ «Винзавод», Москва) и «Жизнь. Версия науки» (2011, ЦСИ «Винзавод», Москва). Куратор-разработчик экспозиции Политехнического музея на ВДНХ (2014). – Прим. ред.), поэтессы, художницы и критика Анны Альчук (Альчук (Михальчук) Анна Михайловна (1995–2008) – российская поэтесса, художница. В 1987–1989 годах – организатор и ведущая литературно-художественных клубов «КИСИ» (Клуб истории современного искусства, совместно с Г. Цвелем) и «МОП». Автор нескольких поэтических сборников, публикаций по проблемам теории современного искусства и феминистского искусства, составительница книги интервью современных российских художников «Противостоять на своем» (2009). – Прим. ред.), американской феминистки и гендерной исследовательницы Джо Анны Айзек (Айзек Джо Анна – американский искусствовед и историк искусства, куратор выставок, включая проекты «The Revolutionary Power of Women’s Laughter», «Looking Forward, Looking Black» и «H20», автор книги Feminism and Contemporary Art: The Revolutionary Power of Women’s Laughter (Routledge 1996). – Прим. ред.) и др.

27

Выставка «Амазонки авангарда (Amazons of the Avant-Garde)» было организована в 1999–2001 годах Музеем и фондом Соломона Гуггенхайма в Берлине, Лондоне, Венеции, Нью-Йорке, Бильбао и Москве (кураторы Мэттью Друтт, Джон Боулт и Зельфира Трегулова). Выставка была посвящена творчеству шести русских художниц: Н. С. Гончаровой, Л. С. Поповой, О. В. Розановой, В. Ф. Степановой, Н. А. Удальцовой и А. А. Экстер.

28

В 2004 году под редакцией Г. Ф. Коваленко вышел сборник научных статей, посвященных «амазонкам авангарда». См.: Амазонки авангарда (сост. Г. Ф. Коваленко). – М.: Наука, 2004. В вводной статье автор сообщает о весьма критическом отношении к попыткам западных исследователей анализировать творчество и жизнь художниц с помощью гендерной оптики.

29

Историю социологии искусства за последнее столетие очень подробно описывает в своей статье «Социология искусства как часть искусствознания: становление и развитие» исследователь Константин Соколов. См.: Соколов К. Б. Социология искусства как часть искусствознания: становление и развитие. // Художественная культура № 3 (12), 2014. http://artculturestudies.sias.ru/2014-3/sotsialnaya-filosofiya-i-sotsiologiya/3636.html, дата обращения 19.10.2022.

30

Как и любой социальный институт, искусство характеризуется возможностью влиять на поведение людей посредством установленных правил. Чтобы прояснить терминологические вопросы, обратимся к определению понятия институциональной теории искусства, согласно которой «отличительные (существенные, общие) черты искусства следует искать не в предметных или функциональных свойствах произведения искусства, а в особенностях контекста, в котором оно появляется и функционирует. Этим культурным контекстом искусства является его собственная художественная практика в формате действующих институций или, иначе говоря, Арт мир» (цит. по: Иноземцева А. Н. Ранняя институциональная теория Д. Дики. Предпосылки и источники возникновения // Артикульт. 2003. № 10. С. 143). В первую очередь нас будут интересовать работы Пьера Бурдьё, Синтии и Харрисона Уайтов, Натали Эник, Ти Джей Кларка, Линды Нохлин, Джона Берджера, Лизы Тикнер, Гризельды Поллок (G. Pollock, R. Parker Old mistresses. Woman, art and ideology. 2013 by I.B.Tauris & Co Ltd.) Люси Липпард (программные работы многих из них до сих пор не переведены на русский язык).

31

Clark T.J. Image of the people. Gustave Courbet and the 1848 revolution. University of California press, Berkley and Los-Angeles, California. 1982.

32

В программной статье Линды Нохлин «Почему не было великих художниц» (1972) совмещаются искусствоведческий, феминистский и социально-исторический подходы. Нохлин в числе первых упомянула об институциональных препятствиях для женщин в получении художественного образования, а также поставила под вопрос понятие «гениальности» вообще. Нохлин убедительно доказала, что не столько личная одаренность художника, сколько социальная среда (семья – школа – мастерская – рынок – общество) формируют представления о «великом художнике» или «великом искусстве». Nochlin L. Why Have There Been No Great Women Artists? // ARTnews 69, no. 9 (January 1971). P. 22–39, 67–71. Русский перевод: Нохлин Л. Почему не было великих художниц? // Гендерная теория и искусство. Антология: 1970–2000/ Под ред. Л. М. Бредихиной, К. Дипуэлл. – М.: «Российская политическая энциклопедия» (РОССПЭН), 2005. С. 15–46.

33

В фокусе работ исследовательницы Гризельды Поллок социальная реальность, в которой существуют художники и их произведения, анализируется с точки зрения институциональной структуры художественной деятельности и описывается как система власти и иерархий, в том числе основанных на гендерном порядке: «Я смотрю и спрашиваю себя – каким образом был создан данный рисунок? Каковы были условия его производства и условия видимости данного изображения. Я смотрю на рисунок женщины. Она изображена сзади. <…> Я смотрю на ее ягодицы. Как этот рисунок был сделан? Голландец, имеющий энную сумму денег, попросил женщину прийти к нему в студию попозировать для своего рисунка. Почему она согласилась? Он – буржуа, она – рабочая женщина. Он – протестант из элитного меньшинства деревни. Он – сын наставника (пастора). Она – католичка из обедневшего большинства трудящихся, нанятых для работы на полях и фабриках». Поллок Г. Созерцая историю искусства. Видение, позиция и власть. 1995. Перевод А. Усмановой. https://textarchive.ru/c-2994554.html, дата обращения 13.07.2022.

34

Как выдающийся пример работы с биографическими данными хочется упомянуть статью «Медали, барьеры, отцы и карьеры» Марии Сафоновой. Эта работа была выполнена на базе исследовательского университета «Высшая школа экономики» в Санкт-Петербурге. В ней авторка опирается на методологию социологии искусства и количественные методы сбора биографических данных о художниках указанного временного периода. В этой статье, охватывающей тот же исторический период, что и наш текст, история искусства рассматривается с социологической точки зрения как история смены художественных поколений и борьбы между ними, история смены ценностных ориентиров общества и развития художественных институций, альтернативных государственным (или академическим). В ней отмечена чрезвычайная важность гендера и социальной среды происхождения художников для их карьеры. Во многом наше видение художественной истории изучаемого нами периода совпадает с описанным в статье. Сафонова М. Медали, барьеры, отцы и карьеры: институциональная инерция и изменения в российском художественном мире конца XIX – начала ХХ века // Социологическое обозрение. 2022. Т. 21. № 1. С. 206–234.

35

Об этом явлении подробнее можно прочесть в исследованиях: Tosh J. A Man’s Place: Masculinity and the Middle-Class Home in Victorian England. L., 1999. 252 p.; Caine B. Victorian Feminists. Oxford, 1993. 304 p.; Caird M. Marriage // Caird M. The Morality of Marriage and Other Essays on the Status and Destiny of Woman. Cambridge, 2010. P. 63–111.; Davidoff L., Hall C. Family Fortunes Men and Women of the English Middle Class 1780–1850. London: Hutchinson, 1987; Landes J. Women and the Public Sphere in the Age of the French Revolution. Ithaca-New York, 1988.

36

Появление и разработка «женского» как новой философской категории относится именно к XIX веку – об этом подробнее см.: Фрассе Ж. История философии половых различий // История женщин на Западе. Том 4. Возникновение феминизма: от Великой французской революции до Мировой войны. – СПб.: Алетейя, 2015. С.44–77.

37

Речь, конечно, идёт о привилегированных сословиях, дворянах и аристократии, не о крестьянах, для которых этот вопрос не стоял – работали все: и женщины, и дети.

38

Толстой Л. Н. Письмо к Н. Н. Страхову от 19 марта 1879 // Собрание соч.: В 22 т. М., 1984. Т. 17. С. 687.

39

Толстой Л. Н. Письмо к Н. Н. Страхову от 19 марта 1879 // Собрание соч.: В 22 т. М., 1984. Т. 17. С. 687.

40

Анна Васильевна Жаклар (Корвин-Круковская) (1843–1887) – русская революционерка и писательница, участница Парижской коммуны 1871 г. Публиковала рассказы под псевдонимами О. Ю-в и А. Корвин. Вместе с мужем под именем V. Jaclard-Corvin она издала «Французскую хрестоматию для средних и старших классов» (1877–1878).

41

Софья Васильевна Ковалевская (1850–1891) – первая в Российской Империи женщина-математик, профессорка, с 1889 года иностранная член-корреспондентка Петербургской академии наук.

42

«От девушки, которая способна тайком от отца и матери вступить в переписку с незнакомым мужчиной и получать с него деньги, можно всего ожидать! Теперь ты продаешь твои повести, а придет, пожалуй, время – и себя будешь продавать!». См.: Ковалевская С. В. Воспоминания детства. – М.: Советская Россия, 1989. С. 107.

43

См.: Долгомостева М. Институтки // Эпоха: журнал литературный и политический, Октябрь, 1964. С.1–40; Луконина А. Л. Из детства и школьных лет // Северный вестник: журнал литературно-научный и политический. Февраль, 1886. С. 65–96; Грот Н. Из семейной хроники: воспоминания для детей и внуков. – СПб.: Изд. семьи, 1900. – 186 с.

44

К концу XIX века среди образованных женщин стала всё шире распространяться традиция ведения дневников и написания мемуаров. О практике ведения дневников в России представителями высших слоев общества и об особой роли женщин в развитии этого жанра подробнее см. в статье Вьолле К. и Гречаной Е. П. Дневник в России в конце XVIII – первой половине XIX в. как автобиографическая практика // Автобиографическая практика в России и во Франции. Сборник статей под ред. К. Вьолле и Е. Гречаной. – М.: ИМЛИ РАН. 2006. С. 57–61.

45

Историки и исследовательницы повседневной жизни женщин Варвара Пономарёва и Любовь Хорошилова отмечают, что девочек специально обучали этой практике для того, чтобы «систематизировать мысли, подводить итог прожитому дню, видеть свои достижения и промахи» – Пономарева В. В., Хорошилова Л. Б. Мир русской женщины: семья, профессия, домашний уклад XVIII – начала ХХ века. – М.: Ломоносовъ, 2016. С. 81.

46

Исследователь русского феминизма Ричард Стайтс отмечает такую психологическую особенность, как недостаточное общение между девочкой и ее родителями и поиск тепла и поддержки у других домочадцев – у слуг. Опираясь на воспоминания женщин, исследователь пишет о том, что они часто вставали на сторону слуг, если последние вызывали недовольство родителей. Эта же привязанность служила причиной порывов альтруизма – «мечтаний, в которых девушки-дворянки приходят на помощь угнетенным, защищая их от общего врага: холодной и бездушной власти». См.: Стайтс Р. Женское освободительное движение в России: Феминизм, нигилизм и большевизм, 1860–1930. – М.: Российская политическая энциклопедия (РОССПЭН), 2004. С. 32.

47

Ко всему прочему, в институтах, как правило, была довольно жесткая дисциплина, за нарушение которой следовало наказание в виде лишения встреч с родителями в выходные (об этом подробнее у Ричарда Стайтса, Указ. соч. – стр. 24–26). Любознательность и проявление инициативы не встречали одобрения со стороны начальства. Например, М. Долгомостева отмечала, как воспитательницы отбирали книги и иногда не возвращали, в случае, если полагалось, что это не полезное чтение или институтка занимается им не в положенное время: «Таким образом и чтение, – последнее утешение институток, – строго преследовалось» (Долгомостева М. Институтки // Эпоха: журнал литературный и политический, изд. семейством М. Достоевского. – Санкт-Петербург. 1864. Окт. С.1–40; С. 27).

48

Общество, известное также как Смольный институт, было учреждено Екатериной II в Санкт-Петербурге в 1764 году. Изначально функционировало как закрытое учебное заведение для дочерей дворянской знати, в 1765 году при нем открылось отделение «для мещанских девиц». В октябре 1917 года институт переехал в Новочеркасск, а после 1919 года, осуществив свой последний выпуск, был перемещен в Сербию, где просуществовал до 1932 года. Подробнее о правилах приема и обучения в Смольном в диссертации Коротковой Марины Владимировны «Эволюция повседневной культуры московского дворянства в ХVIII – первой половине ХIХ вв.»: диссертация… доктора исторических наук: 07.00.02 / Короткова Марина Владимировна – Москва, 2009. Стр. 120–136.

49

Критику подобного рода образования высказывала сочинительница знаменитого анонимного письма, опубликованного в «Современнике». В нем от первого лица были описаны трудности женского существования («Жалоба женщины» (анонимное письмо) / Современник, 1857 год, Май, № 5–6, С. 56–65). Несмотря на то что женское образование внутри институтов благородных девиц предполагало изучение разных дисциплин: иностранных языков, географии, истории и пр. – их было сложно применить для самостоятельной жизни. Например, автор письма пишет: «Женщинам история должна показать их судьбу, положение в обществе, права и обязанности их, так же как и семейную жизнь в разные времена и у разных народов. Такая история займет женщину, потому что тут она узнает свое значение, влияние, которое она имела и может иметь, на общество, узнает, чем приобретается влияние; она увидит в истории, как действовали на ее судьбу мировые явления, успехи наук, и не будет уже смотреть на них равнодушно <…> Но главная беда в том, что за пределами школы женщина забывает и то немногое, чему ее учили: общество въ которое она вступает требует отъ нея не науки, а любезности, грации и вкуса въ нарядах». («Жалоба женщины» (анонимное письмо) / Современник, 1857 год, № 5–6, С. 63–64).

50

Похожие впечатления от института описывала княгиня Мария Тенишева, которая отдала свою дочь в одно из учебных заведений: «Девушки, просидевшие восемь лет в стенах института, выходят из него неподготовленными к жизни, с совершенно ложными о ней понятиями. Образование они выносят оттуда весьма сомнительное: их тянут из класса в класс и доводят до выпуска, но познания их равняются нулю, и это за малым исключением. В этом огромном стаде живых существ все нивелируется, хорошее и дурное. Индивидуальность забита формой, походкой, манерой до такой степени, что у них даже одинаковый почерк, а что живет под этой корой – все равно». (Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Издание Русского Историко-Генеалогического Общества во Франции, 1933. С. 90).

51

Долгомостева М. Институтки // Эпоха: журнал литературный и политический, изд. семейством М. Достоевского. – Санкт-Петербург. 1864. Окт. С. 1–40; С. 4.

52

Об этом подробнее см.: Шилина Т. А. Эволюция женского образования в России: государственная политика и общественная инициатива (конец ХVlll – начало XX в.). – Саратов: ИЦ «Амирит», 2015. C. 158–178.

53

В 1869 году были открыты Аларчинские высшие женские курсы в Петербурге и Лубянские курсы в Москве, в 1870 году – Владимирские высшие женские курсы в Петербурге. Позже, в 1872 году, в Москве были открыты частные Высшие женские курсы профессора В. И. Герье, а в 1878 году в Петербурге – Высшие женские Бестужевские курсы. Подробнее об этом в статье Е. В. Переваловой «Вопросы женского высшего образования в отечественной прессе 1860–1880 гг.» (На материале газеты «Московские ведомости») // Высшее образование в России. 2015. № 4. С. 136–142.

54

Трубникова Мария Васильевна (1835–1897) – российская писательница, сторонница женского образования в России, соосновательница вместе с Н. В. Стасовой Общества дешёвых квартир (1860) и Общества переводчиц (1862), куда входили многие представительницы женского движения того времени. – Прим. ред.

55

Этому поспособствовала, в частности, соратница Марии Трубниковой преподавательница и журналистка Евгения Ивановна Конради, которая на Первом съезде естествоиспытателей (конец декабря 1867 года – начало января 1868 года) инициировала петицию о необходимости устройства для женщин курсов по физико-математическим наукам. Этот кейс считается первым шагом в публичном освещении проблемы – об этом подробнее в книге И. И. Юкиной «Русский феминизм как вызов современности». – СПб.: Алетейя, 2007. С. 167.

56

Юкина И. И. Русский феминизм как вызов современности. – СПб.: Алетейя, 2007. – С. 206.

57

К сожалению, с появлением курсов проблема не была решена окончательно. Они не давали диплома, часто программы подбирались хаотично, работать по профессии без диплома курсистки не могли (об этом подробнее: История высших женских курсов// Первый женский календарь. – СПб.: Паровая скоропеч. «Труд», [1899]– [1915]. С. 115–130). Кроме того, в 1886 году была предпринята попытка приостановить работу женских курсов. Министерство народного просвещения в виду политических обстоятельств выпустило соответствующее предписание. Указывается несколько возможных причин прекращения действия высших женских курсов. Одна из них связана с защитой статуса существующей системы высшего образования, а другая с предохранением этой системы от антиправительственной пропаганды. Исследовательница отмечает: «По существу, эксперимент с женскими курсами был прекращен, когда участились случаи прямого террора с участием в них слушательниц Высших женских курсов» (См. Шилина Т. А., Указ. соч., С. 165). Многие курсы прекратили свою работу, другие на время перестали принимать новых слушательниц, директора заведений теперь назначались только сверху – министерством. Работа возобновлялась постепенно и довольно медленно: какое-то время курсы существовали неформально под названием «коллективные уроки» и проводились в домах меценатов. Параллельно с этим процессом правительство организовывало государственные учреждения для женщин, которые были подконтрольны ему.

58

В статье П. Н. Толстогузова «Чеховское свидетельство об одном из вариантов эмансипации “Поступлю в телеграфистки”» «через контекст произведений А. П. Чехова, М. Е. Салтыкова-Щедрина, Н. А. Лейкина, А. И. Эртеля, П. Д. Боборыкина, Н. Г. Гарина-Михайловского, А. И. Куприна, Н. П. Ашешова устанавливается, что поступление в телеграфистки было для женских прототипов той эпохи ситуацией с двойной мотивировкой: вынужденная социальная деградация и эмансипационный жест». // Вестник Приамурского государственного университета им. Шолом Алейхема, 2018, № 2 (31). С. 111–115.

59

См., например, множество раз переиздававшиеся воспоминания И. Е. Репина «Далекое близкое». Первое издание: Репин И. Е. Далекое близкое. – М.; Л.: Искусство, 1937.

60

О материальной стороне преподавательской деятельности в Академии, изменениях финансового и социального положения преподавателей на протяжении XIX века см.: Разуев А. В. Финансовое положение Императорской Санкт-Петербургской Академии художеств и некоторых категорий ее преподавательского состава в XIX – начале ХХ века // Вестник КГУ. 2017, № 1. Серия Гуманитарные науки. Выпуск 13. С. 47–53.

61

Согласно Табели о рангах, чин IX класса давал возможность личного дворянства (потомственное дворянство могли получить только более высокие чины начиная с VIII). Обычно чин IX класса присваивался профессорам и докторам наук, а также тем, кто имел высшее образование, но не окончил университета.

62

XII класс считался самым низшим, однако человеку неблагородного происхождения он давал возможность получить дворянство после выслуги лет

63

Подробнее см. К истории наград Императорской и Российской Академии художеств https://www.rah.ru/the_academy_today/nagrady/k_istorii_nagrad_imperatorskoy_i_rossiyskoy_akademii_khudo-zhestv_.php, дата обращения 20.10.2022.

64

См.: Кривцун О. А. Эволюция социального статуса российского художника // Культурологические записки’15. Социология искусства между прошлым и будущим. М. ГИИ., 2015. С. 168–180.

65

Захарченко О. Н. Феномен богемы и ее место в культурной и общественно-политической жизни Франции в последней трети XIX – первой четверти ХХ вв.: автореферат дис… кандидата исторических наук. Ставрополь, 2020. С. 17.

66

Кривцун О. А. Эволюция социального статуса российского художника // Культурологические записки’15. Социология искусства между прошлым и будущим. М. ГИИ., 2015. С. 169

67

«Служение народу по необходимости стало верховным критерием, которым определялось достоинство и подчас моральная законность различных интеллигентных профессий. Многие были забракованы, в том числе и такие, как профессии художника, поэта, ученого, писателя. Эти занятия получали свое оправдание лишь в том случае, если писатель, ученый, художник поднимал и разрабатывал вопросы, так или иначе относящиеся к жизни народа, если при этом он был воодушевлен идеей служения народному благу. Соответственно этому классифицировались и идеи, направления, идеалы, тенденции: одни одобрялись как полезные, другие отвергались». Ширинянц А. А. Из истории самоопределения гражданского общества в России: разночинная интеллигенция 1860–1870 гг.//Вестник Нижегородского университета им. Н. И. Лобачевского, 2014, № 6. С. 97–104

68

«По мысли передвижников, именно искусству отведена преобразующая, созидательная функция, призванная удовлетворить общественный запрос – отразить правду жизни. Они затрагивали социальные проблемы, интересовались последними достижениями в области психологии и науки, но наиважнейшими оставались этические и философские вопросы. Широта творческих возможностей простиралась от бытового воспроизведения действительности до бытийного осмысления жизни». Юденкова Т. В. Эра передвижников. Взгляд из XXI века. Вестник Московского Университета, 2020, N 4. С. 161–186.

69

Базанкур О. Влияние женщин на искусство ХIХ века // Всероссийский съезд по образованию женщин (1; 1912–1913; Петербург). Труды 1-го Всероссийского съезда по образованию женщин, организов. Российск. лигой равнопр. женщин в С.-Петербурге. – СПб.: Российская лига равноправия женщин, 1914–1915. – 27. Т. 2. С. 490.

70

Лебедева Е. Иностранные художницы в России XVIII–XIX вв. // Культурологический журнал № 4, 2014. http://www.intelros.ru/readroom/kulturologicheskiy-zhurnal/ku4-2014/25694-inostrannye-hudozhnicy-v-rossii-xviii-xix-vv.html, дата обращения 19.10.2022.

71

Подробнее об этом см.: Кирсанова Р. М. Платье госпожи Тюфякиной. Портрет неизвестной в синем платье. – М.: Кучково поле, 2017. С.165–193.

72

Врангель Н. Н. Венок мертвым. Художественно-исторические статьи. Иностранцы в России. – СПб, 1913. С. 121.

73

Например, Александр Николаевич Бенуа, писавший об авторитете Врангеля в искусствоведческой среде и даже ставший автором одного из некрологов барона в 1915 году, писал о своей коллеге – художнице Марии Якунчиковой-Вебер в своем двухтомнике «История живописи»: «Якунчикова-Вебер – удивительно симпатичная художественная личность. Она одна из тех, весьма немногих, женщин, которые сумели вложить всю прелесть женственности в свое искусство, неуловимый нежный и поэтический аромат, не впадая при том ни в дилетантизм, ни в приторность». Бенуа А. Н. История живописи. Русская живопись в XIX веке. С.-Петербург, 1901. С. 245.

74

«Портрет княгини А. П. Голицыной с сыном Петром» (1794, ГМИИ им. А. С. Пушкина), «Портрет графини С. В. Строгановой с сыном Александром» (ок. 1800, ГМИИ им. А. С. Пушкина).

75

«Известная мадам Лебрен недавно только приехала в Петербург, ее платья и картины произвели переворот в модах; утвердился вкус к античному» Головина В. Н. Мемуары // История жизни благородной женщины. М., 1996. С. 149–150. Цит. по: Кирсанова Р. М. Платье госпожи Тюфякиной. Портрет неизвестной в синем платье. – М.: Кучково поле, 2017. С.165–193.

76

Сегодня известна история о моде на греческое платье, привезенной Виже-Лебрен в Россию. Подробнее об этом см. Кирсанова Р. М. Платье госпожи Тюфякиной. Портрет неизвестной в синем платье. – М.: Кучково поле, 2017. С.165–193.

77

О влиянии идей деятелей Просвещения на педагогическую систему в России 18-го века подробнее здесь: Александрова Е. Я. Художественное образование в России: историко-культурологический очерк. – М., 1998. – С. 62–63.

78

Например, предмет «рисование» был введен в Морской академии в 1715 году, в Хирургической школе при Санкт-Петербургском военном госпитале в 1716 году, в Карповской школе Феофана Прокоповича в 1721 году, в Кадетском корпусе в 1732 году, в Гимназии при Академии наук в 1747 году и других. Подробнее об этом см. Васильева А. А. «Становление художественного образования в России в XVIII–XIX вв.» // UNIVERSUM: Вестник Герценовского университета, № 10, 2007. С. 75.

79

Исследовательница художественного образования в российской империи А. А. Васильева в указанной выше статье пишет о том, что такое распространение рисования как общеобразовательного предмета было связано еще и с развитием промышленности – появилась потребность в людях, владеющих изобразительной грамотой. Позже необходимость подготовки большого числа кадров привела к открытию знаменитого и существующего до сих пор Училища технического рисования С. Г. Строганова в 1825 году в Москве. На короткий период с 1864 по 1872 г. изобразительную грамоту исключали из списка необходимых школьных предметов, но к концу XIХ в. «рисование» вошло в число обязательных дисциплин в гимназиях и училищах. См. Васильева А. А. «Становление художественного образования в России в XVIII–XIX вв.» // UNIVERSUM: Вестник Герценовского университета, № 10, 2007. С. 77.

80

Школа была открыта в 1839 году в помещениях Петербургской таможни на Васильевском острове. После 1922 года была переименована в Ленинградское художественное училище (ЛХУ) имени В. А. Серова. С 1992 года носит название Санкт-Петербургское художественное училище имени Н. К. Рериха. См.: Боровская Е. А. Графические классы и мастерские Рисовальной школы Императорского Общества поощрения художеств. К истории русского искусства начала ХХ в // Научные труды. Институт им. И. Е. Репина, 2013. Вып. 24. С. 86–102.

81

Боровская Е. А. Искусство рисования «в приложении оного к ремеслам». Санкт-Петербургская рисовальная школа и развитие декоративно-прикладного искусства (1839–1917) // Искусствознание № 3–4, 2012. С. 507.

82

Чистяков Павел Петрович (1832–1919) – российский художник и педагог, академик, профессор и действительный член Императорской Академии художеств. Автор собственной системы преподавания рисунка. – Прим. ред.

83

Лаврентьева С. И. С.-Петербургская рисовальная школа в воспоминаниях одной из ее учениц. 1862–1876 (рус.) // Русская старина. – 1889, С. 449–474.

84

Пенсион, или пенсионерская поездка, – часть поощрительной системы Академии Художеств, аналог современного гранта. Пенсионером мог стать выдающийся выпускник академии (часто лауреат большой золотой медали). В дополнение к медали Академия могла выделить средства на турне (поездку и содержание) художника по центрам европейского искусства – Риму, Флоренции, Парижу.

85

В 1832 году Бакунину приняли в качестве «постороннего ученика» в Петербургскую академию художеств. Получив 1-ю серебряную медаль за живопись, уехала в Италию, где посещала мастерскую А. А. Иванова и, по свидетельству ее сестры Екатерины, работала в ателье Делакруа. Кузина русского революционера и теоретика анархизма Михаила Бакунина. – Прим. ред.

86

Маркина Л. А. Художницы в России: от барокко до модерна // Искусство женского рода. Женщины-художницы в России XV–XX веков. – М.: ГТГ, 2002. С. 57.

87

Боровская Е. А. Указ. соч. – С. 512.

88

Об этом подробнее у Абаренковой Е. В. в диссертации «Московские частные художественные студии как явление художественной жизни России конца ХIХ – начала ХХ веков» (1996).

89

Согласно регламенту вольнослушатели также вносили плату за обучение: «По уставу 1859 г. возраст поступающих в ученики Академии был ограничен 16–20 годами. Кроме поступающих в ученики, в Академии был установлен статус вольных посетителей классов с платой 25 кред. руб. в год». Цит. по: Разуев А. В. Финансовое положение Императорской Санкт-Петербургской Академии художеств и некоторых категорий ее преподавательского состава в XIX – начале ХХ века // Вестник КГУ. 2017. № 1. Серия Гуманитарные науки. Выпуск 13. С. 47–53.

90

В частные художественные студии и школы девушки-дворянки могли попасть только по рекомендательному письму от родителя или мужа.

91

Имена художниц-учащихся в Академии на протяжении XIX века: Тереза Сатори, Лебрехт Екатерина, Лембне Екатерина, Мария Курт, Екатерина Хилкова, Софья Сухово-Кобылина, Вера Мейер, Мария Иванова-Раевская, Пелагея Жукова, Виктория Оберг.

92

«О приеме учеников в Высшее художественное училище при Императорской Академии Художеств, на основании устава Высочайше утвержденного 15-го октября 1893 г.» – СПб.: Типо-Литография К. Биркенфельда, 1907. С. 2.

93

Гнедич П. П. Книга жизни: Воспоминания, 1855–1918. – М.: Аграф, 2000. С. 48.

94

Устав Академии 1893 года гласил: «В число учеников высшего художественного училища по живописно-скульптурному отделению принимаются лица обоего пола» // «О приеме учеников в Высшее художественное училище при Императорской Академии Художеств на основании устава, Высочайше утвержденного 15 октября 1893 г.», СПб: Типо-Литография К. Биркенфельда, 1907. С. 2.

95

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984. С. 23.

96

При этом откровенные насмешки над теми немногими художницами, которые отваживались выставлять свои картины в Парижском Салоне, начали появляться еще в эпоху классицизма в западной прессе и касались как раз недостаточного знания анатомии. О работе художницы Констанции Майер «Юная наяда», представленной сегодня в коллекции Лувра в 1812 году (на данный момент специалисты атрибутируют эту работу партнеру и учителю Майер – Пьеру-Полю Прюдону) критик писал: «Не думаю, что стоит тратить время на объяснение юной барышне того, какие пропорции человеческого тела красивы, какую форму и роль имеет каждый из составляющих тело мускулов, чтобы она поняла, наконец, что такое бедро и крестец, и многие другие вещи, понимание которых, впрочем, совершенно бесполезно для ее развития… Женщине следует ограничить свои стремления рисованием каких-нибудь букетов или тем, чтобы запечатлеть на холсте черты дорогих родителей. Разве не противоестественно посягать на что-то большее? Не нарушает ли это все правила целомудрия?»

97

См.: М. Дарьесек. Быть здесь – уже чудо. Жизнь Паулы Модерзон-Беккер. – М.: ВЕБКНИГА, 2016. С. 9.

98

Spice-Gans P. A Revolution on Canvas: The Rise of Women Artists in Britain and France, 1760–1830. Paul Mellon centre. 2022. 384 p.

99

Важно оговориться, что дневник Марии Башкирцевой, несмотря на жестокую цензуру, множество купюр и довольно однобоко сконструированный родственниками после смерти художницы окончательный монтаж издания, был культовой книгой конца XIX – начала ХХ века. Некоторые из наших будущих героинь, например Елена Поленова, вдохновлялись и зачитывались мыслями Башкирцевой и даже отправлялись в путешествие с тем, чтобы обязательно посмотреть ее работы в парижских салонах или европейских музеях.

100

Лефевр Жюль (1836–1911) – французский салонный художник, живописец, специализировавшийся на изображении обнаженной женской натуры.

Робер-Флёри Тони (1837–1911) – французский живописец и педагог, представитель салонного академизма. – Прим. ред.

101

Башкирцева М. К. Если бы я была королевой…: дневник. – М.: Колибри, 2017. С. 259.

102

Башкирцева М. К. Если бы я была королевой…: дневник. – М.: Колибри, 2017. С. 196.

103

В исследовании мы опираемся на текст дневника в самой последней редакции с заголовком «Если бы я была королевой…» (2017). Эту версию дневника можно считать наиболее фактологической из всех изданных на сегодняшний день: в ней переводчица Елена Баевская опирается на последние научные исторические исследования дневника в Европе, осуществляемые в Париже «Кружком друзей Марии Башкирцевой» под научной редакцией Жинетт Апостолеску и Швейцарии под руководством и редактурой Люсиль Леруа. Баевская, насколько это возможно, не только освещает полную историю семьи Башкирцевой, которая намеренно опускалась во всех предыдущих изданиях, но и описывает последовательную историю изданий, редактуры и научных исследований дневника.

104

См. например, Коснье К. Мария Башкирцева: портрет без ретуши. – М.: Терра-Кн. клуб, 2008. – 286 с.; Шартье М. Э. Дневник Марии Башкирцевой как объект цензуры // Автобиографическая практика в России и во Франции. Сборник статей под ред. К. Вьолле и Е. Гречаной. – М.: ИМЛИ РАН, 2006–278 с.; Приказчикова Е. Тайны «Дневника» М. Башкирцевой // Уральский филологический вестник № 1, 2014. С. 12–137.

105

Впервые дневник Марии Башкирцевой был опубликован ее матерью, в Париже, в 1877 году, спустя три года после смерти художницы. Тогда он не мог выйти без значительного количества цензурных купюр, скрывающих многие истинные побуждения самой героини и персонажей дневника – членов семьи, потому как большинство из них были живы и здравствовали. В 1889 году в России отдельной книгой выходит первое русское издание дневника в переводе К. Плавинского.

106

Злой карикатуры в английской прессе удостоилась, например, художница Мария Косвей, жена английского миниатюриста Ричарда Косвея, за то, что продолжала активную карьеру художницы даже после замужества.

107

Зилоти В. П. В доме Третьякова. – М.: Искусство, 1998. С. 108.

108

ОР ГТГ Ф. 153. Ед. хр. 2801. Л. 1. Ист. Ильина Н., Ковалева О. Жена художника Ольга Серова // Третьяковская галерея. #3 2015 (48) https://www.tg-m.ru/articles/3-2015-48/zhena-khudozhnika-olga-se-rova дата обращения 19.09.2022.

109

Обоймина Е. Н., Татькова О. В. Русские жены. Недостижимый идеал. – М.: АСТ-Пресс книга. 2006. С. 151

110

После октябрьского переворота художник Сергей Судейкин с подругой актрисой Верой Шиллинг решают остаться в Крыму, куда уезжали из столицы на летний отдых. Еще во время жизни в Петрограде Вера начала вести дневник, в котором сформулировала «профессиональные» обязанности «жены художника», которая, по ее мнению, должна была:

1) заставлять работать художника хотя бы палкой;

2) любить его работы не меньше самого художника;

3) каждому порыву работы идти навстречу, зажигаться его новыми замыслами;

4) держать в порядке работы, рисунки, наброски, карикатуры. Знать каждую работу, ее замысел, значение;

5) относиться к новым работам как к неожиданным подаркам;

6) уметь смотреть картину часами;

7) быть физически идеалом, а потому быть его вечной моделью.

Этот свод правил настоящей жены художника является крайне любопытным документом эпохи. Он отражает несколько важных линий: во-первых, молодая Вера Судейкина фиксирует и вслух проговаривает то, что до этого являлось скорее негласным кодексом поведения внутри сообщества (традицией). Кроме того, отметим развитый уровень профессионализации русского художественного сообщества, в котором художник, сфера работы которого значительно расширилась на рубеже веков, традиционно уклоняется от условно нетворческих (архивных, редакторских, дисциплинирующих, хозяйственных) практик, в большинстве своем перенося их не на профессионального секретаря (работающего по найму за плату), а на ближайшего человека – жену, которая выполняет свои обязанности бесплатно. Во-вторых, сама Судейкина стремится буквально «превзойти» известных и неизвестных предшественниц и вводит в круг обязанностей не просто содержание в порядке архива, но и такие непроговариваемые и часто даже нерефлексируемые практики, как эмоциональное обслуживание «зажигаться его новыми замыслами», «любить его работы не меньше самого художника». Кроме того, очень интересно, что в ранг обязанностей Судейкина возводит также и необходимость светского интеллектуального соответствия «знать каждую работу, ее замысел, значение», которая означает, что жена в эту эпоху является напарником в светской жизни мужа и так или иначе – частью сообщества, по сравнению, например, с женами представителей прошлых поколений, которые в большинстве своем занимались обеспечением быта и воспитанием детей (жизнью на условной женской половине), а не обсуждением его работ с коллегами и гостями. Отсюда не менее важно и то, чего Судейкина не упоминает или упоминает вскользь в пункте «заставлять художника работать хотя бы палкой» – о домашних обязанностях жены по обеспечению быта и поддержанию соответствующего уровня жизни, к которым добавляется еще дополнительная организационно-контролирующая работа по организации художественного труда мужа.

И последнее: после всей физической, организационной и эмоциональной работы Судейкина призывает быть также «физическим идеалом, а потому быть его вечной моделью». Здесь речь уже скорее о том, что сегодня называется объективирующими бьюти-практиками – работать над собственной внешностью, сохранять физическую привлекательность и постоянно соответствовать визуальным вкусам и пристрастиям мужа и эпохи. Таким образом, если попробовать гипотетически подсчитать количество обязанностей и выделить на осуществление каждой какое-то время, то получится, что весь день жены подчинен распорядку мужа, как и вся жизнь подчинена служению ему. Такие неопатриархальные или неоконсервативные тенденции, как ни удивительно, вполне сочетались в жизни Веры Судейкиной с длительным пребыванием в статусе невенчанной жены (читай: любовницы) Сергея Судейкина, который первым браком был женат на подруге Анны Ахматовой, балерине Ольге Глебовой.

Здесь следует, с одной стороны, напомнить о том, что гендерные нормы городской интеллигенции и богемы, к которой мы относим художественный мир, разумеется, значительно отличались от гегемонных или традиционных. Это означает, что гендерные сценарии относительно ритуалов (таких как венчание, женитьба) или положения жены в семье могли значительно отличаться от привычных в сторону большей свободы и разнообразия (Судейкины, например, поженились спустя несколько лет отношений и совместной жизни). С другой – происхождение, воспитание и родительская среда (а большинство наших героев были выходцами из благородных сословий) могли наложить консервативный отпечаток и скорее, наоборот, утрировать традиционалистские, характерные для родительских семей патриархальные паттерны поведения и восприятия. Оттого довольно свободная в вопросах оформления отношений Вера Судейкина была крайне увлечена традиционной ролью жены художника, не только воспроизводя уже общепринятые стереотипы о вечной модели, музе и недостижимом идеале, но и задавая новые высокие стандарты «профессии» жены.

111

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Т. I–II. – М.: Изобразительное искусство, 1974. С. 128.

112

Причем, эта система была распространена практически на всей территории Европы. Во Франции, например, для поддержки молодых художниц скульптор Элен Берто основала в Париже в 1881 г. Союз женщин-художниц и скульпторов (Union des femmes peintres et sculpteurs). Много лет мадам Берто помогала художницам выставляться в собственном женском салоне, участвовать в ежегодном Салоне Парижа и даже бороться за самую престижную премию – Римскую. Эта борьба заняла многие годы, и во многом благодаря Берто, между 1897 и 1900 годами женщин начали принимать в государственную Академию Изящных искусств с доступом ко всем мастерским, а в 1903 году женщинам было разрешено подавать заявки на Римскую премию.

113

О покровительстве Е. Е. Мейера пишут авторы многих статей о Софье Васильевне. См.: Балдина В. О чём рассказало старинное письмо http://wyksa.ru/2008/04/08/valentina-baldina-o-chem-rasskazalo-starinnoe-pismo.phtml, дата обращения 20.10.2022.

Статья в издании: Государственная Третьяковская галерея: каталог собрания. Живопись XVIII–XX веков. Т. 3: Живопись первой половины XIX века. – М.: Красная площадь, 2005. С. 271–272.

114

Вероятно, знакомство с учителем произошло в Риме – в письме к конференц-секретарю императорской Академии художеств В. И. Григоровичу от 23 августа 1851 года Е. Е. Мейер называет Сухово-Кобылину «одна из моих римских учениц» – об этом подробнее в статье Валентины Балдиной «О чем рассказало старинное письмо», http://wyksa.ru/2008/04/08/valentina-baldina-o-chem-rasskazalo-starinnoe-pismo.phtml, дата обращения 20.10.2022.

115

Так он писал о ней в письме конференц-секретарю Императорской Академии художеств: «Я от души жалею, что она не имеет чести быть лично с Вами знакома; тогда и Вы бы сами убедились, что подобную девицу следует поощрить. Она богата, знатна и бросила все для живописи… Любовь ее к искусству неимоверна <…> Нельзя <…> не поощрить девушку, которая трудится не ради славы, а из любви к прекрасному и деньги которой уходят все на помощь художникам и на собственные успехи» Цит. по: Балдина В. О чем рассказало старинное письмо http://wyksa.ru/2008/04/08/valentina-baldina-o-chem-rasskazalo-starinnoe-pismo.phtml, дата обращения 20.10.2022.

116

В статье о Сухово-Кобылиной в каталоге Третьяковской галереи указаны именно эти годы обучения в Академии. См.: Государственная Третьяковская галерея: каталог собрания. Живопись XVIII–XX веков. Т. 3: Живопись первой половины XIX века. – М.: Красная площадь, 2005. С. 271–272.

117

О медалях, полученных художницей, свидетельствует запись «Получ. отъ Ак. Худож. мед.: въ 1849 г. – 2 серебр.; въ 1851 – 1 серебр. за “Пейзажъ”; въ 1853 г. – 2 золот. за “Крымские виды”; въ 1854 г. – 1 золот. за два “Вида Крыма”» в: Юбилейный справочник Императорской Академии художеств, 1764–1914. Т. 2. – СПб.: Товарищество Р. Голике и А. Вильборг, 1915. С. 192.

118

«Софья Васильевна Сухово-Кобылина, получающая на Акте в Академии художеств первую золотую медаль за “Пейзаж” с натуры»

119

Уже в 1860 годы появляются женские благотворительные организации, которые помогали нуждающимся (самым знаменитым из них было «Общество дешевых квартир и других пособий нуждающимся жителям Санкт-Петербурга», организованное Марией Васильевной Трубниковой, Надеждой Васильевной Стасовой и Анной Павловной Философовой и др. Эта благотворительная организация, имела целью смягчить тяжелые условия жизни беднейших слоев города. Устав был официально утвержден 3 февраля 1861 г., но деятельность общества производилась уже с 1859 года. Помимо М. В. Трубниковой, в число инициаторов входили также А. П. Философова, Н. В. Стасова, В. Н. Ростовцева, Н. А. Белозерская, Е. А. Воронина, Н. И. Ламанский, Н. С. Аленников, Н. И. Шамшин, А. А. Сабуров и др. Больше информации об обществе можно найти в книге И. И. Юкиной Русский феминизм как вызов современности. – Санкт-Петербург: Алетейя, 2007. Стр. 174–177.

120

В конце 1860-х – 1870-х активно работает переплетная мастерская, которую организовала Варвара Александровна Иностранцева (сестра русского ученого-геолога А. А. Иностранцева, гражданская жена В. А. Слепцова) – об этом: Павлюченко Э. А. Женщины в русском освободительном движении: от Марии Волконской до Веры Фигнер. – М.: Мысль, 1988. Стр. 133. Дом трудолюбия для образованных женщин в Санкт-Петербурге был открыт в 1896 году по инициативе О. О. Буксгевдена (о нем подробнее тут: Волков Д. С. Дом трудолюбия для образованных женщин в С.-Петербурге. СПб., 1897). Женская издательская артель (1863) – первая и единственная в истории русского издательского дела женская переводческая и издательская артель. Создана в 1863 году в Петербурге. Во главе ее стояли М. В. Трубникова и Н. В. Стасова. Просуществовала до 1879 года. Подробнее об артели в публикации Ольховский Е. Р. Женская издательская артель // Российские женщины и европейская культура. / Материалы V конференции, посвящённой теории и истории женского движения / Сост. и отв. ред. Г. А. Тишкин. – СПб.: Санкт-Петербургское философское общество, 2001. C.85–89.

121

Куриар Пелагея Петровна (1848–1898) – художница-пейзажистка, почетный вольный общник Академии художеств.

122

Бенуа-Лансере Екатерина Николаевна (1850–1933) – художница, график, акварелистка, представительница династии Бенуа-Лансере, мать художников Зинаиды Серебряковой и Евгения Лансере.

123

Гаугер Эмилия Карловна (1836–1918) художница, живописец, график. Училась в школе при Обществе поощрения художеств, выставлялась на академических выставках, позже преподавала там же в школе при Обществе.

124

Имеретинская Анна Александровна (1841–1914) – художница-любительница, дочь и наследница художника Александра Николаевича Мордвинова, почетный вольный общник Академии художеств.

125

Ольденбургская Евгения Максимилиановна (1845–1925) – светлейшая княжна, благотворитель, основательница «Общины святой Евгении» и издательства «Издание при общине Святой Евгении», которое выпускало открытые письма (художественные открытки) с работами русских художниц – сестер Елизаветы и Варвары Шнайдер, Елизаветы Бём и других. Все сборы от продаж шли на нужды благотворительности (Красного Креста).

126

Помимо членов, действительных членов и экспонентов, кружок охотно принимал и так называемых почетных членов. В разные годы в кружке в качестве почетных членов состояли Иван Константинович Айвазовский, Елизавета Меркурьевна Бём и др.

127

Северюхин Д. Я., Лейкинд О. Л. Золотой век художественных объединений России и СССР. 1820–1932. – СПб.: Чернышев, 1992. С. 257–258.

128

Северюхин Д. Я., Лейкинд О. Л. Золотой век художественных объединений России и СССР. 1820–1932. – СПб.: Чернышев, 1992. С. 257–258.

129

Сомов А. И. Елена Дмитриевна Поленова. – М.: И-во тип. А. И. Мамонтова, 1902. С. 5.

130

Пенсионер (также пансионер) – в XVIII–XIX вв. ученик, окончивший курс в Императорской академии художеств в России и получающий содержание (пенсион) на время дoполнительного совершенствования. – Прим. ред.

131

С семьей Поленовых в разное время были близки Карл Брюллов, Павел Чистяков, Иван Крамской, Илья Репин, Илья Остроухов, Василий Суриков, семья Мамонтовых, Адриан Прахов, Иван Цветаев, Валентин Серов, Исаак Левитан, семья Якунчиковых и др.

132

Сахарова Е. В. Василий Дмитриевич Поленов и Елена Дмитриевна Поленова. Хроника семьи художников. – М.: Искусство, 1964. С. 161.

133

Сахарова Е. В. Василий Дмитриевич Поленов и Елена Дмитриевна Поленова. Хроника семьи художников. – М.: Искусство, 1964. С. 278.

134

Сахарова Е. В. Василий Дмитриевич Поленов и Елена Дмитриевна Поленова. Хроника семьи художников. – М.: Искусство, 1964. С. 320.

135

«Искусства и ремёсла» (англ. Arts & Crafts) – британское художественное движение конца XIX века, участники которого следовали идеям Джона Рёскина и Уильяма Морриса о художественном превосходстве изделий ручного ремесла над продуктами промышленного производства. В некоторых случаях рассматривается источником стиля модерн. Отчасти предвосхищало идеи будущего промышленного дизайна. – Прим. ред.

136

Коллекция музея насчитывала несколько десятков экспонатов, и уже с осени 1885 года эти модели копировались учениками Абрамцевской столярной мастерской, которой руководила Е. Д. Поленова URL: http://ahpkv.ru/museum. – Прим. ред.

137

Из «Дневника Марии Башкирцевой»: С приложением статьи Фр. Коппе и отзывов французской печати. С французского перевел и примечаниями снабдил К. Плавинский. – Санкт-Петербург: тип. М. М. Стасюлевича, 1889. – 126 с. – Прим. ред.

138

Из «Дневника Марии Башкирцевой»: С приложением статьи Фр. Коппе и отзывов французской печати. С французского перевел и примечаниями снабдил К. Плавинский. – Санкт-Петербург: тип. М. М. Стасюлевича, 1889. С. 429.

139

Всемирная выставка 1889 года проходила в Париже с 6 мая по 31 октября и была приурочена к столетию взятия Бастилии. Входной аркой на территорию экспозиции в Трокадеро стала Эйфелева башня инженера Гюстава Эйфеля, которую по окончании выставки предполагалось разобрать. Наиболее резонансными экспонатами выставки были: 111-метровая галерея машин из сварочного железа, текстильные станки, паровые машины, автомобиль Даймлера и автомобиль Бенца. В дни выставки публике впервые была продемонстрирована действующая фотокабина, дана премьера оперы Массне «Эсклармонда» и открыто кабаре «Мулен Руж». Россия была представлена в Париже неофициально силами «Русского технического общества», взявшего на себя расходы на участие в выставке. Архитекторами Русского Отдела были Л. Леблан и О. И. Тибо-Бриньоль. Активное участие в подготовке и оформлении выставки принимал В. И. Вернадский. – Прим. ред.

140

Из «Дневника Марии Башкирцевой»: С приложением статьи Фр. Коппе и отзывов французской печати. С французского перевел и примечаниями снабдил К. Плавинский. – Санкт-Петербург: тип. М. М. Стасюлевича, 1889. С. 436–439.

141

Жюль Бастьен-Лепаж (1848–1884) – французский художник, представитель натурализма в живописи. Один из первых французских художников, изобразивших крестьянский быт в духе натурализма. – Прим. ред.

142

Из «Дневника Марии Башкирцевой»: С приложением статьи Фр. Коппе и отзывов французской печати. С французского перевел и примечаниями снабдил К. Плавинский. – Санкт-Петербург: тип. М. М. Стасюлевича, 1889. С. 438.

143

Работа не сохранилась.

144

Из «Дневника Марии Башкирцевой»: С приложением статьи Фр. Коппе и отзывов французской печати. С французского перевел и примечаниями снабдил К. Плавинский. – Санкт-Петербург: тип. М. М. Стасюлевича, 1889. С. 446.

145

Для выставок товарищества Поленова работала над картинами «Масленица», «Видение Бориса и Глеба воинам Александра Невского» и «Убиение князя Бориса». См.: Сахарова Е. В. Василий Дмитриевич Поленов и Елена Дмитриевна Поленова. Хроника семьи художников. – М.: Искусство, 1964. С. 772. – Прим. ред.

146

Сахарова Е. В. Василий Дмитриевич Поленов и Елена Дмитриевна Поленова. Хроника семьи художников. – М.: Искусство, 1964. С. 519.

147

Например, частное объединение «Мир искусства», с которым активно сотрудничали и Поленова, и Якунчикова-Вебер, начинает заниматься не только художественной и критической деятельностью, но и организацией выставок. Под кураторством Сергея Дягилева мирискусники презентуют две крупные зарубежные выставки современного искусства – «Скандинавскую» (1897) и «1-ю международную». На этих выставках в России были впервые показаны последние достижения в искусстве скандинавского региона и работы импрессионистов.

148

Сомов А. И. Елена Дмитриевна Поленова. – М.: Т-во тип. А.И. Мамонтова, 1902. С. 51.

149

Якунчикова Мария Федоровна (1863–1952) – художница в области декоративно-прикладного искусства, призерка Международной выставки в Париже (1900), с 1908 года вместе с Н. Я. Давыдовой руководила столярными мастерскими в Абрамцеве.

150

Всемирная выставка 1900 года проходила в Париже с 15 апреля по 12 ноября. С этим событием связывают рождение стиля ар нуво (в русском терминологии – модерн). Специально для выставки были сооружены Лионский вокзал, вокзал Орсе (ныне музей Орсе), мост Александра III, Большой и Малый дворцы. Во время выставки начала работать первая линия парижского метро. См.: 1900 l’Expoition et Paris – Guide Illustré du Bon Marché. URL: https://archive.org/details/guideillustrdu00aubo/page/n7/mode/2up?view=theater. Частью выставки стали Летние Олимпийские игры – впервые с участием 22 женщин в числе 997 спортсменов. URL: https://olympics.com/ru/olympic-games/paris-1900.

151

Роберт-Фридрих Мельцер (1860–1943) – российский архитектор и художник, строивший для императорского двора. Принимал участие в отделке интерьеров Зимнего и Аничкова дворца, Александровского дворца в Царском Селе, Нижнего дворца и Коттеджа в Петергофе, императорского дворца в Ливадии. В 1900 году был назначен главным архитектором русского павильона на Всемирной выставке в Париже. С 1918 года жил в Берлине, с 1921 года – в Нью-Йорке. – Прим. ред.

152

Якунчикова-Вебер Мария Васильевна (1870–1902) – российская художница. В 1885 году вслед за сестрой Натальей поступила вольнослушательницей в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, посещала рисовальные вечера, которые В. Д. Поленов с сестрой проводили в своём московском доме. Осенью 1889 года Якунчикова поступила в парижскую академию Жюлиана, где обучалась на протяжении четырех лет. В последующие годы жила в Париже, приезжая на лето в Россию. Приняла активное участие в устройстве Кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки 1900 года в Париже. – Прим. ред.

Работая над подготовкой к выставке осенью 1900 года, Мария Васильевна серьезно простудилась, чем спровоцировала новый, увы, смертельный виток давно прогрессирующего туберкулеза.

153

Неизвестно, сохранилось ли панно, но оригинальная иллюстрация Е. Д. Поленовой сейчас находится в коллекции ГМИИ им. А. С. Пушкина.

154

Князь Вячеслав Николаевич Тенишев (1843–1903) – русский предприниматель, стоял у истоков создания первого в России завода по производству автомобилей. Археолог, социолог и меценат – основатель Тенишевского реального училища в Петербурге.

155

Текст неоднократно издавался на русском языке. См.: Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. – 506 с.; Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Ленинград: Искусство (Ленинградское отделение), 1991. – 286 с.; Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Смоленск, 1999. – 282 с.; Тенишева М. К. Впечатления моей жизни: Воспоминания. – М.: Захаров, 2002. – 396 с.; Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – М.: Молодая гвардия, 2006. – 448 с. – Прим. ред.

156

3 июня 1902 года Николай II подписал закон «Об утверждении правил об улучшении положения незаконнорожденных детей».

157

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Л.: Искусство (Ленинградское отделение), 1991. С. 32.

158

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Л.: Искусство (Ленинградское отделение), 1991. С. 32.

159

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Л.: Искусство (Ленинградское отделение), 1991. С. 35.

160

В исследовании Т. С. Чистяковой указывается, что «свахами обычно становились общительные и предприимчивые женщины среднего и пожилого возраста из мещанского и купеческого сословий. Чаще всего это были одинокие вдовы, для которых сватовство являлось своего рода ремеслом, приносящим определенный доход. В обязанности свах входило не только само сватовство, но и предварительный подбор его объекта, получение сведений о приданом невесты и в чем оно состоит: в платьях, деньгах, вотчинах или дворовых людях». Цит. по: Чистякова Т. С. Ценность информации в ситуации выбора брачного партнера // Социология и социальная работа. Вестник Нижегородского университета им. Лобачевского. Серия Социальные науки. № 3 (8). 2007. С. 138.

161

Чистякова Т. С. Ценность информации в ситуации выбора брачного партнера // Социология и социальная работа. Вестник Нижегородского университета им. Лобачевского. Серия Социальные науки. № 3 (8). 2007. С. 31.

162

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 43.

163

Первые государственные попытки модернизации семейно-брачного законодательства были робкими и непоследовательными. Во-первых, с классово-экономической точки зрения они учитывали лишь права и возможности привилегированных классов, во-вторых, не включали того широкого спектра реальных социальных проблем (в частности, семейное насилие), которые были актуальными для большей части населения страны (крестьянства и рабочих). В 1905 году был предложен проект нового Гражданского уложения, который мог бы заметно смягчить суровые и значительно устаревшие положения о разводе, которым в Российской империи заведовала в основном церковь, но этот проект не был принят. Следующая попытка реформ в этой области была осуществлена в 1908 году, но также не принесла результатов. Таким образом, развод в Российской империи оставался изматывающим многолетним процессом с подчас непредсказуемым результатом.

Вопросами о расторжении брака занималась Святейший Синод, иногда для принятия сложного бракоразводного решения мог привлекаться сам Император, вынося личное Высочайшее дозволение (в отношении представителей высшей аристократии). Имущественными же вопросами расторжения брака ведал другой орган – гражданский суд, что еще более усложняло практику.

До Октябрьской революции 1917 года брак можно было расторгнуть только по нескольким причинам: доказанная 2−3 свидетелями измена одного из супругов (с полным запретом повторного брака виновному лицу), длительное (более 5 лет) безвестное отсутствие одного из супругов, неспособность к брачному сожительству (неспособность иметь детей) и ссылка (непременно в Сибирь) одного из супругов с лишением всех прав и имущества. Однако даже начатые по причине измены процессы не достигали цели, потому что доказать адюльтер было очень сложно. Поэтому правом на развод в основном пользовались представители элит, имевшие общественное или политическое влияние. Представители рабочего класса и крестьянство в большинстве своем не могли позволить себе столь значительные траты на судебные издержки и оплату адвокатских услуг (например, для доказательства вины и поиска свидетелей измены), поэтому такие дела были скорее редкостью.

Семейное (домашнее) насилие, характерное в большей степени для менее обеспеченных социальных слоев – семей городских рабочих и крестьян, основанием для расторжения брака в Российской империи не являлось. Однако в привилегированных сословиях существовала негласная традиция самовольного развода в случае жестокого обращения в семье. Общественное мнение традиционно довольно снисходительно позволяло индивиду лавировать в рамках сложного невербализированного двойного стандарта: с одной стороны, без наказания за совершенное насилие, с другой – без осуждения за самовольный развод, в том числе для женщин.

164

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 269.

165

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 161.

166

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 171.

167

Журнал выходил в Петербурге с 1898 по 1904 г. Изначально выпускался М. К. Тенишевой и С. И. Мамонтовым, с 1902 года – С. И. Дягилевым. Александр Бенуа стал редактором журнала в 1903 году. URL: http://tehne.com/library/mir-iskusstva-hudozhestvennyy-illyust-rirovannyy-zhurnal-s-peterburg-1899-1904. – Прим. ред.

168

В 1898 году М. К. Тенишева подарила Русскому музею 463 рисунка и акварели. Позднее, в 1902, 1903 и 1910 гг., передала музею в дар еще 196 графических работ. URL: https://rusmuseumvrm.ru/data/collections/photo/m.k.tenisheva/index.php. О работах из собрания М. К. Тенишевой в коллекции Государственного Русского музея см.: URL: https://rusmuseumvrm.ru/reference/classifier/key-word/kollekciya._kollekciya_m._k._tenishevoy.php. – Прим. ред.

169

Имя художницы Александры Петровны Шнейдер (1863–1941 (1942?)) введено в научный оборот сравнительно недавно после публикаций искусствоведа Натальи Мозохиной, которая составила первую биографию Александры Шнейдер и ее родной сестры, художницы Варвары Шнейдер (1860–1941). Сестры происходили из обедневшей дворянской семьи и вынуждены были получить учительскую профессию, чтобы иметь возможность зарабатывать на жизнь самостоятельно. Обе они поочередно окончили Школу поощрения художеств, работали в графике и акварели и были близки с художницей Елизаветой Бём (и ее сестрой) и даже работали с ней в соавторстве над некоторыми заказами: Александра выполняла шрифты для рисунков Бём, а Варвара – орнаменты. Помимо этого, сестры Шнейдер совместно работали над множеством заказов, чаще всего для церквей, где выполняли монументальные росписи или писали иконы. Александра прославилась прежде всего цветочными акварельными композициями, которые по достоинству оценила императорская семья, даже пригласившая ее преподавать акварель старшим дочерям. Подробнее о сестрах см.: Мозохина Н. А. Петербургские художницы немецкого происхождения сестры Варвара и Александра Шнейдер: Штрихи к биографии // Электронная библиотека Музея антропологии и этнографии им. Петра Великого (Кунсткамера) РАН. URL: https://www.kunstkamera.ru/files/lib/978-5-88431-176-3/978-5-88431-176-3_28.pdf. Творчеству сестер Шнейдер была посвящена выставка «Сестры милосердия. Живопись и графика Варвары и Александры Шнейдер. Великой войне посвящается», которая прошла с 19 ноября 2014 по 1 марта 2015 в Музее-институте семьи Рерихов в Санкт-Петербурге. – Прим. ред.

170

Автопортрет 1890 года работы Марии Шпак-Бенуа (1870–1891) хранится в Третьяковской галерее. А воспоминания о ней оставил в своих мемуарах брат супруга – Александр Бенуа «Не прошло и двух месяцев с того дня, когда Альбер женился на Марии Викторовне Шпак, как она скончалась от скоротечной чахотки. Несомненно, что трагичную развязку ускорила та быстрая смена климата, которой подверг свою жену Альбер, желавший поспеть на погребение мамы, и потому, прямо из Каира, не останавливаясь нигде, он примчался в Петербург. И прибыли они в самый опасный момент, а именно, когда плывущий ладожский лед вызывает полосу резкого холода. В такие дни и совершенно здоровые люди заболевают, а для слабых грудью эта полоса часто бывает роковой… Уже в первые дни по приезде молоденькая жена Альбера (Мария Викторовна, которой было тогда двадцать лет (если не еще меньше), была дочерью скромного, но не бездарного художника-иллюстратора, скончавшегося, когда она была еще малюткой. Ее взяли на воспитание Канаевы. С самых детских лет Мария Викторовна обнаруживала исключительное дарование к живописи и, учась в рисовальном училище “Общества поощрения художеств”, она подавала самые блестящие надежды. В этой же школе она познакомилась с Левушкой Розенбергом, который сам признавал, что был многим ей обязан в смысле развития понимания красок и техники. По смерти Маруси Бенуа-Шпак осталось довольно много работ для столь короткой жизни, и среди них целая серия прелестных этюдов, сделанные ею в Каире. Часть этого наследия Альбер раздал в память жены; мне, между прочим, достался большой очень красочный натюрморт), с которой я тогда и познакомился, производила тяжелое впечатление своим серым цветом лица и темными пятнами под впавшими глазами, горевшими лихорадочным блеском. Когда же молодые переселились в еще более суровый и сырой климат Финляндии, то болезнь приняла сразу характер безнадежности, и уже через четыре недели Мария Викторовна угасла» (Бенуа А. Н. Мои воспоминания. – М.: Наука, 1980. С. 677).

171

Пейзаж Марии Федоровой (Ионовой) (1859−1934) «К ненастью» (1891) можно увидеть в Третьяковской галерее. Эта работа в год ее создания была приобретена лично Павлом Михайловичем Третьяковым у художницы. Ученица Шишкина, Федорова окончила художественную школу при Обществе поощрения художеств, с 1881 г. была вольнослушательницей Академии, однако, не окончив полного курса, получила две поощрительные медали Академии и в 1892 году – свидетельство преподавателя рисования в женских гимназиях. После революции эмигрировала в Финляндию. Работа «К ненастью» также экспонировалась на выставке «Искусство женского рода» (2000) в Третьяковской галерее и воспроизведена в каталоге.

172

Овандер Анна Эдуардовна (точные даты жизни неизвестны) – петербургская художница и акварелистка. Принимала участие в выставках «Петроградского товарищества художников», существовавшего с 1904 по 1924 год в Санкт-Петербурге и Петрограде.

173

Семенова-Тян-Шанская Ольга Петровна (1863−1906) – этнограф, художница-пейзажистка и собирательница предметов крестьянского быта. Дочь русского географа Петра Петровича Семенова-Тян-Шанского. Училась в Обществе поощрения художеств. Акварели художницы находятся сегодня в Рязанском художественном музее.

174

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Ленинград, «Искусство». 1991. С. 162.

175

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Ленинград, «Искусство». 1991. С. 204.

176

Здание будущего музея было построено в 1905 году и стало открыто для публики в 1909 году. В мае 1920 года в его помещении была открыта Художественная галерея, просуществовавшая здесь до 2011 года. В октябре 2022 года музей возобновил свою работу в качестве Историко-этнографического музея «Русская старина» княгини М. К. Тенишевой. См.: Красновский И. Второе рождение «Русской старины» // Смоленская газета, 12.10.2022. URL: https://smolgazeta.ru/history/104886-vtoroe-rojdenie-russkoy-stariny.html. – Прим. ред.

177

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 252.

178

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 339.

179

Выставка предметов русской старины прошла в Лувре в павильоне Марсан (часть дворца-музея Лувр в Париже) в 1907 году. На ней было представлено более 2000 предметов из тенишевского собрания: одни источники указывают цифру 2828, другие – 5695 экспонатов. К выставке был издан каталог на французском языке. Подробнее см.: Склеенова В. Музей «Русская старина» в Париже // Край Смоленский. № 12. 2018. С. 12–24. URL: https://www.academia.edu/38723182.

Пражская выставка собрания Тенишевой состоялась в салоне Франтишека Топича в 1909 году. URL: https://www.arthousehejt-manek.cz/cs/vystavy-a-aukce/vecerni-aukce-2018-22/seznam-del/misa-5746. – Прим. ред.

180

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 426.

181

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 197.

182

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 195.

183

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Париж: Русское историко-генеалогическое общество во Франции, 1933. С. 195.

184

Тенишева М. К. Впечатления моей жизни. – Ленинград, «Искусство». 1991. С. 168.

185

Перельман И. В. Гендерно-сенситивный компонент как грань образа в произведениях русской портретной живописи конца XIX – начала XX веков // Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого. № 1 (33). 2020. С.185. https://cyberleninka.ru/article/n/genderno-sen-sitivnyy-komponent-kak-gran-obraza-v-russkoy-portretnoy-zhivopisi-kontsa-xix-nachala-hh-vekov/viewer.

186

Тенишева заведовала костюмерной частью балета «Снегурочка», поставленного в 1908 году в парижском театре «Опера комик». Декорации к спектаклю выполнил Н. К. Рерих, по вопросам оформления постановки директора театра консультировал С. П. Дягилев. – Прим. ред.

187

Журавлева Л. С. Княгиня М. К. Тенишева – художница. – Смоленск, 2004. С. 10.

188

Рене Лалик (1860–1945) – французский ювелир и стеклянных дел мастер, один из представителей ар нуво. Создавал динамичные, необычных форм произведения. Работал как в малых формах, выпуская вазы, осветительные приборы, ювелирные украшения с использованием цветного стекла, а также флакончики для парфюмерии различных компаний (позже модный дом Lalique начал выпускать и собственные ароматы), так и в «крупных формах», оформляя гостиницы, церкви, рестораны и пр. – Прим. ред.

189

Озер Дж. Мир эмалей княгини Марии Тенишевой. – М., 2004. С. 131.

190

Единственная беллетризированная и известная на сегодняшний день биография Кувшинниковой: Королева Ю. А. Софья Петровна Кувшинникова. – М.: Гелиос АРВ, 2016. – 256 с.

191

Впервые опубликован в журнале: «Север». № 1. 1892.

192

Кувшинникова С. П. Автобиографический очерк // Сборник на помощь учащимся женщинам. – М.: Тип. Кушнерева, 1901. С. 6.

193

Ржевская Антонина Леонардовна (1861–1934) – художница, одна из двух женщин – участниц Товарищества передвижных художественных выставок.

194

Чехов А. П. Попрыгунья // Полное собрание сочинений в 30 т. Т. 8. Рассказы. Повести. 1892–1894. – М.: Наука, 1977. URL: https://traumlibrary.ru/book/chekhov-pss30-08/chekhov-pss30-08.html#s002001.

195

В России издавались как минимум трижды. См.: Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Тома I–III. – Ленинград: Изд-во Областного союза советских художников, 1935–1951. – 938 с.; Автобиографические записки. Тома I–III. – М.: Изобразительное искусство, 1974. – 1128 с.; Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Тома I–III. – М.: Центрполиграф, 2003. – 1050 с. – Прим. ред.

196

Репин И. Е. Далекое близкое/ Под ред. К. Чуковского. – М.; Ленинград: Искусство, 1949. – 555 с.

197

Бродский И. А. Мой творческий путь. – Ленинград: Искусство, 1940. 128 с.

198

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – М.: Изобразительное искусство, 1974. С. 56.

199

Василий Васильевич Матэ (1856–1917) – русский художник, рисовальщик, гравер, академик и действительный член Императорской Академии художеств. В 1884 году удостоен звания классного художника второй степени, в 1893-м – действительного члена Академии художеств, в 1899-м – звания академика гравирования. В Академии занимал должности зав. граверным отделением и профессора – руководителя мастерской. Знаменит своими гравюрами в технике ксилографии и с 1899 года – в технике офорта. – Прим. ред.

200

Ершова Т. Б. Мир Академии художеств. Доклад в рамках Ежегодной конференции по проблемам петербурговедения 18 февраля 1996 года. См.: http://institutspb.ru/pdf/hearings/03–05_Ershova.pdf. О том, что женщин в Академию начали принимать в начале 1890 годов, упоминает сама Остроумова-Лебедева. См.: Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II.− М.: Центрполиграф, 2003. С. 53. – Прим. ред.

201

Напомним, что устав Академии 1893 года гласил: «В число учеников высшего художественного училища по живописно-скульптурному отделению принимаются лица обоего пола» // «О приеме учеников в Высшее художественное училище при Императорской Академии Художеств на основании устава, Высочайше утвержденного 15 октября 1893 года». – Санкт-Петербург: Типо-Литография К.Биркенфельда, 1907. С. 2.

202

Делла-Вос Ольга Людвиговна, в замужестве – Делла-Вос-Кардовская (1875–1952) – живописец. С 1894 года училась в мастерской И. Е. Репина в Академии художеств. Профессор живописи в школе Общества поощрения художеств (с 1912). В 1917 году была представлена, одновременно с А. П. Остроумовой-Лебедевой, к званию академика. С 1922 года преподавала в Академии художеств в Ленинграде.

Ландезен Берта (Клара-Юлия) Александровна (1868–?) – художница, училась в Академии художеств с 1892 по 1895 год. Звание художника получила в 1901 году.

Тхорусевская-Петрова Александра Ивановна (1876–1921) – художница, с 1893 года училась в Академии художеств. В 1902 году получила звание художника.

Мельникова Елена Павловна (1861–?) – художница, с 1893 года училась в Академии художеств. В 1897 году получила свидетельство на право преподавания рисования.

Шретер Мария Викторовна (1870–?) – училась вместе с А. П. Остроумовой в мастерской И. Е. Репина в Академии художеств.

Давиденко Елизавета Николаевна (1867–?). С 1893 года училась в Академии художеств. В 1910 году получила свидетельство на право преподавания в средних учебных заведениях.

Мартынова Елизавета Михайловна (1868–1904). С 1890 года училась в Академии художеств. В 1901 году получила свидетельство о праве преподавания в средних учебных заведениях.

Клокачева Елена Никандровна (1871–?). С 1891 по 1901 год училась в Академии художеств, получила звание художника.

Федорова Мария Алексеевна (1859–?) – вольноприходящая ученица Академии художеств. В 1890 году получила малую поощрительную медаль, в 1891 году – Большую золотую медаль Академии.

Савич Людмила Федоровна (1865 —?). С 1887 года вольнослушательница Академии художеств, с 1889 года – ее ученица. В 1894 году получила звание художника.

Биографические подробности о художницах см. в разделе «Примечания» к изданию: Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – М.: Центрполиграф, 2003. С.514. – Прим. ред.

203

Эссе Вирджинии Вулф «Своя комната» (англ. A Room of One’s Own) было опубликовано отдельной книгой в 1929 году и основывалось на лекциях, прочитанных писательницей годом ранее в Ньюмэн-колледже и Гёртон-колледже при Кембриджском университете (https://www.bl.uk/works/a-room-of-ones-own). См. также: Вулф В. Своя комната/ Пер. с англ. Д. Горяниной. – М.: Манн, Иванов и Фербер, 2019. – 142 с. – Прим. ред.

204

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Т. I–II – М.: Изобразительное искусство, 1974. С. 118.

Сравните с пассажем из эссе Вулф: «Женщина среднего класса даже в начале девятнадцатого века не могла и мечтать о своей комнате, не говоря о тихой или запертой от посторонних. Раз карманных денег милостью ее отца хватало лишь на платье, у нее никогда не наступало облегчения, которое приходило даже к [поэтам] Китсу, Теннисону, Карлайлу – людям бедным – с прогулкой за город, с короткой поездкой во Францию, наконец, с отдельной крышей, худо ли бедно укрывавшей их от тяжб и ссор с домашними». URL: https://www.litmir.me/br/?b=180590&p=1. – Прим. ред.

205

Остроумова-Лебедева, например, упоминала: «няня и кухарка, жившие у нас больше тридцати лет, соблазнялись моими большими записанными холстами и брали их как половики на кухню или обшивали ими корзины от моли и сырости. Вновь водворяясь в свою комнату, я многого не находила из своих работ». Цит. по: Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – Москва, Центрполиграф, 2003. С. 108.

206

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – Москва, Центрполиграф, 2003. С. 250.

207

Также см. мемуары Софьи Ковалевской, цитировавшиеся во введении к настоящей книге.

208

Согласно реформе 1893 года Академия была разделена на собственно Академию художеств и Высшее художественное училище. Первая объединяла почетных и действительных членов, наиболее крупных известных художников, ученых, историков искусства, меценатов и присуждала эти звания. В Высшем художественном училище-институте завершали учебу люди, получившие начальное образование в многочисленных художественных училищах, школах, студиях и т. п. Новый устав вступил в действие с сентября 1894 года. Остроумова вспоминала, что «по старому уставу все студенты писали натурщиков. Теперь же решили отделить человек шестьдесят и посадить их писать только головы. Я, как мало подготовленная, тоже была переведена в головной класс». См.: Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – Москва, Центрполиграф, 2003. С. 64.

Кроме того, в рамках реформы были созданы персональные мастерские, руководить которыми были приглашены Репин, Куинджи, Шишкин, Маковский, Кузнецов и др. Остроумова посещала мастерскую Репина начиная с 1896 года.

209

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – М.: Центрполиграф, 2003. С. 61.

210

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – М.: Центрполиграф, 2003. С. 188.

211

«Констатируя общность русского модерна со многими явлениями художественной культуры Запада рубежа двух столетий, современники обращали внимание и на его ясно выраженные национальные черты, рожденные общественной атмосферой русской жизни того времени и ее культурной традицией. <…> Ведущие мастера воспринимали свою эпоху как время глубоких драматических конфликтов, как время неизбежных социальных потрясений, которые должны были обновить мир и изменить человеческие судьбы. Здесь были истоки и социальной активизации искусства, и появления утопических концепций, и обострения интереса к национальным особенностям русской культуры прошлого». См. подробнее: Борисова Е., Стернин Г. Русский модерн. – М.: Рип-холдинг. 2014. С. 5–7.

212

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том III. – М.: Центрполиграф, 2003. С. 234.

213

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том III. – М.: Центрполиграф, 2003. С. 237.

214

Письма Е. Н. Званцевой 1890–1908 годов хранятся в фондах РГАЛИ. Избранную переписку Званцевой с Репиным см.: Репин И. Избранные письма в двух томах. 1867–1930. – М.: Искусство, 1969. – 918 с. – Прим. ред.

215

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Том I–II. – М.: Центрполиграф, 2003. С. 365–366.

216

О происхождении Елизаветы Николаевны см.: Звездова В. Жестокая муза // Нижегородский региональный общественный фонд деятелей культуры «Дать Понять». 2009. http://www.gttp.ru/PC/pc_43.htm.

217

Сарабьянов А. Д. Художественная школа Елизаветы Званцевой // Энциклопедия русского авангарда. URL: http://rusavangard.ru/online/history/shkola-e-n-zvantsevoy.

218

О знакомстве Репина и Званцевой см.: Пророкова С. А. Илья Репин. – М.: ТЕРРА, 1997. С. 304–305; Теркель Е. А. Письма И. Е. Репина Е. Н. Званцевой. Историко-биографический очерк // Мир искусств: альманах. Вып. 4. 2000. – СПб.: Дмитрий Буланин, 2001. С. 654–658.

219

Письмо от 19 января 1889 года. Цит. по: Мир искусств: – СПб.: Дмитрий Буланин, 2001. С. 665. Мир искусств: альманах. Вып 4. – СПб, 2001.

220

Пророкова С. А. Илья Репин. – М.: ТЕРРА, 1997. – С. 314.

221

В письмах к Званцевой Репин упоминает, как портрет хвалят его знакомые, например художественный критик В. В. Стасов и художник В. В. Матэ.

222

Академия Коларосси – частная художественная школа, основанная итальянским скульптором Филиппо Коларосси в 1870 году в Париже. В 1910 году Академия Коларосси в числе первых взяла в преподаватели женщину – новозеландскую и английскую художницу Фрэнсис Ходжкинс (1869–1947). Школа закрылась в 1930 году, ее архив не сохранился. – Прим. ред.

223

Академия Жюлиана была основана в Париже французским художником Родольфо Жюлианом в 1868-м (по другим источникам – в 1873-м) году. Обучение в Академии Жюлиана могло служить подготовительным этапом для поступления в Школу изящных искусств, студенты принимались на обучение без вступительных экзаменов, в том числе женщины, для которых художественное образование было недоступно (напомним, в Школе изящных искусств это правило действовало вплоть до 1897 года). Художники, в разное время проходившие обучение в школе: Жан Арп, Лев Бакст, Мария Башкирцева, Дора Маар, Луиз Буржуа, Марсель Дюшан, Эмиль Нольде, Мария Тенишева и многие другие. В 1968 году Академия Жюлиана стала частью Высшей школы изобразительных искусств Penninghen. См.: Becker Jane R. Overcoming All Obstacles: The Women of the Académie Julian. New Brunswuik: Rutgers University Press, 1999. – 146 p. – Прим. ред.

224

Вячеслав Иванович Иванов (1866–1949) – русский поэт-символист, философ, переводчик и драматург, литературный критик, педагог, идеолог символизма, исследователь дионисийства. Одна из ключевых фигур Серебряного века. В 1905 году вместе с женой писательницей Лидией Зиновьевой-Аннибал переехал в Петербург, где их квартира (т. н. «Башня») стала одним из интеллектуальных центров России.

225

Доклад Юлии Оболенской о школе Званцевой был прочитан ей в Государственной Академии Художественных Наук (ГАХН) в феврале 1927 года и опубликован в книге: Алексеева Л. К. Цвет винограда: Юлия Оболенская и Константин Кандауров – М.: АСТ, 2017. С. 329–360. Оригинал доклада хранится в РГАЛИ, фонд 2080, оп.1, ед. хр. и ГТГ, Отдел рукописей, ф., д. 75.

226

Алексеева Л. К. Цвет винограда: Юлия Оболенская и Константин Кандауров – М.: АСТ, 2017. С. 332.

227

Сарабьянов А. Д. Художественная школа Елизаветы Званцевой. http://nukus.open-museum.net/education/profile/9.

228

Бернштейн Л., Неклюдова Л. Л. С. Бакст и его ученики: история одного эксперимента. http://sites.utoronto.ca/tsq/37/tsq37_bern-stein-yastrebinetskaya_nekludova.pdf.

229

Бакст писал о школе Званцевой в статье журнала «Аполлон» (№ 9, 1910): «Мечта моей жизни все более и более воплощается. Четыре года совместной работы с учениками начинают, наконец, создавать ту атмосферу мастерской храма, которая всегда волновала мое воображение… флюид подлинного, волнующего искусства». Цит. по: Бернштейн Л., Неклюдова Л. Л. С. Бакст и его ученики: история одного эксперимента. URL: http://sites.utoronto.ca/tsq/37/tsq37_bernstein-yastrebinetskaya_nekludova.pdf.

230

Остроумова-Лебедева А. П. Автобиографические записки. Т. I–II. – М.: Центрполиграф, 2003. С. 365.

231

Глаголева-Ульянова Анна Семёновна (1873–1943) – художница, училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1889–1896) у Н. В. Неврева, И. М. Прянишникова, К. А. Савицкого; в Рисовальной школе княгини М. К. Тенишевой в Петербурге (1896–1900) у И. Е. Репина; в школе Е. Н. Званцевой и А. А. Хотяинцевой в Москве (1900–1902) у В. А. Серова, К. А. Коровина, Н. П. Ульянова.

232

Грекова Наталья Петровна (1887–1956) – училась в школе Е. Н. Званцевой в Петербурге, у Л. С. Бакста, М. В. Добужинского и К. С. Петрова-Водкина, во время Гражданской войны эмигрировала с семьей в Крым, затем в Константинополь.

233

Гуро Елена Генриховна (1877–1913) – поэтесса и художница, вместе с мужем художником М. В. Матюшиным училась в школе Е. Н. Званцевой в 1906–1907 гг.

234

Денисов Василий Иванович (1862–1922) – художник-символист, до обучения у В. А. Серова в школе Е. Н. Званцевой учился год у К. А. Коровина. Участвовал в выставках объединения художников «Мира искусства».

235

Дымшиц-Толстая Софья Исааковна (1884–1963) – училась в школе Е. Н. Званцевой с 1907 по 1910 год, А. Н. Толстой был ее вторым мужем. В 1908 году по совету Л. С. Бакста едет продолжать учебу в Париж. В 1918 году становится секретарем отдела ИЗО Наркомпроса. В 1919-м организует художественную постановку празднования 2-й годовщины Октябрьской революции в Москве.

236

Ефимов Иван Семенович (1878–1959) – художник-анималист, театральный деятель, профессор. В студии Званцевой учился у К. А. Коровина, В. А. Серова и А. С. Голубкиной, позже учился в Академии Коларосси в Париже. Занимался офортом у Е. С. Кругликовой.

237

Жукова Вера Ивановна (около 1890–?) – художница, кроме школы Е. Н. Званцевой училась в Рисовальной школе при Обществе поощрения художеств. Известно, что Вера Жукова придерживалась идей женского равноправия, как и ее подруга и соратница Фавста Шихманова, а также была участницей художественного организации «Профессиональный союз работников искусств».

238

Иванов Александр Иванович (1888–1948) – художник. Учился в Комиссаровском техническом училище в Москве (1900–1907), в Школе Е. Н. Званцевой в С.-Петербурге (1910–1913) у К. С. Петрова-Водкина. Жил в Москве. Участник объединений «Мир искусств» (1921), «Ассоциация коммунистов-футуристов» (1921), «Московские живописцы» (1925), АХРР (1926), ОМХ (1928–1931). Заведовал Отделом ИЗО Пролеткульта (1918–1920), член Коллегии и сотрудник Отдела ИЗО Наркомпроса (1918–1921).

239

Лермонтова Надежда Владимировна (1885–1921) – живописец, театральная художница, участница выставок объединений «Союза молодежи» и «Мира искусства».

240

Любавина Надежда Ивановна (1876 – не ранее 19 октября 1928) – живописец, книжный график, керамист, литератор, переводчик, педагог. Училась в Рисовальной школе Общества поощрения художеств и Школе живописи и рисования Е. Н. Званцевой (1906–1910) у М. В. Добужинского, Л. С. Бакста и К. С. Петрова-Водкина. Член общества «Союз молодежи». В 1924 году вместе с мужем выехала за границу, жила и работала в Турции и Италии. Умерла в Неаполе. – Прим. ред.

241

Нахман Магда Максимилиановна (1889–1951) – художник, портретист, книжный иллюстратор, сценограф. В 1906 году посещала занятия по живописи в Обществе взаимного вспомоществования русских художников, а с 1907 по 1913 год – занятия в школе Е. Н. Званцевой в Санкт-Петербурге, где училась у Л. С. Бакста, М. В. Добужинского и К. С. Петрова-Водкина. С 1919 по 1920 год работала оформителем и художником в народном театре в деревне Усть-Долыссы под Невелем. В 1922 г. выходит замуж за деятеля индийского национально-освободительного движения Мандаяма Партхасарати Тирумалоима Ачарию, прибывшего в большевистскую Россию с группой единомышленников, и уезжает с ним в Берлин. В 1934 году после прихода к власти Гитлера супруги получают британские паспорта и уезжают в Бомбей, где художница проживет до самой своей смерти. – Прим. ред.

242

Оболенская Юлия Леонардовна (1889–1945) – художница, график, в школе Е. Н. Званцевой училась с 1907 по 1910 г. у Л. С. Бакста и М. В. Добужинского, а затем, после отъезда Бакста в Париж, с 1910 по 1913 год была ученицей К. С. Петрова-Водкина. Доклад Оболенской служит одним из основных источников информации об обучении в петербургской школе Званцевой.

243

Розанова Ольга Владимировна (1886–1918) – художница-авангардистка, график, иллюстратор, участница знаменитой «Последней футуристической выставки 0,10», член обществ «Союз молодежи», «Бубновый валет».

244

Сафонова Варвара Васильевна (1895–1942) – в 1914-м училась в художественной школе Е. Н. Званцевой у К. С. Петрова-Водкина, до этого в частной гимназии кн. Оболенской и в студии Зейденберга. После 1917 года жила в Кисловодске и Тифлисе, позже в Ленинграде, где умерла от голода во время блокады.

245

Тырса Николай Андреевич (1887–1942) – русский и советский живописец, график, специалист прикладного искусства и педагог, представитель ленинградской школы пейзажной живописи. В 1905–1909 гг. обучался на архитектурном отделении Высшего художественного училища при Императорской Академии художеств в Петербурге (курс не окончил) и с 1906 по 1910 год – в частной Школе живописи и рисования Е. Н. Званцевой у Л. С. Бакста и М. В. Добужинского. С 1921 года занимался книжной графикой. В 1940–41 годах работал вместе с В. И. Мухиной в экспериментальном цехе Ленинградской зеркальной фабрики, занимаясь дизайном изделий из стекла. В 1942 году был эвакуирован из блокадного Ленинграда.

246

Чехова Мария Павловна (1860–1957) – педагог, художница, создательница Дома-музея А. П. Чехова в Ялте. В 1872 году поступила в таганрогскую Мариинскую женскую гимназию. После переезда в 1876 году в Москву завершила обучение в Филаретовском женском епархиальном училище (1884). В 1882–1885 годах училась на высших женских курсах проф. В. И. Герье. В 1890 годы училась живописи в Строгановском училище и в частной студии А. А. Хотяинцевой. В 1914 году М. П. Чехова передала музею в Таганроге личные вещи А. П. Чехова. С 1921 года была бессменным директором созданного ею Ялтинского дома-музея А. П. Чехова. Автор книги «Воспоминания об А. П. Чехове: Из далёкого прошлого» (М.: Государственное издательство художественной литературы СССР, 1960. – 290 с.).

247

Шихманова Фавста Николаевна (1880 – после 1930-х) – родилась в дворянской семье, образование получила в частной женской гимназии Л. С. Таганцевой. Училась в школе Е. Н. Званцевой (1910 годы) у К. С. Петрова-Водкина. Постановлением Живописного факультета, утвержденным Правлением Академии художеств 7 сентября 1922 года, Шихмановой присвоено звание художника. Председатель общества «Свободная мастерская» (1916–1917). Входила в «левый блок» Союза деятелей искусств (1917–1918).

248

Репин И. Е. В аду у Пифона. Цит. по: Пророкова С. А. Илья Репин. – М.: ТЕРРА, 1997. С. 320–321.

249

Пророкова С. А. Илья Репин. – М.: ТЕРРА, 1997. С. 321.

250

Об этом см.: Бражкина А. В. Октябрь 1911. Ольга Розанова в школе Званцевой в Петербурге. https://rozanova.net/second_page.pl?id=941&catid=10.

251

Доклад Оболенской в ГАХН, февраль 1927 года. Цит. по: Алексеева Л. К. Цвет винограда: Юлия Оболенская и Константин Кандауров. – М.: АСТ, 2017. С. 357.

252

См.: Вострецова Л. «Больше Вы Не обманете Никого». Филонов vs Петров-Водкин // Кузьма Петров-Водкин и его школа. Живопись, графика, сценография, книжный дизайн: в 2 т. – М.: Галеев – Галерея, 2015. С. 195–199.

253

Данные по поводу года окончания работы школы Званцевой в Петербурге разнятся. В книге «Кузьма Петров-Водкин и его школа: живопись, графика, сценография, книжный дизайн» указан апрель 1917 года, тогда как в процитированной статье Сарабьянова «Художественная школа Елизаветы Званцевой» указан 1916 год.

254

Константин Сомов. Письмо Званцевой. Петроград, 25 сентября 1917 г. http://konstantinsomov.ru/let_1917.

255

Константин Сомов. Письмо Званцевой. Мартышкино, 20 июня, 1898 г. http://konstantinsomov.ru/let_1898.

256

Константин Сомов. Письмо Званцевой. Петербург, 1 января, 1900 г. http://konstantinsomov.ru/let_24.

257

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984. С. 17.

258

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984. С. 18.

259

Бурлюк-Кузнецова Людмила Давидовна (1884–1968) – художница, живописец, график, участница товарищества русских художников и выставок группы «Венок-Стефанос».

260

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984. С. 31.

261

Уханова Анастасия Васильевна (1885–1973) – художница, живописец, график, сценограф, работала в Мариинском театре и Эрмитаже. Уханова Анна Васильевна (1882 – год смерти неизвестен) – художница, преподавательница, реставратор шитья отдела тканей Государственного Русского музея (1926–1927). Отец и мать сестер Ухановых происходили из костромских крестьян, нажили значительное состояние, однако остались неграмотными.

262

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984. С. 41.

263

«Союз молодежи» – первое столичное творческое объединение русского авангарда. Основано в ноябре 1909 года по инициативе М. В. Матюшина и Е. Г. Гуро, развивалось при деятельном участии Волдемара Матвея, В. Д. Бубновой и многих других художников, при участии и поддержке коллекционера и мецената Л. И. Жевержеева. Просуществовало с 1910 по 1919 год. Занималось выставочной и издательской деятельностью. Экспонентами выставок Союза были почти все крупные представители авангарда. – Прим. ред.

264

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. – М.: Наука, 1984. С. 45.

265

Остроухов Илья Семенович (1858–1929) – художник, коллекционер, один из руководителей Третьяковской галереи. Коллекция икон, собранная Остроуховым, стала значимым культурным событием в России. Именно под управлением Остроухова в качестве попечителя Третьяковской галереи в 1904–1905 годах были впервые проведены реставрационные расчистки «Троицы» Рублева, поразившие зрителя совершенно новыми цветами – до этого иконы находились под множеством слоев потемневшей олифы и многочисленными поздними записями. Открытая таким образом древнерусская икона получила новый культурно-исторический статус в качестве живописного объекта. О коллекции икон Остроухова восторженно отзывался Анри Матисс, посетивший Москву в октябре 1911 года.

266

Марков В. Искусство негров. – Петербург: Отдел изобразительных искусств Наркома по просвещению, 1919. – 154 с.

267

Двоюродный дядя художницы и музыканта Йоко Оно. См. URL: http://rgfond-ru.1gb.ru/person/166415, дата обращения 20.10.2022. – Прим. ред.

268

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. С. 65.

269

Напр.: литография «За красным столом» (1927), «Поля под Фудзиямой» (1931), «Ветер» (1938), «Темные астры» (1968–69), «Кресло и цветы» (1973), «За зеленой дверью» (1972) и др.

270

«Если оторваться от изобразительного искусства Запада и обратиться к Востоку – к его фрескам и миниатюре, пейзажам и портретам, свиткам и деревянной гравюре – мы убедимся, что здесь художники мыслят не трехмерной формой, а строят свои изображения плоскостями и линиями. Художники Востока, по вековым традициям работающие в плоскости, не воспринимают этот метод как условный. Но и каждый художник, обладающий чуткостью и широтой восприятия, способен почувствовать и увидеть жизнь и глубокое содержание в этих плоскостных изображениях». См.: Бубнова В. Д. Пластическая форма. Варвара Дмитриевна Бубнова. Акварели. Литографии. Каталог. М. Советский художник. 1976. С. 10.

271

ИНХУК (Институт художественной культуры) – институт изучения новейшего искусства, основанный в Москве по инициативе В. В. Кандинского и просуществовавший с 1920 по 1924 год. Идея создания института возникла в 1919 году, уже на следующий год он был зарегистрирован, на его базе проходили дискуссии по проблемам композиции, теории и истории культуры и пр. В марте – апреле 1921 года создаются рабочие группы: конструктивистов (Родченко, Степанова, К. К. Медунецкий, К. В. Иогансон, В. А. и Г. А. Стенберги, Ган и другие), архитекторов (Н. А. Ладовский, В. Ф. Кринский и другие), скульпторов (Королёв и другие), обжективистов (Древин, Попова, Н. А. Удальцова, А. А. Веснин и другие). Программы их несколько различались. Осенью 1921 года в работе ИНХУКа происходит перелом. Председателем правления института становится Осип Брик, часть художников, несогласных с новым направлением работы института, включая Б. Д. Королёва, И. В. Клюна, Д. П. Штеренберг и Н. Д. Удальцову, покидают его стены. См.: Михайлова М. Б., Ракитин В. И. Инхук (Институт художественной культуры) // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/inkhuk. – Прим. ред.

272

Хан-Магомедов С. О. Архитектура советского авангарда. Кн. 1. Проблемы формообразования. Мастера и течения. – М.: Стройиздат, 1996. С. 139.

273

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. С. 67.

274

Программа Рабочей группы объективного анализа была принята в феврале 1921 года после того, как в президиум института во главе с А. М. Родченко вошли В. Ф. Степанова, А. В. Бабичев, О. М. Брик. Приоритетом работы становится экспериментальное научное и идеологическое исследование предметов искусства в их цельности и во взаимоотношениях. См.: Михайлова М. Б., Ракитин В. И. Инхук (Институт художественной культуры) // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/inkhuk. – Прим. ред.

275

Кожевникова И. П. Варвара Бубнова. Русский художник в Японии. С. 68.

276

См. подробнее: Дзётаро Ота. «Являетесь Вы искусствоведом, или подходите к искусству с другой, менее опасной стороны?» Переписка В. Д. Бубновой с Н. И. Харджиевым (1973) // Искусствознание. № 2. 2022. http://artstudies.sias.ru/upload/isk/isk_2022_2_366–415_ota.pdf. – Прим. ред.

277

Кожевникова И. П. Указ. соч. С. 68.

278

Информация об этих выставках содержится в личной переписке Варвары Бубновой с японским русистом Рёхэй Ясуи. См.: Ясуи Р. Письма В. Д. Бубновой к Р. Ясуи. – Токио: [б. и.]; Москва: [б. и.], 1996.

279

«Амазонками» художниц авангарда впервые назвал Бенедикт Лившиц, употребив этот термин в книге «Полутораглазый стрелец» (1933) применительно к Н. С. Гончаровой, О. В. Розановой и А. А. Экстер. В конце 1990 годов термин «амазонки авангарда» вновь вошел в оборот после выставки «Амазонки авангарда (Amazons of the Avant-Garde)», организованной в 1999–2001 гг. Музеем и фондом Соломона Гуггенхайма в Берлине, Лондоне, Венеции, Нью-Йорке, Бильбао и Москве (кураторы Мэттью Друтт, Джон Боулт и Зельфира Трегулова). Выставка была посвящена творчеству шести русских художниц: Н. С. Гончаровой, Л. С. Поповой, О. В. Розановой, В. Ф. Степановой, Н. А. Удальцовой и А. А. Экстер. В дальнейшем круг «амазонок» значительно расширился: в него были включены имена Е. Г. Гуро, В. Е. Пестель, М. М. Синяковой и др. См.: Сарабьянов А. Д. Амазонки // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/amazonki.

Каталог выставки представляет самостоятельный интерес: Амазонки авангарда: Александра Экстер, Наталья Гончарова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Варвара Степанова, Надежда Удальцова. – Нью Йорк: Музей Соломона Р. Гуггенхайма; М.: Государственная Третьяковская галерея, 2000. – 366 с.

В 2004 году под редакцией Г. Ф. Коваленко вышел сборник научных статей, посвященных «амазонкам авангарда». См. подробнее: Амазонки авангарда (сост. Г. Ф. Коваленко). – М.: Наука, 2004. – 338 с.

Любопытна позиция самого составителя сборника Г. Ф. Коваленко. В вводной статье автор сообщает о весьма критическом отношении к попыткам западных исследователей анализировать творчество и жизнь художниц с помощью гендерной оптики. Говоря про художниц авангарда, автор отмечает некоторые общие черты, которые противоречат, на его взгляд, феминистскому прочтению их судьбы: «Женственность и грация присущи им были во всем». Или: «Музыкальностью, изяществом, гармонией пронизано все в абстракциях Экстер, Поповой, Удальцовой, Гончаровой…» // Амазонки авангарда (сост. Г. Ф. Коваленко). – М.: Наука, 2004. С. 4–5.

Впрочем, сам факт проведения подобной выставки, публикации к ней каталога и научного сборника, а также последовавшая за ней дискуссия представляются весьма важным и значимым событием. – Прим. авт. и ред.

280

См.: Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994. – 204 с.

281

Николай Ульянов – учитель сестер Удальцовых (Людмилы, Надежды и Варвары) – был учеником и помощником Валентина Серова и Константина Коровина, преподавал в частной школе Елизаветы Званцевой.

282

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994. С. 9.

283

Академия Палетт (Académie de La Palette, фр. «Академия палитры») – частная художественная школа в Париже, просуществовавшая с 1888 по 1914 год. С 1912 года школу возглавили Анри Ле Фоконье и Жан Метцингер, превратив школу в оплот «авангарда в авангарде». – Прим. ред.

284

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994. С. 18.

285

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994. С. 19.

286

Упомянутая выставка общества художников «Бубновый валет» состоялась в 1914 году в Москве на ул. Б. Дмитровка (дом Левинсона). О работах Удальцовой упоминает в своей рецензии А. Грищенко. См.: Грищенко А. «Бубновый валет». Впечатление от выставки. – Новь, Москва, 1914. N 22. С. 9–10; Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994. – 204 с. – Прим. ред.

287

Выставка прошла по адресу: Петроград, Б. Морская, 38 (Малый зал Общества поощрения художеств) – с 3 марта по 2 апреля 1915 года. Организаторами выставки стали художники И. А. Пуни и К. Л. Богуславская. Название экспозиции предложил К. С. Малевич, он же осуществлял отбор участников. Свои произведения на выставке представили К. Л. Богуславская, И. В. Клюн, К. С. Малевич, А. А. Моргунов, И. А. Пуни, О. В. Розанова, В. Е. Татлин, А. А. Экстер, Л. С. Попова, Н. А. Удальцова и В. В. Каменский (вне каталога). Согласно каталогу, экспонировалось 92 произведения. Источник: Иванова М. К. «Первая футуристическая выставка “Трамвай В”» // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/pervaya-futuristicheskaya-vystavka-tramvay-v. – Прим. ред.

288

Одна из главнейших выставок десятилетия «0,10» (1915), подведшая итог размежеваниям в лагере новейших художников и планировавшая окончательно закрыть футуристический этап, была призвана «закрепить» изобретенный Казимиром Малевичем супрематизм как наивысшее достижение эпохи, ниспровергнув при этом все предыдущие. В афише было указано, что эта выставка станет «последней футуристической выставкой». Закрепление супрематизма как превосходной стадии после почти десятилетия формальных исканий русских художников в области новейшего искусства должно было происходить под чутким и неусыпным контролем идеолога выставки Казимира Малевича и кураторов-спонсоров – художников Ксении Богуславской и Ивана Пуни. Состоялась же выставка в Петербурге, в знаменитом частном художественном бюро Надежды Добычиной на Марсовом поле. – Прим. авт.

«Последняя футуристическая выставка картин “0,10”» прошла с 20 декабря 1915 года по 19 января 1916 года. Участвовали Н. И. Альтман, К. Богуславская, М. И. Васильева, В. В. Каменский, А. М. Кириллова, И. В. Клюн, Малевич, М. И. Меньков, В. Е. Пестель, Л. С. Попова, И. Пуни, О. В. Розанова, В. Е. Татлин, Н. А. Удальцова. См.: Иванова М. К. «Последняя футуристическая выставка картин “0,10”» // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavan-gard.ru/online/history/poslednyaya-futuristicheskaya-vystavka-kartin-0–10-. – Прим. ред.

289

«Вербовка» – кустарное общество декоративного-прикладного искусства, созданное в 1900 году в селе Вербовка Чигиринского уезда Киевской губернии Российской империи помещицей Натальей Михайловной Давыдовой. Начиная с 1915 года Давыдова заказывала эскизы вышивок художникам авангарда, среди которых были Казимир Малевич, Надежда Удальцова, Ольга Розанова, Нина Генке, Любовь Попова, Иван Клюн, Иван Пуни и др. Первая выставка артели «Современное декоративное искусство Юга России» открылась в Москве 6 ноября 1915 года в галерее Лемерсье. Вторая и последняя выставка «Вербовки» состоялась в декабре 1917 года в салоне Михайловой в Москве (около 400 работ, выполненных на основе супрематической беспредметности). См.: Игнатенко Г. С. Вышивая авангард: супрематические вышивки на примере деятельности артели «Вербовка» 1900–1919 https://cyberleninka.ru/article/n/vyshivaya-avangard-suprematicheskie-vyshivki-na-primere-deyatelnosti-arteli-verbovka-1900-1919/viewer, дата обращения 20.10.2022.

290

Туловская Ю. Текстиль авангарда. Рисунки для ткани. – Екатеринбург: TATLIN, 2016. С. 23.

291

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 29.

292

Например, известно, что художница Вера Владимировна Хлебникова уехала из Парижа, где она училась год в академии Коларосси, в Италию исключительно по экономическим причинам: у родителей не хватало денег на содержание, а итальянская провинция была в то время значительно дешевле французской столицы.

293

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 35.

294

«А тут художники ополчились против нас, левых, диких. – писала по этому поводу Надежда Удальцова. – Нас мало, мы не сгруппированы. Создается официальное искусство, где нам не будет места. Всякие Коровины – Лентуловы полезут в гору. Надо что-то делать» // Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994, С. 36.

295

Тем же пафосом бесконечного преодоления пропитаны и дневниковые записи Антонины Софроновой. По словам ее дочери Ирины Евстафьевой, в них практически отсутствует личная жизнь, речь ведется только о работе, мысли касаются только живописи и ежедневного постижения ее законов, а также собственного формирования истории искусства, его стилей, национальных черт и эталонов. Например, запись от 24 июня 1919 г.: «В искусстве надо идти по линии наибольшего сопротивления – тогда можно достигнуть чего-нибудь». Или: «Молиться, собирать в себе волю как можно чаще, каждую минуту, иначе впадаешь в расслабление воли, в безбожие, в неисполнение своего предназначения. Собирать в себе волю затем, чтобы выполнить то, к чему считаешь себя предназначенным»// Софронова А. Записки независимой. Дневники, письма, воспоминания. Под ред. В. Ракитина и А. Сарабьянова. – М., 2001. С. 109, 112.

296

Удальцова пишет: «Прочла то, что я писала с двадцати одного года, и мне стыдно. 10 лет прошло, и я ничего не сделала. Я много тогда предчувствовала и как была я духом свободна, а теперь? Да, смерть мамы, болезнь Милы, папина [болезнь] в прошлом году, его одиночество сейчас, неудачи Саши – все это разбило меня, как тогда, после восстания [1905 года]. 10 лет прошло, я писала тогда – жизни только 10 лет; 31 год я считала старостью, но как я молода еще, я страшно молода, но, как и тогда, физические силы слабы. И я была духовно свободна, вот что было тогда самая моя ценность. Если бы я увидела себя тогда, как я сейчас, я отвернулась бы с презрением. Ну, не хорошо. Романтика, соб<ственно> говоря, может быть вычеркнута, этого довольно» // Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 34.

297

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 42.

298

После Октябрьской революции появляется новый термин – «агитмассовое искусство». Агитация первых послереволюционных лет была поистине широкомасштабной: молодые советы не только устанавливали памятники, стелы, передвижные декоративные конструкции, расписывали агитпоезда и создавали агиттеатры, но и активно уничтожали монументы предыдущего строя. Например, снос памятника Александру II на Боровицком холме Московского Кремля был практически театрализованным действием, поэтапно фиксировавшимся на фотопленку и распространяемым через прессу.

299

Московская коллегия по делам искусств (Московская художественная коллегия) была создана 11 апреля 1918 и просуществовала до 1919 года. В коллегию вошли представители различных направлений искусства и архитектуры: А. А. Веснин, С. И. Дымшиц-Толстая, П. П. Кончаловский, И. И. Машков, А. А. Моргунов, В. Е. Татлин, Н. А. Удальцова, А. В. Шевченко, позже – Б. Д. Королёв, К. С. Малевич, А. М. Родченко, О. В. Розанова, Р. Р. Фальк и В. Ф. Франкетти. В мае 1918 г. Татлин становится заведующим московским Отделом Изо и одновременно председателем Коллегии по делам искусств. См.: Московская коллегия по делам искусств (Московская художественная коллегия) // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/moskovskaya-kollegiya-po-delam-iskusstv. – Прим. ред.

300

Пролеткульт – Массовые пролетарские культурно-просветительские организации, нацеленные на создание пролетарской культуры и пролетарского искусства. Были созданы по инициативе А. В. Луначарского при Наркомате просвещения в 1917 году и просуществовали до 1932 года. Идеологами Пролеткульта были А. А. Богданов, А. К. Гастев, В. Ф. Плетнёв. С Первым рабочим театром Пролеткульта сотрудничали С. М. Эйзенштейн, В. С. Смышляев, И. А. Пырьев. См.: Пролеткульт 1917–1932 // Энциклопедия авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/proletkult.

301

«Анархия» – общественно-литературная газета, печатный орган Федерации анархических групп Москвы. Первый номер газеты вышел 13 сентября 1917 года. В 1919 году преемницей «Анархии» стала одноименная газета организации анархистов подполья. Постоянными авторами газеты до 1918 года были А. М. Ган, К. С. Малевич и А. М. Родченко и др. Подробнее см.: Сайт Государственной публичной исторической библиотеки. URL: http://elib.shpl.ru/ru/nodes/40299-anarhiya-organ-moskovskoy-fede-ratsii-anarhistskih-grupp-m-1917-1918-ezhened.

302

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 45.

303

СВОМАС (Свободные государственные художественные мастерские) – серия художественных школ, основанных в нескольких городах России после Октябрьской революции. Возникли в 1918 году в Москве, заменив Строгановское художественное училище (преобразованное в Первую свободную художественную студию) и Московское училище живописи, ваяния и зодчества (преобразованное во Вторую свободную художественную студию), и в 1919 году в Петрограде путем переименования Петроградских Вольных художественных учебных мастерских (Пегосхума), образованных годом ранее при упразднении Академии художеств. В 1920 году московский СВОМАС сменил ВХУТЕМАС, петроградский СВОМАС – Петроградские государственные художественно-образовательные мастерские реконструированной Академии художеств (в 1919 году). Целью СВОМАС было распространение знаний и навыков в области искусства среди ранее неимущих классов рабочих и крестьян. – Прим. ред.

304

ВХУТЕМАС (Высшие художественно-технические мастерские) открылись в Москве в 1920 году в здании бывшего Строгановского художественного училища, в 1918 году преобразованного в Свободные мастерские (СВОМАС). Преподавателями ВХУТЕМАСа были приглашены главные участники бурной художественной жизни 1910-х, представители самых различных художественных течений: супрематисты Казимир Малевич и Алексей Моргунов, бубновалетовцы Петр Кончаловский и Александр Куприн, в качестве кубофутуриста на призывном листке СВОМАСА выступал Владимир Татлин, от символистского крыла был приглашен Павел Кузнецов, художники Филипп Малявин и Федор Малютин представляли фракцию натуралистов, а Николай Ульянов (учитель Н. Удальцовой) – реалистов. Широчайшее представительство всех направлений актуального искусства должно было обеспечить высокий уровень свободы и преподавателям, и студентам.

305

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 50.

306

Древин Александр Давыдович (Александр-Рудольф Древиньш, 1889–1938) – российский и советский художник латышского происхождения. В 1908 году поступил в Рижскую городскую художественную школу, где учился у основателя современной латышской живописи Вильгельма Пурвитиса. В 1915 году в связи с началом Первой мировой войны вместе с семьей покинул Ригу и обосновался в Москве, входил в объединение «Бубновый валет», участвовал в выставках, организуемых в галерее Н. Е. Добычиной. В 1919 году руководил Музеем живописной культуры и входил в состав объединения латышских художников «Группа экспрессионистов». С 1920 года был профессором ВХУТЕМАСа, где руководил мастерской до закрытия института в 1930 году. В 1927–1928 годы был членом-учредителем и экспонентом выставок Общества московских художников. В 1931 году вошёл в состав участников выставки «Тринадцать». 17 января 1938 арестован и расстрелян на Бутовском полигоне. Реабилитирован 30 октября 1957 года. – Прим. ред.

307

Об отношениях Удальцовой с Древиным см.: Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. Дневники. Статьи. Воспоминания. – М.: Литературно-художественное агентство RA, 1994. С. 50–51. – Прим. ред.

308

«У меня нет чувства вины перед Сашей У[дальцовым], я себя ломала, я билась около него, жизни одна я больше создавать не могла. Когда-то сказала я о Древине в начале нашего сближения: <…> уже тогда я знала, что жизнь общая искусства приведет к общей жизни <…>. То, о чем я мечтала, воплотилось в нем целиком. Друг, муж – все в нем одном. Это действительно брак, говорит он <…>. И он, и я уважаем друг друга слишком, чтобы поработить друг друга. Право, не только любить, но и ценить, и заботиться друг о друге мы должны». Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 58.

309

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 55.

310

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 56.

311

Удальцова Н. Жизнь русской кубистки. С. 59.

312

Группа художников, работавших по преимуществу в графике, ставивших целью разработку определенных стилистических задач в акварели и рисунке. Названа по первоначальному числу участников, ядро которых составляли Н. В. Кузьмин, В. А. Милашевский, Д. Б. Даран, С. Н. Расторгуев. В группу также входили: О. Н. Гильдебрант (Арбенина), А. Д. Древин, Л. Я. Зевин, Т. А. Маврина (Лебедева), М. И. Недбайло, А. Ф. Софронова, Ч. К. Стефанский, Н. А. Удальцова, Ю. И. Юркун и др. Первая выставка группы открылась 10 февраля 1929 в помещении Дома печати на Никитском бульваре (ныне – Центральный дом журналиста). Вторая выставка, намеченная на весну 1930 г., не состоялась из-за конфликта внутри группы. Третья и последняя выставка группы открылась 18 апреля. Помимо работ членов группы, экспонировался ряд произведений Д. Д. Бурлюка, уже проживавшего в США, а также Н. А. Удальцовой и А. Д. Древина. По просьбе участников выставку посетил А. В. Луначарский, который высоко оценил экспозицию и дал рекомендации по приобретению ряда работ в музеи. См. об этом: Творческое объединение 13. URL: https://artinvestment.ru/auctions/?c=114600. – Прим. ред.

313

Бескин О. М. Формализм в живописи. – М.: Всекохудожник, 1933. – 88 с. – Прим. ред.

314

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 29.

315

Бернштейн Михаил Давидович (1875–1960) – русский и советский живописец, график и педагог, с 1907 по 1916 год преподававший в основанной им самим частной художественной школе в Петербурге/Петрограде. Здесь учились М. В. Ле-Дантю, В. В. Рождественский, В. Е. Татлин, В. В. Лебедев, В. И. Козлинский, Е. И. Турова. Помимо Бернштейна, в мастерской преподавали К. С. Петров-Водкин, А. Н. Бенуа, Е. Е. Лансере. – Прим. ред.

316

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 32

317

Ле-Дантю Михаил Васильевич (1891–1917) – художник и теоретик раннего авангарда, открыватель живописи Нико Пиросмани, сооснователь группы «Бескровное убийство».

318

Лешкова Ольга Ивановна (1883–1942) – писательница, литератор, музыкант, соосновательница группы «Бескровное убийство», авторка и редактор текстов к издаваемому группой одноименному журналу.

319

Членами группы, помимо Ле-Дантю, Ермолаевой и Лешковой, были Е. И. Турова, О. И. Лешкова, Н. Ф. Лапшин, Н. П. Янкин. См.: Заинчковская А. Н. Ермолаева Вера Михайловна // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/biographies/ermolaeva-vera-mikhaylovna. – Прим. ред.

320

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 43.

321

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 57.

322

Лапшин Николай Федорович (1891–1942) – художник, график, публицист, представитель ленинградской пейзажной школы. Член объединений: «Союз молодёжи» (1917–1919), ОНТ – Объединение новейших течений (1922–1923), Общество художников-индивидуалистов (с 1922), «4 искусства» (с 1926).

323

Турова Екатерина Ивановна (годы жизни неизвестны) – художница, график, иллюстратор, участница творческих объединений «Артель Сегодня», «Бескровное убийство», «Искусство-революция» и др. Жена художника и преподавателя Михаила Бернштейна.

324

Любавина Надежда Ивановна (1876–1959) – художница, график, керамистка, литератор, переводчица, выпускница школы при ОПХ и школы Елизаветы Званцевой, участница творческих объединений «Артель Сегодня», «Бескровное убийство», «Искусство. Революция».

325

Анненков Юрий Павлович (1889–1974) – художник, график, театральный деятель, мемуарист эпохи русского авангарда.

326

Венгров Моисей Павлович (1894–1962) – литератор, литературный критик, поэт.

327

См.: Герасимова Д. Непокоренная стихия // Библиогид. https://bibliogid.ru/archive/khudozhniki/ocherki-o-khudozhnikakh-illyustratorakh/764-ermolaeva-vera-mikhajlovna. – Прим. ред.

328

Заинчковская А. Н. Ермолаева Вера Михайловна // Энциклопедия русского авангарда. https://rusavangard.ru/online/biographies/ermolaeva-vera-mikhaylovna.

329

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 67.

330

УНОВИС («Утвердители нового искусства») – группа учеников и последователей К. С. Малевича, существовавшая в 1920–1922 годы. В январе 1920 сторонники Малевича по ВНХУ основали объединение «Молпосновис» («Молодые последователи нового искусства»), через несколько дней, приняв старших по возрасту членов, объединение изменило название на «Посновис», с 14 февраля оно стало называться «УНОВИС». Ядро возглавляемой Малевичем группы насчитывало около 40 человек (среди них А. С. Векслер, М. С. Векслер, И. Т. Гаврис, Э. И. Гурович, В. М. Ермолаева, Л. Л. Зуперман, Н. И. Иванова, Н. О. Коган, Л. М. Лисицкий, Е. М. Магарил, В. Носков, Г. И. Носков, М. И. Носков, Е. М. Рояк, Д. Н. Санников, Н. М. Суетин, Л. М. Хидекель, М. В. Цейтлин, Л. О. Циперсон, И. Г. Чашник, И. И. Червинко, Л. А. Юдин). В 1920–1921 гг. УНОВИС объявил о создании своих отделений в Оренбурге Самаре, Смоленске Перми, Екатеринбурге, Саратове и Одессе. УНОВИС задумывался как «партия супрематизма», провозгласившая супрематическую систему ведущим художественным течением и жизнестроительной программой. См.: Горячева Т. В. УНОВИС («Утвердители нового искусства») // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/unovis. – Прим. ред.

331

«Победа над Солнцем» – «заумная» опера на стихи А. Е. Кручёных и музыку М. В. Матюшина с прологом В. В. Хлебникова, впервые поставленная 3 и 5 декабря 1913 художественным объединением «Союз художников» в театре «Луна-парк» в Санкт-Петербурге. Декорации к спектаклю выполнил К. С. Малевич. Вторая постановка оперы состоялась в 1920 году в Витебске. Оформлением оперы занималась В. М. Ермолаева, которая наряду с использованием кубофутуристических приёмов, идущих от спектакля 1913 г., включила в оперу ряд элементов в супрематической стилистике (сохранилась серия линогравюр, в которых художница воспроизвела эскизы декораций и костюмов). Свою постановку оперы задумал, но не осуществил Л. М. Лисицкий: по его замыслу, вместо актёров должны были действовать «фигурины» (персонажи «электромеханического шоу»). См.: Поляков В. В. «Победа над Солнцем» // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/pobeda-nad-solntsem. – Прим. ред.

332

Заинчковская А.Н. Ермолаева Вера Михайловна // Энциклопедия русского авангарда. https://rusavangard.ru/online/biographies/ermolaeva-vera-mikhaylovna.

333

Об этом см.: Ле Фоль Клер. Витебская художественная школа (1897–1923). Зарождение и расцвет в эпоху Ю. Пэна, М. Шагала и К. Малевича. – Минск: Пропилеи, 2007. С. 137–138.

334

Датировано 1922 годом.

335

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 121.

336

Декоративный институт функционировал в Петрограде – Ленинграде с 1918 по 1926 год и располагался в здании бывшей фабрики, принадлежавшей меценату и коллекционеру Л. И. Жевержееву (1881–1942). Руководителем института был художник И. С. Школьник (1883–1926), сам Жевержеев был ученым секретарем и заведующим научно-исследовательской частью. См.: Сарабьянов А. Д., Арская И. И. Школьник Иосиф Соломонович // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/biographies/shkolnik-iosif-solomonovich.

Словцова Е. Сейчас вспоминаю… // Искусство Ленинграда. № 7. 1991. URL: https://imwerden.de/pdf/iskusstvo_leningrada_1991_7__ocr.pdf. – Прим. ред.

337

Музей художественной культуры был создан в 1919 году и открылся для публики весной 1921 года в Петрограде. Его деятельность была сосредоточена вокруг собирания и исследования «новейших течений» в искусстве. С августа 1923 года директором музея становится К. С. Малевич, в октябре 1923-го при музее возникают исследовательские отделы, в 1924 году он официально получает статус научного учреждения – Института художественной культуры (утверждён Совнаркомом в качестве государственного учреждения 17 февраля 1925 г.) По свидетельству искусствоведа Ирины Карасик, в ГИНХУКе «изучались процессы и законы пластического формообразования, специфика и механизмы эволюции современных живописных систем, физиология зрительного восприятия, складывалась методология объективного анализа пространственных искусств, ориентированная на принципы и процедуры естественно – научного знания». Михаил Матюшин называл его «первым научно поставленным авангардом». См. подробнее: Карасик И. Н. ГИНХУК (Государственный институт художественной культуры) // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/ginkhuk. – Прим. ред.

338

В ГИНХУКе Вера Ермолаева сначала работала в отделе живописной культуры, затем возглавила созданную лабораторию цвета. См.: Карасик И. Н. ГИНХУК (Государственный институт художественной культуры) // Энциклопедия русского авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/history/ginkhuk. – Прим. ред.

339

Цит. по: Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 202–203.

340

Ассоциация художников революционной России (с 1928 года – АХР, Ассоциация художников революции) – объединение советских художников, основанное в 1922 году, ставшее предтечей Союза художников СССР. В работах АХРРовцев были заложены основы социалистического реализма в живописи. Объединение распущено в 1932 году постановлением ЦК ВКП(б) от 23 апреля «О перестройке литературно-художественных организаций». – Прим. ред.

341

Название статьи об отчетной выставке ГИНХУКа, опубликованной 10 июля 1926 года в газете «Ленинградская правда» Г. С. Гингером (псевдоним Г. Серый) и посвященной, в частности, «вредоносности» ГИНХУКа. После ее публикации ГИНХУК был объединен с ГИИИ (Государственным институтом истории искусства), прекратив самостоятельное существование. См.: Карасик И. Н. ГИНХУК (Государственный институт художественной культуры) // URL: Энциклопедия русского авангарда https://rusavangard.ru/online/history/ginkhuk. – Прим. ред.

342

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 208.

343

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М., 2008. С. 251.

344

Казанская Мария Борисовна (1914–1942) – художница, график, ученица В. М. Ермолаевой.

345

Эндер Ксения Владимировна (1895–1955) – живописец, график, исследователь цвета. Ученица М. В. Матюшина. Сестра художников Б. В. и М. В. Эндер.

346

Эндер Мария Владимировна (1897–1942) – живописец, дизайнер, график. Ученица М. В. Матюшина. Сестра художников Б. В. и К. В. Эндер.

347

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М, 2008. С.254.

348

Об этом мы узнаем из воспоминаний сестры Марии Казанской – Татьяны. См.: Воспоминания Татьяны Борисовны Казанской, прочитанные на вечере памяти Веры Ермолаевой в ЛОСХ 18 мая 1972 г. Публикация стенограммы выступления, архив ЛОСХ РСФСР // Авангард, остановленный на бегу. – Л.: Аврора, Ленинград, 1989.

349

Заинчковская А. Н. Творчество В. М. Ермолаевой в контексте русского искусства 1920–1930 годов. Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения. М, 2008. С. 227.

350

В 2011 году были опубликованы дневники Верёвкиной. См.: Веревкина М. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011. – 246 с.

В 2006 году о Марианне Верёвкиной была написана и защищена в МГУ диссертация: Шаронкина-Витек Е. В. Марианна Верёвкина. Символизм и экспрессионизм в мюнхенский период творчества: диссертация… кандидата искусствоведения: 17.00.04. – Москва, 2006. – 261 с.

В 2010 году в Третьяковской галерее прошла выставка «Художники русского зарубежья: Марианна Верёвкина (1860–1938)» и был издан каталог: Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010. – 310 с.

См. также: Олейник М.С. Марианна Верёвкина: Эволюция стиля от символизма к импрессионизму. – СПб.: Алетейя, 2019. – 206 с.

Письма Марианны Верёвкиной к Игорю Грабарю частично опубликованы Еленой Теркель в книге: Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010. – С. 169–195. Сами письма хранятся в рукописном отделе Государственной Третьяковской Галереи, письма В. Э. Борисова-Мусатова к художнице хранятся в отделе рукописей Государственного Русского Музея, письма Верёвкиной к Кандинскому находятся в архиве Берлинской государственной библиотеки.

351

Дараган Елизавета Петровна (1834–1885) – художница-любительница. Мать – писательница и педагог Анна Михайловна Дараган (1806–1877), отец – генерал-лейтенант Дараган Пётр Михайлович, с 1850 по 1865 год занимавший пост губернатора Тульской губернии. Собственное творчество Е. П. Дараган практически неизвестно. См. об этом: Рублев В. Живописец Верёвкина (Дараган) Елизавета Петровна // www.yavarda.ru, 23 марта 2020 года. URL: https://yavarda.ru/elizavetaveryovkina.html. – Прим. ред.

352

Грабарь И. Письма 1891–1917. Цит. по: Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010. С. 56.

353

Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011. С. 28.

354

Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011. С. 20.

355

Теркель Е. Марианна Верёвкина и Игорь Грабарь: пересечения и параллели // Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010. С. 152–153.

356

Об этом свидетельствует представленная в указанной статье Елены Теркель переписка Грабаря и Кардовского, где описаны скандалы и ссоры, а также упоминание того, как Явленский со своей стороны обет безбрачия вовсе не держит.

357

Якимович А. К. Несколько слов о художнице, ее судьбе и творчестве // Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011. С. 7–8.

358

Веревкина М. В. Указ. соч. – С. 56.

359

Кандинский В. В. Избранные труды по теории искусства. – Москва, 2001. Т. 1. С. 300.

360

Художники русского зарубежья. Марианна Веревкина. Каталог выставки, 2010. С. 43.

361

Лаучкайте Л. Связи Марианны Верёвкиной с русскими художниками // Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010. С. 47.

362

Laučkaitė L. Ekspresionizmo raitelė Mariana Veriovkina. – Vilnius: Kultūros, filosofijos ir meno institutas, cop. 2007. – P. 215–216 (письма Верёвкиной на русском языке опубликованы в приложении к книге).

363

«Письма к неизвестному» переведены на русский и изданы только в 2011 году. Они принадлежат Фонду Марианны Верёвкиной в Асконе, дневник составляют три тетради писем с 1901 по 1905 год.

364

Шаронкина-Витек Е. В. Приношение русскому искусству// Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – Москва: Искусство – XXI век, 2011. С. 205–206.

365

Шаронкина-Витек Е. В. Приношение русскому искусству// Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – Москва: Искусство – XXI век, 2011. С. 210.

366

Веревкина М.В. Указ. соч. – С. 35.

367

Веревкина М.В. Указ. соч. – С. 109.

368

Веревкина М.В. Указ. соч. – С. 109.

369

Веревкина М.В. Указ. соч. – С. 25.

370

Веревкина М.В. Указ. соч. – С. 152–153.

371

Сохранилась рукопись, предназначенная для Виленской конференции «О символе, знаке и его значении в мистическом искусстве». Точно не установлено, когда именно Верёвкина выступала с докладом. Некоторые исследователи, опираясь на биографические заметки, относят доклад к 1910–11 годам, другие к 1913–14 годам, когда художница последний раз посещала Литву.

372

Об этом см.: Боулт Дж. Э. «Воскресный день»: Марианна Веревкина и русский Серебряный век // Амазонки авангарда. – М.: Наука, 2001. – С. 72–73.

373

Веревкина М. В. Указ. соч. – С. 34.

374

Веревкина М.В. Указ. соч. – С. 133.

375

См.: Боулт Дж. Э. «Воскресный день»: Марианна Веревкина и русский Серебряный век // Амазонки авангарда. – М.: Наука, 2001. С. 73. Исследовательница Мара Фолини называет текст «Доклада 1914 года» Марианны Верёвкиной «женским вариантом “О духовном в искусстве”».

376

Кандинский и Мюнтер, Верёвкина и Явленский ездили отдыхать и рисовать в Мурнау, начиная с 1907 года.

377

Цит. по: Жан-Клод Маркаде – Искусство как преображение жизни // Марианна Веревкина. 1860–1938. Художники русского зарубежья. – М.: Третьяковская галерея, 2010. С. 88

378

Основанное в 1896 году «Братство св. Луки», куда входили Василий Кандинский, Габриела Мюнтер, Алексей Явленский, Пауль Клее. В 1909 г. художники образовали «Новое объединение художников Мюнхена», а затем – объединение «Синий всадник». См.: Чернецова Е. Маринна Веревкина // https://www.partner-inform.de/partner/detail/2007/8/236/2519/mariana-verevkina?lang=ru, дата обращения 22.10.2022. – Прим. ред.

379

Выставка живописи, графики, скульптуры и архитектуры, организованная поэтом, художественным критиком и издателем, основателем журнала «Аполлон» Сергеем Константиновичем Маковским (1877–1962) в 1909 году в Меншиковском дворце. Экспонировалось более 500 работ 80 художников. См.: http://www.newestmuseum.ru/history/collectors/makovskiy_sk/index.php?lang=ja, дата обращения 22.10.2022. – Прим. ред.

380

Первый и второй «Салоны» Издебского – передвижные международные выставки, организованные одесским скульптором, критиком, предпринимателем Владимиром Алексеевичем Издебским (1882–1965) с декабря 1909-го по май 1911 года в ряде городов Российской империи (Одесса, Киев, Николаев, Херсон, Санкт-Петербург, Рига). «Салоны» внесли заметный вклад в становление русского авангарда и в формирование русско-французских художественных связей. М. В. Верёвкина участвовала в обоих «Салонах» Издебского. См. об этом: Барковская О. Издебский Владимир Алексеевич (1882–1965). URL: http://odessa-memory.info/index.php?id=133. – Прим. ред.

381

Веревкина М. В. Указ. соч. – С. 137.

382

Диалог приводится в издании: Шаронкина-Витек Е. В. Приношение русскому искусству // Веревкина М. В. Письма к неизвестному. – М.: Искусство – XXI век, 2011. – С. 203.

383

Laučkaitė, Laima. Указ. соч. – Pp. 219–220.

384

Пенсию она стала получать после смерти отца в начале 1896 года

385

Музей открылся в 1922 году. Основу его коллекции составили работы, подаренные художниками, жившими в городе. Инициатива создания коллекции принадлежала М. В. Верёвкиной и художнику Эрнсту Кемптеру (1891–1958). Часть наследия художницы хранится в Асконе в Фонде Марианны Верёвкиной, открытом в городе в 1939 году. См.: Официальный сайт Муниципального музея современного искусства Асконы. URL: https://www.museoascona.ch/it/museo-comunale-d-arte-moderna. – Прим. ред.

386

Возвращая забытые имена: графика Юлии Оболенской. Выставочный зал Центра имени академика И. Э. Грабаря (Москва), 17.03.2016–28.04.2016. На выставке был представлен 31 графический лист из собрания Государственного литературного музея и научно-вспомогательного фонда ВХНРЦ им. акад. И. Э. Грабаря. Каталог выставки: Возвращая забытые имена. Графика Юлии Оболенской. – М.: ФГБУК «Всероссийский художественный научно-реставрационный центр имени академика И. Э. Грабаря», 2016. – 72 с.; статью Ольги Темериной и Евгении Савинкиной о истории выставки см.: URL: http://cultobzor.ru/2016/04/yuliya-obolenskaya-1889-1945. – Прим. авт. и ред.

387

См.: Алексеева Л. К. Цвет винограда. Юлия Оболенская, Константин Кандауров. – М.: АСТ, 2017. – 380 с.; Бернштейн Л. Забытые художники школы Званцевой. – Toronto Slavic Quarterly, v. 58, 2017 (in Russian); Бернштейн Л., Неклюдова Е. Курсивный шрифт эпохи. Почтовая проза из архива Ю. Л. Оболенской // Наше наследие. 2017. № 121. С. 60–77; Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. – Бостон: Academic Studies Press; Санкт-Петербург: БиблиоРоссика, 2020. – 344 с.; Темерина О., Савинкина Е. Вступительная статья. / Возвращая забытые имена. Графика Юлии Оболенской – М.: ФГБУК «Всероссийский художественный научно-реставрационный центр имени академика И. Э. Грабаря», 2016. – 72 с.; архивы Юлии Оболенской в РГАЛИ (ф. 2080, ф. 700, ф. 769, ф. 990); архив в ГТГ, Отдел Рукописей, Фонд 5; Государственный литературный музей, фонд 348.

388

См. Главу 1 настоящей книги.

389

Кандауров Константин Васильевич (1865–1930) – живописец, график, художник театрально-декорационного и декоративно-прикладного искусства, организатор выставок. В 1880–1885 годы учился в МУЖВЗ (не окончил). В 1887–1897-м был художником-исполнителем Большого театра, в 1910-е годы работал художником-осветителем Малого театра, в 1920–1926-м – художником Малого театра. Член и экспонент объединений «Бубновый валет» (1916), «Мир искусства» (1911–1917), «Жар-цвет» (1924–1928). Часто работал в соавторстве с художницей Ю. Л. Оболенской. – Прим. ред.

390

ГТГ ОР. Ф. 5. Ед. хр. 1396. Л. 2 об.

391

Русские художники на Венецианской биеннале, 1895–2013. – М.: Stella Art Foundation, 2013. С. 241.

392

Общество было организовано в 1871 году в Петербурге, устав Общества был утверждён 24 марта этого же года министром внутренних дел генерал-адьютантом Тимашевым.

393

См.: Бернштейн Л., Неклюдова Е. Курсивный шрифт эпохи. Почтовая проза из архива Ю. Л. Оболенской // Наше Наследие. № 121. 2017. http://www.nasledie-rus.ru/podshivka/12108.php.

394

Темерина О., Савинкина Е. Статья в каталоге выставки Ю. Л. Оболенской в ВХНРЦ им. акад. И. Э. Грабаря // URL: http://cultobzor.ru/2016/04/yuliya-obolenskaya-1889-1945.

395

Оболенская и Кандауров сделали в соавторстве несколько театральных проектов: кукольный спектакль «Война карточных королей» (Московский агитационный театр кукол, 1918), спектакль «Снегурочка» по пьесе Островского в Московском театре кооперативов (Московский театр кооперативов, 1923).

396

Темерина О., Савинкина Е. Статья в каталоге выставки Ю. Л. Оболенской в ВХНРЦ им. акад. И. Э. Грабаря // URL: http://cultobzor.ru/2016/04/yuliya-obolenskaya-1889-1945.

397

Бернштейн Л. Забытые художники школы Званцевой // Toronto Slavic Quarterly. № 58. Fall 2016. http://sites.utoronto.ca/tsq/58/index_58.shtml.

398

Бернштейн Л. Забытые художники школы Званцевой // Toronto Slavic Quarterly. № 58. Fall 2016. http://sites.utoronto.ca/tsq/58/index_58.shtml.

399

Третий Московский процесс, или процесс антисоветского «право-троцкистского блока», (1938) – одно из массовых уголовных дел времен сталинских репрессий, главными обвиняемыми были Н. И. Бухарин, А. И. Рыков. 18 обвиняемых по делу приговорили к расстрелу, 3 – к тюремному заключению, но позже тоже расстреляли.

400

Алексеева Л. К. Указ. соч. – С. 21.

401

Алексеева Л. К. Указ. соч. – С. 15

402

Алексеева Л. К. Указ. соч. – С. 206.

403

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. – Бостон: Academic Studies Press; СПб.: БиблиоРоссика, 2020. – 344 с.

404

Речь о майских и ноябрьских праздниках 1918 года.

405

Агитационно-массовое искусство первых лет Октября. Материалы и исследования. – М.: Искусство, 1971. С. 73.

406

Для нашего исследования в этой связи важна публикация о переписке Ю. Л. Оболенской. См.: Бернштейн Л., Неклюдова Е. Курсивный шрифт эпохи. Почтовая проза из архива Ю. Л. Оболенской // Наше Наследие № 121. 2017. URL: http://www.nasledie-rus.ru/podshivka/12108.php.

407

20 ноября 1917 года. Цит. по: Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. – Бостон: Academic Studies Press; Санкт-Петербург: БиблиоРоссика, 2020. С. 114.

408

Январь 1920 года без точной даты. Цит. по: Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 159.

409

Записи от 20 и от 28 февраля 1919 года. Цит. по: Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 129–130.

410

Подробнее о декриминализации и рекриминализации гомосексуальности в России и СССР см.: Хили Д. Другая история. Сексуально-гендерное диссидентство в революционной России. – М.: Музея современного искусства «Гараж», 2022. – 520 с. – Прим. ред.

411

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 102

412

Об этом см.: Алексеева Л. К. Цвет винограда. Юлия Оболенская, Константин Кандауров. – М.: АСТ, 2017. С. 40.

413

Оболенская Ю. Л. Из дневника 1913 года. URL: http://maxvoloshin.ru/all_21. – Прим. ред.

414

Алексеева Л. К. Указ. соч. – С. 125.

415

Цит. по Алексеева Л. К. Указ. соч. С. 133.

416

Цит. по Алексеева Л. К. Указ. соч. С. 136–137.

417

Концепция «новой женщины» Александры Коллонтай, описанная в одноименной статье 1913 года и изданной в 1919 году в сборнике «Новая мораль и рабочий класс». Согласно Коллонтай, объявить женщину равноправной не значит сделать ее равноправной и, помимо совершения политических и экономических реформ, необходим пересмотр отношений между полами. Капитализм и Октябрьская революция, по ее мнению, были необходимыми условиями для создания и развития типа новой женщины по всему миру. См.: Коллонтай А. М. Новая мораль и рабочий класс. – М.: Всероссийский центральный исполнительный комитет советов рабочих, крестьянских и красноармейских депутатов, 1919. – 62 с. – Прим. ред.

418

Алексеева Л. К. Указ. соч. С. 196.

419

Об этом подробнее: Бернштейн Л., Неклюдова Е. Курсивный шрифт эпохи. Почтовая проза из архива Ю. Л. Оболенской. URL: http://www.nasledie-rus.ru/podshivka/12108.php.

420

Речь идёт о Фёдоре Ивановиче Колесове (1891–1940) – организаторе борьбы за советскую власть в Туркестане. С ним Оболенская познакомилась, когда работала над иллюстрациями для сборника воспоминаний участников гражданской войны в Средней Азии. Подробнее об этом: Бернштейн Л., Неклюдова Е. Курсивный шрифт эпохи. Почтовая проза из архива Ю. Л. Оболенской.

421

В Детгизе Оболенская оформила такие книги: «Маленькие рассказы» (1944), «Старый дед и внучек» Л. Н. Толстого (1944), «Мороз Иванович» А. И. Одоевского (1944) и др.

422

Оригиналы писем в: архиве Оболенской в РГАЛИ (ф. 2080, ф. 700, ф. 769, ф. 990); архиве в ГТГ, Отдел Рукописей, Фонд 5.; Государственном литературном музее, фонд 348.

423

В переписках есть упоминания об их «квартете»: Магда Нахман, Юлия Оболенская, Наталья Грекова, Варя Климович-Топер; также упоминается еще одна подруга и коллега – Надежда Лермонтова.

424

Школа в Санкт-Петербурге, основанная в 1736 году для обучения детей немецких поселенцев. В настоящее время в обоих зданиях школы находится физико-математический лицей № 239. – Прим. ред.

425

Среди них – две выставки «Мира искусства» в Москве и Санкт-Петербурге 1913 годов, благотворительная «Выставка картин в пользу Лазарета деятелей искусства» 1914 года в Художественном бюро Н. Е. Добычиной и «Выставка живописи» 1915 года в в Художественном салоне К. И.Михайловой. См.: Bernstein L. The great little lady of the Bombay art world. URL: https://www.academia.edu/33740303/THE_GREAT_LITTLE_LADY_OF_THE_BOMBAY_ART_WORLD. – Прим. ред.

426

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 104–105.

427

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 104–105.

428

Алексеева Л. К. Указ. соч. – С. 227–228.

429

Речь о Раисе Ивановне Котович-Борисяк (1895–1923) – художнице, ученице школы Званцевой, участнице объединения «Жар-Цвет».

430

Имеется в виду Абрам Маркович Эфрос (1888–1954) – советский искусствовед, театровед, литературовед. В 1917 году стал членом общественных и государственных органов охраны художественных ценностей. В 1918–1927 годах был одним из ведущих сотрудников Коллегии по делам музеев и охраны памятников искусства и старины Наркомпроса РСФСР. Всё это время он активно участвовал в определении основных направлений государственной музейной политики.

431

Имеется в виду искусствовед Фёдор Гогель, который стал первым директором Музея Востока, созданного после революции в связи с той самой колониальной «политикой коренизации» внутри национальных республик.

432

Цит. По: Бернштейн Л. Забытые художники школы Званцевой. http://sites.utoronto.ca/tsq/58/Bernstein58.pdf.

«Софья» – художница Софья Дымшиц-Толстая, ученица Бакста в школе Званцевой. В 1919–1920-м была секретарем и помощником Татлина и работала над стеклянными конструкциями – частью Памятника III Интернационалу («Татлинская башня»).

«Пестель» – художница Вера Ефремовна Пестель (1887–1952). В 1910 годы работала в Свободной коллективной мастерской на Остоженке вместе с Владимиром Татлиным. В начале 1930 годов отошла от художественной жизни.

433

Эфрон Елизавета Яковлевна (1885–1976) – российский и советский театральный деятель. В 1919 году помогала организовать в селе Усть-Долыссы самодеятельный театр. – Прим. ред.

434

«…делала я наброски портретные. Они здесь так нравятся, что собираются давать мне заказы, и я буду рисовать за продукты. Правда хорошо? Меня уверяют, что я могу много зарабатывать. Только с бумагой и красками плохо». Цит. по: Алексеева Л. К. Цвет винограда. Юлия Оболенская, Константин Кандауров. – Москва: АСТ, 2017. С. 230.

435

РГАЛИ. Ф. 2080. Оп. 1. Ед. хр. 45. Л. 151.

436

Восстание в Ташкенте в октябре 1917 года, вылившееся в вооруженный насильственный захват власти коалицией левых эсеров и большевиков в октябре-ноябре 1917 года. См.: Воробьева Э. А. Восстание в Ташкенте в октябре 1917 г. по воспоминаниям С. В. Сазанова // Омский научный вестник. Серия «Общество. История. Современность» Том 6. № 3. 2021. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/vosstanie-v-tashkente-v-oktyabre-1917-g-po-vospominaniyam-s-v-sazanova.

437

Война в песках: Гражданская война в Средней Азии. Материалы по истории гражданской войны, к XII тому. – М.: ОГИЗ, 1935. – 547 с.

438

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 223–224.

439

Бернштейн Л. Магда Нахман. Художник в изгнании. С. 223–224.

440

«Человек, у которого есть чувство красок, счастлив в счастливом мире, где проливной дождь – не предвестник насморка, а прекрасный перелив на асфальте, и где на ничтожнейшем предмете обихода горит обольстительный блик. У г-жи Нахман-Ачария это чувство есть, и она умеет им пользоваться полностью. <…> Очень приятная выставка, лишний раз доказывающая, как высоко стоит русская живопись», – писал Набоков в рецензии на выставку в газете «Руль» от 1 ноября 1928 года. Цит. по: Эмигранты: Магда Нахман в Германии. URL: http://project1277997.tilda.ws/page5568505.

441

Портрет был создан в 1933 году и не сохранился. Воспроизводился на обложке романа В. В. Набокова «Подвиг» (англ. Glory, 1932) на основе фотографии портрета, сохранившейся у Веры Набоковой. Попытки семьи разыскать портрет при жизни писателя не привели к успеху. Портреты Елены и Веры Набоковых также не сохранились. См.: Эмигранты: Магда Нахман в Германии. URL: http://project1277997.tilda.ws/page5568505.. – Прим. ред.

442

В этих календарях издательства Jüdischer Verlag в выпусках за 1928/1929 и 1930/1931 годы были представлены четыре рассказа, проиллюстрированные Магдой.

443

Организованная нацистами выставка «Дегенеративное искусство» объединила около 650 произведений модернистского – антиклассического, «еврейско-большевистского» и «антигерманского», по мнению нацистов, искусства. Представленные на выставке экспонаты были конфискованы в музеях Германии и выставлены в 1937 году в здании галереи в парке Хофгартен через день после открытия «Большой германской художественной выставки» в мюнхенском «Доме немецкого искусства». До апреля 1941 года выставка объехала еще 12 городов. Событие имело роковые последствия для истории модернизма и авангарда и многих его представителей, оказавшихся дискретидированными вплоть до падения нацистского режима и начала процессов денацификации Германии. В 2003 году при Свободном университете в Берлине был основан Институт изучения выставки «Дегенеративное искусство». – Прим. ред.

444

К сожалению, сохранилось крайне мало доступных источников, есть личные архивы, принадлежащие наследникам, но они недоступны для исследователей

445

Близкими друзьями Герты Неменовой была семья художников Татьяны Купервассер и Александра Русакова. Искусствовед Юрий Александрович Русаков – сын художников – продолжал тесно общаться с Неменовой и после смерти родителей. Юрий Александрович принимал активное участие в организации посмертной персональной выставки художницы (1993 год), написал вводный текст, который до сих пор цитируют как наиболее исчерпывающую биографию.

446

Натан Исаевич Альтман (1889–1970) – художник театра, живописец, график. Образование получил в Одесском художественном училище, а затем в Академии М. И. Васильевой в Париже. Долго жил в Петербурге, где стал довольно известным художником, стиль его живописи близок к кубистическому. Сотрудничал с театрами, преподавал, в 1928 году Альтман остался после европейских гастролей с Московским государственным еврейским театром (ГОСЕТ) в Париже до 1935 года.

447

См.: Неменова Герта Михайловна // Энциклопедия авангарда. URL: https://rusavangard.ru/online/biographies/nemenova-gerta-mikhaylovna.

448

В 1923 году Неменова приняла участие в «Выставке картин петроградских художников всех направлений 1919–1923» (1923), которая была организована отделом изобразительного искусства Петроградского отделения Союза работников искусств (Сорабис) и в рамках которой экспонировались работы более 250 художников, включая работы Л. А. Бруни, М. В. Добужинского, С. И. Дымшиц-Толстой, В. М. Конашевича, П. В. Митурича. В 1929 году она участвовала в III выставке картин и скульптуры группы «Круг Художников» в Ленинграде. – Прим. ред.

449

Русаков Ю. А. Герта Неменова // Избранные искусствоведческие труды. – СПб.: Алетейя, 2000. С. 250.

450

Современная академия (Academie Moderne) – независимая парижская художественная школа, основанная в 1924 году художниками Фернаном Леже и Амеде Озанфаном. Помимо них, среди преподавателей Академии была А. А. Экстер.

Ю. А. Русаков приводит цитату Ф. Леже из свидетельства об образовании, которое она получала в его Академии: «В бумагах Герты Михайловны имеется подписанное Леже свидетельство о том, что пройдя у него курс рекламного дела, <она приобрела знания в области современной техники, которыми (он) очень доволен>» См.: Русаков Ю. А. Герта Неменова // Избранные искусствоведческие труды. – СПб.: Алетейя, 2000. С. 251. – Прим. ред.

451

«Михаил Фёдорович просил оставить ему холст – балерину, которая выставлялась на Осеннем Салоне. Опять Наталья Сергеевна прекратила наш спор и решила, что я сделаю копию: «знаете, у Михаила Фёдоровича архив». Копию я сделала акварелью, ему понравилось как будто и, кажется, он говорил с одобрением о растёках». См.: Неменова Г. М. «Париж… Париж…» // Герта Неменова (1905–1986). Автолитографии 1930–1970 гг. – М.: Скорпион, 2007. С. 158.

452

«Критерий испытания Парижем, современным французским искусством остался главным для нее до конца дней. Мысль, выдержали ли бы ее новые работы соревнования с французами, была для нее мучительной, ранящей в самые разные годы, вплоть до последних. Вероятно, поэтому ее мало интересовало участие в ленинградских и вообще отечественных выставках, она всячески (и чем позднее, тем откровеннее) от него уклонялась, мечтая – без всяких в ту пору надежд – о выставке в Париже…» / Русаков Ю. А. Герта Неменова //Избранные искусствоведческие труды. – СПб.: Алетейя, 2000. С. 251.

453

Курдов Валентин Иванович (1905–1989) – советский художник, плакатист, иллюстратор детской книги, мемуарист. В 1926 году учился в ГИНХУКе под руководством К. С. Малевича, работал также практикантом в Отделе живописной культуры. С 1927 года Курдов выступал как художник детской книги, работал в редакции Детгиза у В. В. Лебедева, который возглавлял (до 1933 г.) художественную редакцию детского отдела Госиздата.

454

Среди иллюстрированных В. И. Курдовым книг: «Где раки зимуют», «Лесная газета на каждый год», «Последний выстрел» Виталия Бианки, «Рикки-Тикки-Тави и другие сказки» Р. Киплинга.

455

Курдов В. И. Памятные дни и годы. Записки художника. – СПб.: «Арсис», 1994. – 238 с.

456

В частности, была арестована писательница и редакторка Тамара Габбе, в 1938 году освобождена; арестована Александра Любарская – писательница-фольклористка, в 1939 году освобождена.

457

В 1936 году в «Комсомольской правде» в статье «О художниках-пачкунах» писали о произведениях Лебедева: «Мазня вместо рисунков. Формалистическим выкрутасам не место в детской книге».

458

Письма Ильи Григорьевича Эренбурга Неменовой Герте Михайловне, РГАЛИ, Ф. 1204, опись № 2, отдел № 804, стр. 6.

459

Письма Ильи Григорьевича Эренбурга Неменовой Герте Михайловне, РГАЛИ, Ф. 1204, опись № 2, отдел № 804, стр. 6.

460

Эрик Эсторик (1913–1993) – американский коллекционер, арт-дилер и критик, живший в Лондоне. Родился в Нью-Йорке в семье еврейских эмигрантов из России, в Нью-Йоркском университете получил докторскую степень по социологии. В 1960-е годы возглавлял галерею Grosvenor в Лондоне, как коллекционер интересовался советским искусством и современной итальянской живописью.

461

Галеев И. И. Гордая Герда // Герта Неменова (1905–1986). Автолитографии 1930–1970 гг. – М.: Скорпион, 2007. С. 6.

462

Курдов В. И. Указ. соч. – С. 84–85.

463

Русаков Ю. А. Указ. соч. – С. 262–263.

464

Русаков Ю. А. Указ. соч. – С. 262–263.

465

Сформированный Поленовой иллюстративный стиль к русским народным сказкам повлиял, в свою очередь, на формирование персонального стиля таких художников модерна, как Иван Билибин, Сергей Малютин, Георгий Нарбут, Дмитрий Митрохин.

466

Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Варвара Степанова и Александр Родченко, Надежда Удальцова и Александр Древин, Ольга Розанова и Алексей Кручёных, Марианна Верёвкина и Алексей Явленский, Василий Кандинский и Габриэле Мюнтер, Михаил Матюшин и Елена Гуро, Иван Пуни и Ксения Богуславская, Сергей Судейкин и Вера Судейкина, Александра Платунова и Константин Чеботарев, Антонина Софронова и Гарри Блюменфельд и др.

467

В своем дневнике художница Антонина Софронова, разрабатывая собственную теорию искусства, в 1919 году записывает: «Может ли художественное творчество быть коллективным? Я думаю, оно может быть коллективным только во времени. <…> При одновременном механическом соучастии в творчестве группы лиц не может получиться единой слитной идеи или образа. Это может произойти только при последовательном во времени прохождении идеи или образа через сознание каждого из участников»// Софронова А. Записки независимой. Дневники, письма, воспоминания. Под ред. В. Ракитина и А. Сарабьянова. – М.: 2001. С. 118.

468

Так, в дневнике художницы Антонины Софроновой читаем: «У многих больших художников было стремление теоретизировать свои взгляды на искусство (Леонардо да Винчи, Делакруа), но никогда еще не было такой благодатной почвы для систематического и исчерпывающего труда, как в наше время при существующем стремлении установить во всех областях точное знание и логическое мышление. Да и само современное искусство – живопись в особенности – не представляет ли собою рассудочное истолкование, исследование по элементам возникающих в нашем мозгу зрительных впечатлений (процесс работы над живописью)? Новое сознание рождает новое искусство. Современное искусство – продукт разума, направляющего воображение». Запись от 11 февраля 1920 г. Цит. по: Софронова А. Записки независимой. Дневники, письма, воспоминания. Под ред. В. Ракитина и А. Сарабьянова. – М.: 2001. С. 124.

Content

Олеся Авраменко, Галя Леонова
Её жизнь в искусстве

Предисловие

Глава I

Художественное образование и гендерные установки XIX века

Художница – это профессия?

Глава II

Елена Поленова

Мария Тенишева

Софья Кувшинникова

Анна Остроумова-Лебедева

Елизавета Званцева и ее школа

Глава III

Варвара Бубнова

Надежда Удальцова

Вера Ермолаева

Марианна Верёвкина

Юлия Оболенская

Магда Нахман

Герта Неменова

Заключение

Библиография

Примечания